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Los Premios Max convierten Mérida en el gran escenario de la cultura
El Teatro Romano acogió una gala brillante que reivindicó el valor del teatro, la danza y las artes escénicas como refugio de la memoria y la emoción colectiva.

Hay lugares que parecen construidos para resistir al tiempo. El Teatro Romano de Mérida es uno de ellos. Dos mil años después de que las primeras voces resonaran entre sus columnas, volvió a convertirse en el corazón de las artes escénicas españolas durante la celebración de los Premios Max 2026. Una noche elegante y emocionante en la que el teatro, la danza, la música y el circo se dieron cita para celebrar el talento, la creatividad y la capacidad del arte para seguir interrogando al mundo.

Porque los Premios Max son mucho más que una entrega de galardones. Son una fotografía anual del estado de la creación escénica en España. Un termómetro que mide las inquietudes de autores, compañías, intérpretes y creadores. Una ocasión para reivindicar el valor de unas disciplinas que continúan ofreciendo algo que ninguna tecnología ha conseguido sustituir: el encuentro entre seres humanos en un mismo espacio y un mismo tiempo. En una época marcada por la velocidad, las pantallas y la fragmentación de la atención, el teatro sigue proponiendo lo contrario: detenerse, escuchar, compartir emociones y mirar al otro. Lo mismo sucede con la danza, el circo o las nuevas formas híbridas de creación escénica. Todas ellas conforman un patrimonio vivo que alimenta la imaginación colectiva y mantiene encendida una de las llamas esenciales de cualquier sociedad: la cultura. Y si existe un escenario capaz de simbolizar esa continuidad entre pasado y presente, ese lugar es Mérida.

Una ceremonia que dialogó con los clásicos y con Extremadura

La gala apostó por una puesta en escena de gran carga simbólica. No se trató únicamente de entregar premios. La ceremonia construyó un relato donde la tradición clásica dialogó con la creación contemporánea, convirtiendo el Teatro Romano en un espacio donde convivieron siglos de historia escénica. Un enorme logro en tiempos de trombosis creativa, que la maravillosa Cristina Silveira supo dirigir de manera extraordinaria.

Las referencias culturales se sucedieron a lo largo de la noche con una naturalidad sorprendente. Por el escenario desfilaron evocaciones de Esquilo y Sófocles pero también de figuras tan diversas como Margarita Xirgu, María Zambrano, Catalina Clara Ramírez de Guzmán, Sócrates o Diotima. Hubo espacio para la tragedia clásica, para la filosofía, para la literatura, para la memoria femenina y para la reivindicación de las raíces culturales extremeñas. La ceremonia tejió una narrativa donde convivían Medea y Antígona con Robe Iniesta, la danza butoh con las compositoras extremeñas, la escena contemporánea con la tradición grecolatina y las nuevas generaciones con quienes abrieron camino décadas atrás. Lejos de convertirse en una sucesión de números independientes, la gala construyó un discurso coherente sobre la identidad, la memoria y la capacidad transformadora de las artes escénicas.

La huella extremeña brilló con luz propia

Más allá del papel de anfitriona, Extremadura tuvo una presencia decisiva en el desarrollo artístico de la ceremonia. Diecisiete bailarines, como Irene Naranjo o Lara Martorán, e intérpretes extremeños participaron activamente en una propuesta escénica que otorgó a la danza un protagonismo inusual dentro de este tipo de galas. Sus intervenciones aportaron fluidez, ritmo y cohesión visual a una ceremonia que evitó la rigidez institucional para apostar por un espectáculo vivo. Pero fueron las recreaciones inspiradas en la tragedia clásica las que ofrecieron algunos de los momentos más intensos de la noche. Y por ahí aparecieron el equipo de danza de la Quijjá, de la coreógrafa extremeña Paloma Muñoz, tres minutos intensos en una super reducción de su espectáculo de danza que evoca un paisaje devastado y busca la poesía en los huesos. Fantásticos.

María Luisa Borruel dio vida a una Medea desgarradora. José Vicente Moirón encarnó a Edipo con la solvencia de quien conoce profundamente la tragedia griega. Esteban G. Ballesteros se convirtió en Sócrates, mientras que Alberto Amarilla asumió la figura de Prometeo. Pepa Gracia aportó fuerza y humanidad a Antígona e Isabel Ordaz hizo lo propio con Hécuba. Las interpretaciones alcanzaron tal nivel de intensidad que muchos asistentes coincidieron en señalar estos fragmentos como algunos de los instantes más memorables de toda la velada. Fueron pequeñas piezas teatrales insertadas en medio de la gala que recordaron por qué los clásicos siguen hablando con extraordinaria vigencia al espectador contemporáneo.

La música también tuvo un marcado acento extremeño. La soprano Mar Morán protagonizó una de las actuaciones más celebradas de la noche acompañada por Belén Castillo al piano y por el bailarín pacense Óscar Alonso, cuya trayectoria internacional lo ha convertido en una de las figuras emergentes más interesantes de la danza española. Entre los momentos más emotivos de la ceremonia destacó el homenaje a Robe Iniesta, una de las voces más universales surgidas de Extremadura. La gala conectó con las raíces contemporáneas de la región mediante una delicada y conmovedora versión coral de Puntos suspensivos, interpretada por el Coro Amadeus de Puebla de la Calzada. La pieza, cargada de sensibilidad y simbolismo, tendió un puente entre la música popular y las artes escénicas, demostrando que la creación cultural extremeña trasciende géneros y generaciones. Bajo las bóvedas del Teatro Romano, la canción adquirió una dimensión casi litúrgica, convirtiéndose en uno de esos instantes capaces de detener el tiempo y emocionar a un auditorio entregado.

Madrid y Cataluña concentran los grandes reconocimientos

Si algo dejó claro el palmarés de esta edición fue el enorme peso que siguen teniendo Madrid y Cataluña dentro de la producción escénica nacional. El Centro Dramático Nacional y el Teatre Nacional de Catalunya se repartieron buena parte de los principales reconocimientos teatrales, obteniendo cinco galardones cada uno y consolidando su posición como dos de los grandes motores creativos del panorama escénico español.

La gran vencedora de la noche fue 1936, una ambiciosa producción del Centro Dramático Nacional, CheckIn Producciones y El Terrat, dirigida por Andrés Lima, una obra monumental sobre la Guerra Civil que convirtió la memoria histórica en materia escénica viva. Su frase de la noche podría resumirse así: “El teatro también sirve para nombrar a quienes siguen esperando justicia bajo la tierra.”. Premio al Mejor espectáculo.

La tercera fuga, del Teatre Nacional de Catalunya, se llevó tres premios: Mejor Autoría Teatral, Mejor Elenco de Teatro y Mejor Actor para Ton Vieira. Su espíritu quedó marcado por una idea poderosa: “El exilio no es solo una herida geográfica; también es una forma de mirar el mundo.”

Los nuestros, del Centro Dramático Nacional y el Teatre Nacional de Catalunya, obtuvo dos galardones fundamentales: Mejor Dirección de Escena para Lucía Carballal y Mejor Actriz para Mona Martínez. La obra puso sobre la mesa memoria, identidad y pertenencia. Su frase: “Somos también aquello que heredamos sin haberlo vivido.”

La danza toma la palabra

La danza fue una de las grandes protagonistas de la noche. No, de La Venidera y Centro Danza Matadero, se alzó como Mejor Espectáculo de Danza, Mejor Coreografía para Irene Tena y Albert Hernández, y Mejor Intérprete Femenina de Danza para Irene Tena. Tres premios para una propuesta de flamenco contemporáneo, física, intensa y emocional. Su frase: “A veces decir no es la forma más luminosa de seguir bailando.”

Faula, de Roser López Espinosa y el Consorci Mercat de les Flors, recibió el premio a Mejor Elenco de Danza. Su frase: “El cuerpo también sabe contar cuentos antiguos con una lengua nueva.”

El premio a Mejor Intérprete Masculino de Danza fue para Juan Berlanga, por JUANCABALLO. Su frase: “Bailar es dejar que el cuerpo diga lo que la palabra no alcanza.”

Jesús Cimarro y toda una vida dedicada a la escena

Otro de los momentos más significativos de la noche llegó con la entrega del Premio Max de Honor a Jesús Cimarro. La elección poseía una carga simbólica evidente. Pocos nombres están tan vinculados al crecimiento y consolidación de las artes escénicas en España durante las últimas décadas. Productor, gestor cultural y director del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida, Cimarro ha desempeñado un papel fundamental en la proyección nacional e internacional de uno de los certámenes teatrales más prestigiosos del país. El premio sirvió para reivindicar una labor muchas veces invisible: la de quienes sostienen la estructura necesaria para que las compañías puedan crear, girar y encontrarse con el público.

El palmarés completo de una edición diversa

Los 25 galardones repartidos durante la noche reflejaron la riqueza y diversidad del panorama escénico actual. Desde el teatro histórico de 1936 hasta las exploraciones corporales de No, pasando por la lírica de Hacia ecos de lo sagrado, el teatro de calle representado por Gota, la creación familiar de La Maestra, las propuestas emergentes como Zorra Dorada o los trabajos de investigación escénica reconocidos en categorías técnicas, el palmarés dibujó un mapa donde conviven distintas sensibilidades, lenguajes y generaciones. Una diversidad que constituye precisamente una de las mayores fortalezas de las artes escénicas españolas.

Mucho más que unos premios

Al finalizar la ceremonia, cuando los focos comenzaron a apagarse y el público abandonaba lentamente las gradas del Teatro Romano, quedaba la sensación de haber asistido a algo más que una entrega de galardones. Los Premios Max volvieron a recordar que el teatro sigue siendo un lugar donde una sociedad se mira a sí misma. Que la danza continúa explorando territorios que las palabras no alcanzan. Que el circo mantiene intacta su capacidad para desafiar los límites físicos y emocionales. Que la música sigue siendo capaz de unir mundos aparentemente lejanos. Y que la cultura, lejos de ser un lujo accesorio, constituye una necesidad colectiva. Las piedras milenarias de Mérida han contemplado imperios, guerras, celebraciones y silencios. Esta semana fueron testigos de otra victoria menos visible pero igualmente importante: la de las artes escénicas sobre el olvido. Una noche para celebrar premios, sí. Pero sobre todo una noche para celebrar que todavía existen escenarios capaces de reunirnos alrededor de una historia.

Relación completa de los ganadores de los Premios Max 2026

Teatro
- Mejor Espectáculo de Teatro: 1936
- Mejor Dirección de Escena: Lucía Carballal, por Los nuestros
- Mejor Autoría Teatral: Victoria Szpunberg y Albert Pijuan, por La tercera fuga
- Mejor Adaptación o Versión: Xavo Giménez, por Yo soy 451
- Mejor Actriz: Mona Martínez, por Los nuestros
- Mejor Actor: Ton Vieira, por La tercera fuga
- Mejor Elenco de Teatro: La tercera fuga
Danza
- Mejor Espectáculo de Danza: No
- Mejor Coreografía: Irene Tena y Albert Hernández, por No
- Mejor Intérprete Femenina de Danza: Irene Tena, por No
- Mejor Intérprete Masculino de Danza: Juan Berlanga, por JUANCABALLO
- Mejor Elenco de Danza: Faula
Musicales y lírica
- Mejor Espectáculo Musical o Lírico: Hacia ecos de lo sagrado
Calle, infancia y revelación
- Mejor Espectáculo de Calle: Gota, de Txema Muñoz
- Mejor Espectáculo Infantil, Juvenil o Familiar: La Maestra
- Mejor Espectáculo Revelación: Zorra Dorada
Autoría y creación musical
- Mejor Autoría Revelación: Iván López-Ortega, por Taxidermia de una alondra
- Mejor Composición Musical para Espectáculo Escénico: Raquel Molano, Pablo Peña y Darío del Moral, por Fuenteovejuna
Categorías técnicas
- Mejor Diseño de Producción: Poeta (perdido) en Nueva York
- Mejor Diseño de Espacio Escénico: Blanca Añón, por Orlando
- Mejor Diseño de Vestuario: Agustín Petronio, por Orlando
- Mejor Diseño de Iluminación: Pedro Yagüe, por Blaubeeren
Premios especiales
- Premio Max de Honor: Jesús Cimarro
- Premio Max Aficionado o de Carácter Social: Ezezagunok Antzerki Elkartea
- Premio Max Aplauso del Público: Sara Baras, por Vuela
Willy López / Félix Méndez
25 de mayo de 2026
Cuarenta veces Alcántara

Hay un momento, poco antes de que empiece la función, en que el Conventual de San Benito se queda en silencio. El público ya ha entrado. Los actores esperan entre bastidores. Algún técnico cruza todavía el escenario. Las sillas, ahora llena de ojos, llevan tomando el sol durante el día, a la espera de emociones. Fuera queda el calor de agosto y ese murmullo de las terrazas que regresará unas horas después. Entonces se apagan las conversaciones. Alguien dice la primera frase. Y Alcántara vuelve a empezar.

Ha ocurrido cuarenta veces. Podríamos llamarlo aniversario, pero quizá la palabra resulte demasiado seria. Demasiado pendiente de la cifra. En esta localidad del norte extremeño pesan menos los cuarenta años que los cuarenta encuentros. ¡Volver a Alcántara y punto! Ésa es la medida. Hay gente que lo hace cada verano, sin rechistar, asumiendo que pasarlo bien en una esquinita del mapa del país, es el beneplácito de los que han luchado durante el año, una especie de entrada gratis al Coliseo en tiempos de Trajano. Hay gente que deshace el camino del verano pasado, para recorrer la misma carretera, los que vienen bordeando el Tajo, los que conectan desde Zarza la Mayor, Ceclavín o Acehuche, los que se dejan menear por las colas del embalse, los que abandonan las pinturas de Morales en Brozas o se hacen pequeños en la plaza de Garrovillas de Alconétar, los que vienen con la cadencia catalana, la vasca, la de medio mundo, los hijos y nietos de los que tuvieron que abandonar este paisaje, que aunque en este momento se describa único, antes fue duro y yermo. Hay gente, cuarenta años después, que vuelve a cruzar el puente, el viejo, ahora a pie, personal que se dejar pescar en la charca, sirulos de ciudad con cara de turistas. Hay chicos y chicas que recuerdan los anaqueles de libros de una bibliotecaria que los animó a leer esos clásicos que ahora se representan, a todos ellos les viene el olor a mormentera. La distancia no olvida y reconocen una esquina donde antes se cocinaban churros y unas maravillosas patatas fritas, una terraza donde el último heavy de la comarca te pone la caña más fresca y la mejor banda sonora de la plaza de la “pera”, esa plazoleta de fronteras, donde el Bar Lisboa rezumó vida y donde el mudo era el que más gritaba. Hay gente que sigue recordando la cantera como un cráter huidizo, personas que hace años arroparon la localidad entre los poblados de norte a sur, los que se machacaron moviendo piedras y los que se rompieron la mollera para mantener la ingeniería de la presa.

El público sabe el camino hasta el Conventual y, aun así, vuelve a hacerlo despacio. No viene a celebrar un aniversario. Viene al teatro, y a todo lo que sucede en ese decorado previo. Alcántara, para pasar unos días diferentes en un pueblo que durante un tiempo también parece vivir de otra manera. A encontrarse con amigos que quizá sólo ve aquí. A cenar después de la función. A discutir si la obra de anoche fue mejor que la de hace tres veranos. A dejar que las horas duren un poco más. El festival ha terminado siendo eso. Una cita. Un lugar al que regresar. Durante unos días, la cultura ocupa las calles sin necesidad de hacer demasiada gresca. Aparece en una conversación, en un programa doblado sobre la mesa, en los actores que cruzan la plaza o en la gente que empieza a subir hacia el Conventual cuando cae la tarde. Después llega la noche. Lope, Calderón, Shakespeare o cualquier historia escrita hace siglos vuelve a ponerse delante de personas que han venido desde lugares distintos para hacer algo bastante sencillo: sentarse juntas y escuchar. Algunas funciones se olvidarán. Otras no. Pero siempre queda algo.

Una escena. Una frase. Una cena que terminó tarde. Una conversación. La luz del Conventual cuando ya ha oscurecido. Incluso aquella obra cuyo título uno ha olvidado, pero de la que todavía recuerda con quién estaba. También quien andaba encima del escenario. Juan Luis Galiardo, Juanjo Menéndez, Analía Gadé, Emilio Gutiérrez Cava, Amparo Rivelles, Adolfo Marsillach, Vicky Lagos, Manuel Galiana o María Fernanda D’Ocon. También una joven Maribel Verdú convertida en Julieta frente al Romeo de Fernando Guillén Cuervo. Y entre todos ellos aparece un nombre que Alcántara terminó haciendo casi suyo: Rafael Álvarez, El Brujo. Ha regresado tantas veces y ha colgado tantas veces el cartel de no hay billetes que resulta difícil separar su trayectoria de la memoria del festival.

Así se construyen cuarenta años. No sumando ediciones. Sumando veranos. Cuarenta veranos. Cientos de representaciones. Miles de espectadores. Y un mismo escenario. Lo demás ha cambiado casi todo. Han cambiado los gobiernos, las compañías, los directores artísticos, las formas de producir teatro e incluso la manera de comprar una entrada. Lo único que permanece es el camino hasta el escenario. Ese recorrido corto que atraviesa las calles de Alcántara y que, sin que nadie lo anuncie, convierte al espectador en parte de la representación

Cuando termina la última función, cada uno vuelve a su sitio. Los actores continúan la gira. Los espectadores regresan a casa. Alcántara recupera sus días normales. Pero algo viaja con ellos. Un recuerdo pequeño, particular, difícil de explicar a quien no estuvo allí. Y durante el resto del año basta a veces con escuchar el nombre de Alcántara para pensar en agosto. En el Conventual. En aquella noche. En que habrá que volver. Quizá por eso cuarenta no sea una cifra demasiado importante. Lo importante es que todavía haya gente esperando la cuarenta y una.

Orígenes. Antes de que todo empezara

En realidad, el Festival de Alcántara comenzó antes de su primera edición. Fue en 1984 y casi con prisas. La primavera estaba avanzada cuando se decidió probar aquella idea de llevar el teatro al Conventual de San Benito. Había poco tiempo, mucho por hacer y ninguna certeza de que aquello fuera a tener continuidad. La dirección se encargó a José Luis Sánchez Matas y el 18 de julio, a las diez y media de la noche, ocurrió por primera vez. Títeres La Tartana representó Ciudad Irreal, una mirada a la vida urbana de aquellos años ochenta. Al día siguiente llegó Pluto, de Aristófanes.

Dos noches.

Suficientes para comprobar que allí podía pasar algo. Aquel verano fue un ensayo. El festival propiamente dicho comenzó en 1985, con Antonio Guirau Sena al frente. Guirau conocía bien los montajes al aire libre y fue dando forma, edición tras edición, a algo que todavía estaba buscando su sitio. Le dio ambiente, personalidad y, sobre todo, continuidad. Después llegó Antonio Amengual, que incorporó una zarzuela en cada edición y encontró una respuesta especialmente buena del público. Hubo un periodo de transición dirigido por Pablo Pérez de Lazárraga, entonces concejal de Cultura de Alcántara, y desde 1992 Francisco Javier González Magariños abrió una larga etapa de madurez y consolidación.

Los nombres que explican una parte de la historia.

La otra está sobre el escenario. Por San Benito han pasado algunos de los grandes intérpretes del teatro español: Juan Luis Galiardo, Juanjo Menéndez, Analía Gadé, Emilio Gutiérrez Cava, Amparo Rivelles, Adolfo Marsillach, Vicky Lagos, Manuel Galiana o María Fernanda D’Ocon. También una joven Maribel Verdú convertida en Julieta frente al Romeo de Fernando Guillén Cuervo. Y entre todos ellos aparece un nombre que Alcántara terminó haciendo casi suyo: Rafael Álvarez, El Brujo. Ha regresado tantas veces y ha colgado tantas veces el cartel de no hay billetes que resulta difícil separar su trayectoria de la memoria del festival. Pero quizá lo más interesante de aquellos comienzos sea precisamente lo poco que se parecían a una celebración histórica. En 1984 nadie podía hablar de cuarenta ediciones. Ni de tradición. Ni de uno de los festivales clásicos consolidados de España. Había un Conventual, unas cuantas personas empeñadas en probar algo y dos noches de julio. La primera empezó a las diez y media. Se apagaron las conversaciones. Salieron los actores. Y funcionó. Todo lo demás vino después.

Willy López / Félix Méndez

9 de marzo de 2026
El Gran Teatro de Cáceres encara el último tramo de 2026 con teatro, música, ópera y humor

El espacio cacereño afronta de septiembre a diciembre una programación marcada por la celebración de su centenario, con propuestas escénicas, musicales y nombres destacados de la cultura nacional

El Gran Teatro de Cáceres afronta el último cuatrimestre de 2026 con una programación que combina teatro, música, ópera, humor y espectáculos de gran formato. La temporada de septiembre a diciembre estará especialmente condicionada por la celebración del Centenario del Gran Teatro, inaugurado en 1926 y convertido durante estas diez décadas en uno de los principales referentes culturales de Extremadura. La programación arrancará en septiembre con diferentes propuestas que amplían además la actividad más allá del propio edificio del Gran Teatro. El 5 de septiembre, la Plaza de Toros de Cáceres acogerá Sonrisas y lágrimas, el musical, uno de los espectáculos incluidos en las actividades conmemorativas del centenario. Ya sobre el escenario del Gran Teatro, el 18 de septiembre llegará Vuela Alto. Tributo a Bambino, protagonizado por Caty Palma, mientras que el 25 de septiembre será el turno de Jasón y las Furias, una de las citas de carácter escénico previstas para este comienzo de temporada.

Octubre, entre el humor y la ópera

La programación continuará en octubre con una oferta diversa. El humor tendrá presencia el 2 de octubre con David Suárez y su espectáculo Humor blanco por última vez, mientras que el día 9 está prevista la representación de Canada. El 17 de octubre, Vaquero llevará su espectáculo al escenario cacereño y el mes tendrá uno de sus momentos destacados el 23 de octubre con la representación de Madama Butterfly. La conocida ópera de Giacomo Puccini se integra en la programación especial diseñada con motivo de los cien años del Gran Teatro. El centenario permitirá así recuperar algunos de los grandes géneros que han formado parte de la historia del espacio cacereño, reivindicando el teatro como escenario para las artes escénicas, pero también para la música, la lírica y los espectáculos populares.

Noviembre concentra buena parte de la programación

Noviembre será uno de los meses con mayor actividad. El humor regresará el 6 de noviembre con Ernesto Sevilla y Yo, literal, mientras que el día 8 será el turno de Astola en concierto. La música continuará el 13 de noviembre con Diana Navarro, que llegará a Cáceres con Ya no estoy sola. 20 Aniversario, una gira con la que la artista celebra dos décadas de trayectoria desde la publicación del trabajo que marcó su irrupción en el panorama musical. Un día después, el 14 de noviembre, la zarzuela tendrá protagonismo con La Revoltosa, otra de las propuestas vinculadas a la celebración del centenario. El humor continuará el 15 de noviembre con Abián Díaz y su Show patético. La programación musical completará buena parte de la segunda mitad del mes. La Llave actuará el 21 de noviembre, mientras que Pedro Pastor llegará el 28 de noviembre con 10 locos años descalzos, espectáculo con el que repasa una década de trayectoria. Noviembre contará, además, con una cita especialmente relevante para el sector profesional de las artes escénicas: la Muestra Ibérica de Artes Escénicas (MAE), que volverá a convertir Cáceres en punto de encuentro para compañías, programadores, distribuidores y profesionales de España y Portugal. La cita refuerza la condición transfronteriza de la ciudad y el peso de Extremadura como espacio de conexión cultural entre ambos países.

Diciembre cerrará cuatro meses de actividad. 100 años de artes escénicas

La programación conocida para diciembre incluye la actuación de Javi Medina, que llegará el 11 de diciembre con su Gato Negro Tour 2026. El calendario podrá incorporar nuevas propuestas conforme avance la temporada. A estas actividades se suman diferentes acontecimientos diseñados específicamente alrededor de los 100 años del Gran Teatro de Cáceres, una conmemoración que atraviesa buena parte de la programación de 2026 y que pretende recordar la historia del edificio al mismo tiempo que proyecta su actividad hacia el futuro.

Desde su apertura en 1926, el Gran Teatro ha acompañado buena parte de la historia cultural contemporánea de Cáceres. Teatro, danza, música, cine, zarzuela, ópera y espectáculos de muy distinta naturaleza han pasado durante un siglo por un escenario que continúa siendo una pieza fundamental de la programación cultural de la ciudad. El último tramo de 2026 servirá así para unir celebración y programación. Cien años después de levantar por primera vez el telón, el Gran Teatro de Cáceres mantiene su vocación de espacio de encuentro entre artistas, compañías y público, afrontando de septiembre a diciembre uno de los periodos más simbólicos de su historia reciente.

17 de febrero de 2026
Cultura sin horarios

La Noche en Blanco altera la ciudad sin necesidad de disfrazarla. Durante unas horas, lo cotidiano cambia de función: una calle deja de ser solo tránsito, una fachada se convierte en superficie, una plaza adopta ritmo de escenario y el público abandona su papel de simple espectador para formar parte del paisaje.

La edición de este año volvió a demostrar que la cultura gana intensidad cuando se mezcla con la ciudad real, con el ruido, con el calor, con la gente que cruza de un punto a otro sin seguir necesariamente un itinerario preciso. No hubo una única noche, sino muchas superpuestas: la de quien buscaba música, la de quien prefería detenerse ante una obra, la de quien se dejó arrastrar por una intervención escénica y la de quien simplemente salió a recorrer Badajoz y terminó encontrándose con algo inesperado.

El calor acompañó hasta bien entrada la madrugada y terminó formando parte de la experiencia. No como una anécdota, sino como una textura más de una noche densa, viva y muy física, en la que caminar, esperar, mirar y cambiar de dirección se convirtió casi en una forma de participar. El color hizo el resto. Luces, proyecciones, vestuario, pintura, escenarios y movimiento construyeron una imagen de ciudad distinta a la habitual. Badajoz apareció por unas horas más saturada, más abierta y más imprevisible.

La cultura funcionó entonces como una corriente continua, sin demasiado espacio para la pausa y sin necesidad de permanecer encerrada en un único recinto. Música, artes plásticas, teatro, danza, ilustración, patrimonio o literatura convivieron en un mismo pulso, mezclándose con conversaciones, paseos y encuentros casuales. La Noche en Blanco volvió a dejar una sensación clara: la ciudad cambia cuando la cultura ocupa el espacio común. Y cambia todavía más cuando la gente decide quedarse dentro de ella.

Willy López / Félix Méndez

27 de enero de 2026
Badajoz vive la Navidad

Nos hemos reunido en nochebuena, pero días para disfrutar la Navidad, nochevieja, mercados navideños, actividades para los más pequeños y los Reyes Magos. A los más peques le queda mucho aún para retomar las clases, la Universidad, los programas de FP pueden esperar y al resto le quedan días libres para disfrutar (abuelos y abuelas con sus nietos y nietos, que somos muchos también los que trabajamos en estos días)

Badajoz se prepara para la Navidad y nos ofrece un sin fin de actividades para hacer en estas fechas.

Esta semana, tras el día de Nochebuena, el Mercado Navideño seguirá hasta que terminen las Navidades. El Paseo de San Francisco se convierte con la magia del Adviento en un luminoso mercado de Navidad. 50 casetas ofrecen belenes, adornos para el árbol, guirnaldas, abetos, regalos navideños y dulces típicos. Los más pequeños de la casa disfrutarán de los talleres infantiles. Recordamos los Horario: 11:00 – 14:00 h. / 17:30 – 21:00 h. Viernes y sábado: 11:00 – 14:00 h. / 17:30 – 21:30 h. Cerrado: Días 24 y 31 de diciembre cerrados por la tarde Cerrado: 25 de diciembre y 1 de enero. Recordamos que este año 12 casetas nos ayudarán a elegir regalos en la Plaza Alta de la ciudad.

Puedes consultar la programación https://cb-old.wn03.thegecocompany.com/especiales/programa-de-actividades-y-un-cuento-de-navidad/

Por otro lado, Fundación CB no solo promueve la cultura de la ciudad sino que también en estas fechas especiales aporta un gran número de actividades, desde talleres familiares sobre cocinar dulces navideños hasta muchas más que podéis conocer en https://fundacioncb.es/

Otro de los lugares que también están ofreciendo actividades para disfrutar estas fiestas es El Hospital Centro Vivo, tanto para niños como adultos hay una gran cantidad de actividades que podéis visualizar en este enlace.

Otro lugar creado específicamente para la diversión de los niños cada año es Iberocio.

Y el paseo obligado de Dioramas y Belenes https://cb-old.wn03.thegecocompany.com/especiales/dioramas-y-belenes-navidenos-pequenas-escenas-grandes-historias/

¡Sal a la calle estas Navidades y disfruta con los tuyos en todas las actividades que te ofrece la ciudad de Badajoz!

21 de abril de 2025
Tan cerca, tan lejos

Tan Cerca tan lejos…pulsando en este enlace se puede acceder a todos los artículos publicados en la edición de este libro; Tan cerca, tan lejos

Cuando pisamos el barrio. Tan cerca tan lejos

Cuando pisamos el barrio…los barrios…la vía del tren tenía un paso a nivel con barrera que resquebrajaba la ciudad en dos. No, no era el Guadiana, el que hacía de frontera natural…era nuestra forma de percibir estas calles, unos recuerdos creados de oídas, de noticias de papel amarillo y de prejuicios malnacidos.

Cuando pisamos estas calles, aún sonaban los vagones a rancios y la locomotora iba a carbón. Tampoco esto ha cambiado mucho…Cuando llegamos Félix y yo sentimos que estábamos cerca pero también muy lejos. Cuando llegamos, Ramón aún colocaba los cubiertos en el comedor social, Lolo era el párroco de la Asunción y Juan ejercía de cicerón en este instituto.

Cuando llegamos al barrio, Antonia tenía la misma fuerza que ahora a pesar de sufrir el palo de su vida…Ricardo era el mejor jefe scout… y dos murgueros locos estaban metiendo la vena del carnaval desde la base, desde los más pequeños. Cuando pisamos tierra norte de la ciudad de Badajoz, había un estercolero que un tal Julio supo convertir en parque. Cuando cruzamos la avenida, la Farmacia de Sara aún tenía el decorado de su padre, su espagueti western del que ha hecho un fortín a base de cariño y lazo rosa. Por entonces Paco, el Aspirino, era el Sheriff.

Cuando pisamos el barrio conocimos a chicos y chicas con ganas de reorientar su vida. Vimos a gente motivada, motivando al futuro de los barrios…Cuando llegamos, Estefanía tenía los ojos azules, ahora son transparentes, más azules aun, enormes como un faro…! En esta costa no puede encallar ningún niño ¡…nos decía.

Cuando llegamos aquí, Marta, no quería estar a la deriva, quería llegar a buen puerto y ser alguien, lo está consiguiendo. Zeus le daba bien al balón, sabía el destino de su vida, pero antes no renunció a intentarlo. Zoraida jugaba en dos ligas, en su casa y en la del fútbol femenino. Le quedan muchos penaltis que tirar. Sara e Ismael eran amigos, luego pareja y más tarde padres. Han sabido navegar.

Cuando entramos en el barrio, Gloria nos acogió…los huérfanos, los desvalijados, los perdidos éramos nosotros. Gloria nos acurrucó y nos mandó a paseo, nos habló, y habló y habló y nos dejó hablar, un rato, pero nos dejó. Nos marcó y nos sacó el pasaporte del barrio. Cuando osamos meternos en las casas, en los colegios, en las aulas, en los negocios, en el centro de salud, únicamente nos dedicamos a escuchar…a sentir…a observar. Ellos eran los protas, vosotros sois los protagonistas. Gente luchadora, vecinos conectados, personas cercanas que visto desde la distancia, nunca estuvieron lejos. Gracias.

Tan Cerca, tan lejos…

Willy López / Félix Méndez

12 de abril de 2025
Cristina García Rodero «Una cámara fotográfica puede ser un escudo o un instrumento para acariciar»

La mujer que sostiene al niño ya no vive. El sida ha borrado su negativo. Sólo permanece la foto, la angustia de sentirse culpable y el llanto profético de su hija.

La niña de grandes ojos azules, su niña, no ve. La ansiedad de una fotógrafa a la que la vista le ha dado todo y la belleza de una pequeña mujer de la India sabiendo sobrevivir en negro, se funden en esa foto.

La niña albina muestra su collar. El elemento que llama la atención a la fotógrafa, el que casi nadie se fija, el que hace diferente la instantánea y enmarcara el color blanco de la piel de la chica.

Otra niña de doce años, seria, triste, con una saca de arroz entre sus brazos, vende su alma a la dote de sus padres, un futuro condicionado en una zona del mundo incierta.

Rostros anónimos para el retrato, historias dilapidadas en una Tierra de Sueños, una tierra donde a pesar de la miseria, la gente ríe, la gente llora y la gente viste con los colores más potentes del planeta. Detrás, la maestra Cristina García Rodero. De esa España Oculta, borrachos, taxistas, camioneros, niños, curas, alcaldes, camareros, ricachones y mendigos pasamos a una «Tierra de sueños» de la Fundación “La Caixa”, una muestra sin complejos de la singularidad y asimetría del mundo rural en la India, en las comunidades de Anantapur, con especial atención al rol que ocupan las mujeres.

Repite su mantra antes de mostrarnos su trabajo, fotografiar es querer ver, querer ver con sentimiento. Ahí arranca su viaje, otra aventura fotográfica a la que agradecer a uno/a de las/los mejores profesionales de la fotografía de España.

El paso del analógico al digital no pesa a García Rodero…con la cámara muy bien con lo demás nada de nada, la revolución digital me ha dejado una isla con mi objetivo…comenta mientras ríe…El ordenador me sirve para abrir etiquetas y tirar a la papelera aquello que no vale. Y de ahí no salgo…dice humilde. Subraya que con la nueva era digital existen una infinidad de recursos que antes eran largos y muchas veces poco fructíferos…Puedes cambiar el color en una zona pequeñita, el contraste, la densidad, recortarlo, dibujar perfectamente el cuadro, mientras que antes, con el blanco y negro, por ejemplo, te tenías que hacer plantillas para que el cielo se oscureciera algo más, para hacer una copia buena necesitabas muchas veces, siete copias malas antes. Enfrentarse al laboratorio, aunque tuvieras apuntado todos los datos de lo que requería cada foto, era un proceso nuevo.

La mascarilla de García Rodero empaña sus gafas, pero sigue viendo, por la inercia de los años, por repetitivo trabajo de encuadrar a las personas desde hace más de 50 años. Nos mira, nos sigue contando emocionada su labor como testigo de historias vivas. Nos dice que la beca de la Fundación Juan March fue la culpable de dejarlo todo por la fotografía. Año 1973 y Franco aún seguía haciendo la España muy negra y oculta. Ahí comienza el viaje de Cristina García Rodero…La vida es así, mis estudios de Bellas artes me ayudó mucho, hacía fotos, pero en plan artístico, yo era muy muy artista… ríe, reímos ante esa declaración de amor por el arte.

Enganchada por el trabajo que comenzaba a realizar, para la fotógrafa, la primera mujer española de la Agencia Magnum, sello del que se siente algo cansada, consistía en conocer la vida de la gente, no saber lo que se iba a encontrar y luchar para sacar su trabajo lo más digno posible, la convirtió en una mujer casada con su cámara de fotos… Fue muy duro, una lucha tremenda en todos los sentidos, física, psíquica, intelectual, un trabajo de resistencia que me trae recuerdos de miedos y soledad. Carreteras heladas, zonas sin luz, sin comida, pero con mucha gente hospitalaria y sencilla.

Cristina García Rodero nos habla de Koldo Chamorro, otro colega de profesión al que a veces acompañaba en sus viajes, nos habla de las copias perfectas del laboratorio de Castro Prieto. El blanco y negro contrastado, lleno de grano, que no de ruido, expresivo y elegante. Rodero nos habla su profesor de pintura, Antonio López, el que le hizo sentir con el alma todo aquello que se hace en la vida. La fotógrafa de Puertollano nos habla de esas personas anónimas que le dieron alojamiento, un plato de comida y una sonrisa en las situaciones más extremas.

Nos da un consejo antes de coger el tren de vuelta, por favor vengan de noche a ver la exposición, están muy contrastadas porque están retroiluminadas, sólo os pido eso. Un paso, dos pasos y vemos desaparecer de entre sus fotos a una grande de la fotografía.

Willy López | Fotografía. Félix Méndez

6 de abril de 2025
Cristina Hoyos «La embajadora universal del baile flamenco»

Hay protagonistas de la cultura a la que sólo podemos rendir pleitesía, por su grandeza, por su sabiduría y sobre todo, y no suele fallar, por su generosa humildad. La bailaora Cristina Hoyos, como no podía ser de otra manera está en esa lista. Su sola presencia merece parte de nuestra profesión. Nos toca escuchar, ver cómo trabaja, deleitarse en sus movimientos que llevan cosidos en su piel. Cristina nos dice con franqueza el estado anímico de la cultura, las suturas que hay que solapar para apoyar a los artistas en estos tiempos tan sangrantes, pero sobre todo nos manda un mensaje de esperanza, el mismo que utilizó cuando sufrió cáncer de mama…Me ha tocado, pensé, pero no tuve miedo. Pensé en mis hermanas, en la mayor, Dolores, que murió, pero enseguida me dije: ha habido suerte de que me haya tocado a mí, que soy la más fuerte de todas ellas. Así que al momento, dejé a un lado todas las lamentaciones y dije: vamos p’alante, a solucionarlo

Cristina Hoyos tiene algo de extremeña en la sangre, las raíces de Extremadura se nutren del manto andaluz, la tierra que riega con cariño, artistas y empresarias del flamenco como ella. Amistades, colaboraciones como el La Ciudad Encendida de Turismo de Badajoz y homenajes, como el recibido en la segunda edición del Aula de Flamenco de la Diputación de Badajoz.

Raza, baile, danza, mujer y flamenco. La combinación que hace de Cristina Hoyos una de las más grandes artistas del panorama nacional.

Antes de nada Cristina ¿Cómo estás?

Estoy bien, he pasado el confinamiento bien, la familia bien.

¿Cómo ha caído este duro panorama de futuro con la pandemia en tu entorno laboral?

Mal. Tenemos el Museo de Baile Flamenco en Sevilla, y los gastos se siguen generando, pero no hemos podido hacer nada y cuando se han reactivado las actividades ha tenido que ser a medio gas. Los compañeros, que conocemos desde hace mucho tiempo, bailaoras, bailaores, guitarristas, cantaoras, cantaores, pues de la noche a la mañana que vivían al día, se han quedado sin nada. Estamos viendo muy de cerca, situaciones inimaginables de artistas de enorme nivel. En el flamenco está todo muy mal. Nos hemos unidos algunos empresarios del sector para pedir ayudas.

Habéis abierto la puerta de la impronta internacional a muchos artistas de todos tipos de disciplinas…

Llevamos la marca España por todo el mundo, yo por ejemplo desde muy jovencita, llevo viajando por muchos países defendiendo nuestra cultura. Nuestra generación ha abierto muchas puertas y muchos teatros.

Y lo habéis logrado con la danza flamenca, el baile…

…Efectivamente, internacionalmente es conocida por el baile. Los espectáculos desde el inicio son de baile, el añadido de grandes cantaores y guitarristas han potenciado aún más ese conocimiento en medio mundo.

Estamos viendo muy de cerca, situaciones inimaginables de artistas de enorme nivel

Y en medio mundo se conoce tu especie de talismán, la Habanera de Carmen…

Mi relación con “Carmen” se remonta a mis inicios, desde casi que empecé a bailar. Yo empecé con clásico español, el piano siempre presente, y bailamos con música de Falla pero también con la Habanera de Carmen, y yo salía en el teatro San Fernando en Sevilla enamorando al público con todas mis fuerzas. Fue un presentimiento de que la iba a hacer muchas veces. Y así fue, con Antonio Gades, estuve muchos años con esta pieza en el teatro, hicimos la película con Carlos Saura, muchas coreografías con la ópera, hasta hacerla en esta tierra extremeña, en Badajoz. La “Carmen” me ha perseguido durante mucho tiempo…o yo a ella…[Ríe].

Tu relación con Extremadura es constante…

Desde hace muchos años, por mi trabajo y mis amistades. Jesús Ortega tiene mucha culpa de ello, vengo casi todos los meses. Yo le animé a montar una escuela de flamenco de baile en Badajoz, se le da muy bien la enseñanza, y es un gran profesional. También acudo a las aulas de flamenco que se están organizando en la región y a recibir halagos, eso gusta a todo el mundo… [Ríe]

Halagos y gran repercusión con la toma artística en París hace muchos años, casi los pioneros…

Realmente fuimos los primeros españoles que entraron en la Ópera Garnier de París, y el director era Nureyev, que sólo quería programación clásica, pero luego estaba otro técnico, un programador que me había visto bailar con Gades que fue el que verdaderamente se empeñó en que saliese adelante nuestro espectáculo. Fue un éxito, y sobre todo un logro que pusiéramos de pie a un público que sólo apreciaba la danza clásica.

Vuestra profesión, de bailaores, la lleváis en la piel, como una capa que no se puede quitar…

…nosotros tenemos el mismo lenguaje del baile pero sobre todo tenemos amor por el baile. Es muy sacrificado, muy duro, muy repetitivo para conseguir lograr que todo salga bien, es ahí donde sale nuestra verdadera piel, nuestra pasión por el baile. Yo se lo digo a todos los alumnos, tenéis que tener la necesidad de bailar, sino no bailes.

Cristina ¿Cómo fueron tus primeros pasos?

Mis inicios no te los puedo contar alegremente, porque he pasado fatigas de todo tipo. No tenía dinero para ir a una escuela, no tener ni para hacerme vestidos y zapatos. Mi hermana mayor empezó a trabajar muy pequeña y me ayudó mucho, veníamos de una familia muy humilde. Pero yo lo tenía muy claro, llegaba de la calle, del colegio, ponía la radio y me ponía a bailar. Con trece años ya bailaba por los pueblos, y antes de cumplir los dieciséis, como profesional ya estaba en un tablao en Sevilla. Antes la bailaoras eran hijas de guitarristas y cantaores y estaba mal visto o no se entendía que sin tener antecedentes o raíces flamencas, yo pudiera trabajar de bailaora…recuerdo que mi madre tenía que acompañarme a casa para evitar malas lengua…otros tiempos.

Realmente fuimos los primeros españoles que entraron en la Ópera Garnier de París, y el director era Nureyev

¿Hay pasión por la cultura flamenca en esta ciudad?

Badajoz ha crecido culturalmente, cuando yo llegué de Madrid hace muchos años, sólo teníamos la referencia de todos los buenos artistas que estaban en la capital, Porrina de Badajoz que lo escuchaba mucho en el Corral de la Morería, pero no había tanta gente interesada y profesionalmente preparada como ahora. La programación en la ciudad es muy variada, me gusta mucho su gente. Animo a todos que venga a Extremadura.

Willy López | Fotografía. Félix Méndez

4 de marzo de 2025
Palabras mayores «La afilada y vertiginosa verborrea de Alex O’Dogherty»

Alex O’Dogherty visita Badajoz una vez más, pero no por eso dejará de sorprendernos con su manejo de las palabras, más imbécil cuenta él, más potente decimos nosotros.

Ya no tiene medida, y lo mismo te habla de farmacias, de su propio entierro o de chistes en momentos inapropiados. De chistes en momentos inapropiados, de lo rápido que vamos todos, de la inteligencia artificial y hasta de los shalalailos. Lo mismo te hace un Rap, que un Romancero. Y tiene un número especial para los que lleguen tarde. Muy completito.

Este espectáculo es muy diferente a todo lo anterior, porque su cabeza va a mil por hora. Así que no te sorprenda si en medio de un discurso, te suelta otro, aunque no venga a cuento. Curiosamente es un show más Imbécil que el anterior…Más Imbécil todavía.

Ya no las mide, pero sigue jugando con las palabras. Le gustan mucho… hasta que se convierten en opiniones. No las soporta. Sobre todo, las no-solicitadas. Y mucho menos a los opinadores. Los opinadores de todo. De deportes, de cocina, de política, de los cuerpos de la gente, o… de comedia. Tiene para todos, porque ha crecido. Ya es mayor, como sus palabras. Por eso son Palabras Mayores. Si no lo entiendes, ven a verlo.

Cuando se estrenan cosas siempre hay nervios, en el Teatro de Mérida, se estrenan micros, luces y demás, y hasta que te adaptas existe ese riesgo técnico, pero con este espectáculo el riesgo es otro. La incógnita está en la improvisación, y eso es lo que verdaderamente te hace subir al escenario.

El proceso creativo, en muchas ocasiones, aunque poco manejable, es algo muy bonito, es la sal de este curro.

17 de febrero de 2025
Juan Margallo «El teatro hecho vida»

Baja la escalera del destartalado hotel. Cada paso está cerciorado, corroborado y sujeto a leyes universales detalladas y publicadas por Bertolt Brecht en un diario sicalíptico del Berlín Este. Cada peldaño; un año de su vida, cada paso; una huella teatral sobre la moqueta negra, años atrás roja fascinante. Le salimos al encuentro, para que la bajada de la fonda asuma tintes de Everest, y el campamento base le permita tomar aire y descongelar los recuerdos de su cima. Paseamos, descafeinamos el café, hablamos de flemones dramatúrgicos, damos vida a las piedras de Antonio Juez, charlamos de nietos, comida, dictaduras y de las piernas de Calígula, las mismitas que le hicieron tilín a su Petra Martínez sin necesidad de morfina. Paseamos la vida real, que supera cualquier obra de teatro inimaginable, la paseamos sentados en un banco, la mandamos de paseo mientras saboreamos muchos puntos de sutura, fruto de un combate de boxeo ante el peso pluma Stanislavski.

El reflejo de los espejos que decoran la cafetería, nos vomitan dos jóvenes haciendo teatro del absurdo ante una máquina tragaperras, un trapo que recoge las migas de las palabras desechadas en nuestra entrevista y a un Juan Margallo, al que la rabiosa ternura de su personalidad, le hacer rebotar una vieja imagen ya anacrónica, post mórtem, cosechada bajo la censura de la risa.

¿Es la risa, el humor, la ironía el motivo de tu existencia?

Es fundamental, creo que una de las características principales de nuestro teatro es la crítica, la ironía y la risa. Es lo más sano que hay y nosotros lo hacemos constantemente de uno mismo.

¿Te tomas con la misma filosofía el tema de la muerte?

[Ríe]…Siempre he tenido una enorme aprensión a la muerte. Cuando Petra dice que a ella no le da miedo morirse me pone muy nervioso. Saber que un día todo se va a acabar es algo que nunca he sabido llevar, y desde pequeño siempre he tenido ese miedo. De esto hablamos en la obra de ¡Chimpón!, panfleto post mórtem.

¿Y de qué más habláis en ¡Chimpón!, panfleto post mórtem?

En la obra salimos Petra y yo en dos sillas de ruedas que se mueven con un mando a distancia. Estamos en el momento justo antes de morir y estamos ante un carrusel de lo que hemos vivido en forma de fotogramas de una película. ¡Y cuidado! Todo lo que sale es real.

Entonces, ¿Hablaréis de todo no?

De todo, de la muerte, de la física cuántica y de lo fugaz de la vida. Todo lo que hemos hecho ya ha pasado, lo que hemos realizado hace un rato, ya no existe. También hablamos de cosas de familiares, como se salvaron nuestros padres de sendos fusilamientos. El de Petra que era del ejército de los rojos y el mío que era del ejército de Franco.

Por décimas de segundos, hoy, mañana y pasado podéis actuar sobre un escenario para contar eso mismo…

Sin duda, esto es la vida, por eso tengo tanto respeto a la muerte

Entre risas y anécdotas, Juan Margallo destapa su fluidez verbal, su verborrea cómica, la misma que le hizo tener que repetir el examen de la RESAD por su marcado acento extremeño. La luz cae a plomo y el otoño del jardín del baluarte defiende a capa y mortero los tenues ataques que lanza el sol moribundo. Juan Margallo nos cuenta sus inicios, cuando tuvo que hacer de extra boliviano en el Festival Iberoamericano de la canción en Cáceres, con un gorro del altiplano y mucho morro. También nos cuenta las casualidades que tiene la vida, ahora tiene dos nietos bolivianos.

¿Existe mucho de improvisado en vuestro teatro o esa sensación la provoca el buen trabajo de estudio y ensayo?

No claro está…eso no quiere decir que de vez en cuando improvisemos…Petra ahora es más meticulosa con ese tema, en una obra de teatro hace poco (Una mujer en la ventana), paró la obra cuando desde el público comenzó a sonar un teléfono, le indicó que lo cogiera, y después se dirigió al resto de espectadores para decirles que volvían unos minutos atrás la obra para volver a coger el hilo…[Ríe]…!Es tremenda!! Incluso durante otra obra me corrigió y me hizo rectificar porque me había confundido!. ¿Y si algún espectador repite otro día?…[Ríe]

¿Tienen que ver vuestros métodos de aprendizaje teatrales para poder llegar a esta capacidad actoral?

Hemos sacado un poquito de cuando estudiábamos, con Layton y el método, y resulta que era ignorar todo, con el tiempo nosotros hemos visto que aquello que ocurre forma parte de la obra, no podemos hacer caso omiso de un foco que se cae a un metro tuya…[Ríe]

“Las características principales de nuestro teatro es la crítica, la ironía y la risa”

Panfleto post-mórtem…El título de la obra tiene mucho de cierre profesional…no nos asustéis!

Chimpón…[Ríe]…le he dicho a Petra que la próxima obra será “Cerrado por defunción”…y ella ya no quiere más temas relacionados con la muerte.

Seguimos la charla paseando y Juan nos cuenta como quedó subcampeón en campeonato interprovincial en Toledo en salto de pértiga. Eran dos participantes, nos cuenta con risa de niño travieso. Nos refresca la memoria con sus escapadas a Madrid, escapadas cortas, varios días y vuelta. Nos relata, ya entre las luces de las farolas del parque, como empezó a hacer algo de teatro con Euquerio, (alguna clase del Actors Studio), ese promotor cacereño que sólo vendió dos entradas en una actuación en Badajoz.

¿Fueron tus primeros cameos con la magia en el cuartel lo que te hizo querer lanzarte a ser actor?

Era un malísimo estudiante, ni tan siquiera iba los exámenes, suspendí tres veces reválida de 4º, y mi padre que era militar decidió meterme en la mili, como educando de banda al no tener la edad, pero ni tan siquiera iba al cuartel. Pero cuando me acercaba para no enfadar mucho a mi padre conocí a Carlo Leopold III, toda una saga de militares…[Ríe]…y me adentré en el mundo de la magia, incluso hicimos alguna actuación en la que yo imitaba a Gila. Al final aprendí bastante, tanto que hasta aprendí a hipnotizar, o eso creo yo…[Ríe]

“Le he dicho a Petra que la próxima obra será “Cerrado por defunción”…y ella ya no quiere más temas relacionados con la muerte”

¿Y cómo pudiste hipnotizar al director de tu primera obra de teatro?

Fue por pesado, en el María Guerrero, con José Luis Alonso en La loca de Chaillot, de Jean Giraudoux. Necesitaban a uno que tocaran el acordeón y yo me presenté tocando la guitarra y lo volví a intentar cuando me enteré que necesitaban a uno que fuera malabarista y les dije que sabía hacer juegos de mano y demás…[Ríe]…y fue casualmente cuando el director me vio en la escuela y me dijo que si yo era el pesado que se presentó varias veces para un papel…me dio una oportunidad como figurante con dos frases… y hasta ahora.

Nos habla, ya con un café entre sus labios de sus etapas en el teatro, de sus compañías y sus aventuras por medio mundo. Sus duros y buenos momentos en París y Londres, donde alternó trabajos de camarero y cantante de sólo cinco canciones sudamericanas, las que le valieron para poder comer. Nos habla de cómo y cuándo conoció a Petra Martínez en el Teatro Estudio. Curiosamente suena una llamada de Petra. Viene de camino en tren. Lentamente, como suele ser habitual por estas tierras, lo justo para terminar nuestra entrevista.

¿Cuándo y cómo conociste a Petra?

Ella dice que se enamoró de mí por las piernas, en una obra que yo hacía de romano con faldita. Le guste tanto que la fue al ver con un novio y al día siguiente quiso ser actriz, dejó plantado a su noviete para ver una obra de Cleopatra…[Ríe]…curiosamente le recomendaron el Teatro Estudio para empezar, y a mí fue el primero que vio al entrar por la puerta

Queda poco para apagar la grabadora, las fotos ya no tienen luz y el protagonista de nuestra entrevista necesita cargar pilas. Antes nos hace un viaje con su guía teatramundi. Su primer obra con Tábano, La escuela de los bufones, de Michel de Ghelderode. Los primeros montajes con Tábano, Castañuela 70 y El retablo del flautista, ambas fusiladas por la censura. Su exilio profesional, sin duda, su mejor época. Entre el sorbo final, nos cuenta su etapa con «El Búho» y «El Gayo Vallecano” donde pudieron hacer un teatro puro y directo. Uroc y hasta esta obra dirigida por su hija Olga Margallo

¿Dejáis a vuestra hija Olga dirigir la obra en algún momento?

[Ríe]…Olga tiene una vista tremenda, como nosotros hemos escrito la obra estamos siempre avanzando y hablando, pero ella tiene la particularidad más deseada en cualquier arte, tiene la capacidad de sintetizar, cortar, quitar sin que afecte al resultado final. Eso hace que sea fuerte y disciplinada en su trabajo…y más para dirigir a sus padres.

¿Quieres decir con esto que el teatro es demasiado largo?

Tengo una teoría, que creo que pasaré a la historia del teatro por esto, en la que hay un dicho que dice que a una obra siempre le sobran veinte minutos…mi aportación es que le siguen sobrando después de habérselos quitado [Ríe].

Juan Margallo, ríe y reímos con él. Le acompañamos hasta su travesía al pico iracundo de su hotel, y tras sendos abrazos dejamos al teatro independiente vivo más importante del país que recite, ensaye su post mórtem a la espera de un beso de su Petra y chimpón.

Entrevista. Willy López | Fotografía. Félix Méndez

15 de febrero de 2025