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Categoría: Especiales

«Es una ciudad extraña, porque cuanto más feo el tiempo, más hermosa la ciudad» Rem Koolhaas

  • Cuarenta veces Alcántara

    Cuarenta veces Alcántara

    Hay un momento, poco antes de que empiece la función, en que el Conventual de San Benito se queda en silencio. El público ya ha entrado. Los actores esperan entre bastidores. Algún técnico cruza todavía el escenario. Las sillas, ahora llena de ojos, llevan tomando el sol durante el día, a la espera de emociones. Fuera queda el calor de agosto y ese murmullo de las terrazas que regresará unas horas después. Entonces se apagan las conversaciones. Alguien dice la primera frase. Y Alcántara vuelve a empezar.

    Ha ocurrido cuarenta veces. Podríamos llamarlo aniversario, pero quizá la palabra resulte demasiado seria. Demasiado pendiente de la cifra. En esta localidad del norte extremeño pesan menos los cuarenta años que los cuarenta encuentros. ¡Volver a Alcántara y punto! Ésa es la medida. Hay gente que lo hace cada verano, sin rechistar, asumiendo que pasarlo bien en una esquinita del mapa del país, es el beneplácito de los que han luchado durante el año, una especie de entrada gratis al Coliseo en tiempos de Trajano. Hay gente que deshace el camino del verano pasado, para recorrer la misma carretera, los que vienen bordeando el Tajo, los que conectan desde Zarza la Mayor, Ceclavín o Acehuche, los que se dejan menear por las colas del embalse, los que abandonan las pinturas de Morales en Brozas o se hacen pequeños en la plaza de Garrovillas de Alconétar, los que vienen con la cadencia catalana, la vasca, la de medio mundo, los hijos y nietos de los que tuvieron que abandonar este paisaje, que aunque en este momento se describa único, antes fue duro y yermo. Hay gente, cuarenta años después, que vuelve a cruzar el puente, el viejo, ahora a pie, personal que se dejar pescar en la charca, sirulos de ciudad con cara de turistas. Hay chicos y chicas que recuerdan los anaqueles de libros de una bibliotecaria que los animó a leer esos clásicos que ahora se representan, a todos ellos les viene el olor a mormentera. La distancia no olvida y reconocen una esquina donde antes se cocinaban churros y unas maravillosas patatas fritas, una terraza donde el último heavy de la comarca te pone la caña más fresca y la mejor banda sonora de la plaza de la “pera”, esa plazoleta de fronteras, donde el Bar Lisboa rezumó vida y donde el mudo era el que más gritaba. Hay gente que sigue recordando la cantera como un cráter huidizo, personas que hace años arroparon la localidad entre los poblados de norte a sur, los que se machacaron moviendo piedras y los que se rompieron la mollera para mantener la ingeniería de la presa.

    El público sabe el camino hasta el Conventual y, aun así, vuelve a hacerlo despacio. No viene a celebrar un aniversario. Viene al teatro, y a todo lo que sucede en ese decorado previo. Alcántara, para pasar unos días diferentes en un pueblo que durante un tiempo también parece vivir de otra manera. A encontrarse con amigos que quizá sólo ve aquí. A cenar después de la función. A discutir si la obra de anoche fue mejor que la de hace tres veranos. A dejar que las horas duren un poco más. El festival ha terminado siendo eso. Una cita. Un lugar al que regresar. Durante unos días, la cultura ocupa las calles sin necesidad de hacer demasiada gresca. Aparece en una conversación, en un programa doblado sobre la mesa, en los actores que cruzan la plaza o en la gente que empieza a subir hacia el Conventual cuando cae la tarde. Después llega la noche. Lope, Calderón, Shakespeare o cualquier historia escrita hace siglos vuelve a ponerse delante de personas que han venido desde lugares distintos para hacer algo bastante sencillo: sentarse juntas y escuchar. Algunas funciones se olvidarán. Otras no. Pero siempre queda algo.

    Una escena. Una frase. Una cena que terminó tarde. Una conversación. La luz del Conventual cuando ya ha oscurecido. Incluso aquella obra cuyo título uno ha olvidado, pero de la que todavía recuerda con quién estaba. También quien andaba encima del escenario. Juan Luis Galiardo, Juanjo Menéndez, Analía Gadé, Emilio Gutiérrez Cava, Amparo Rivelles, Adolfo Marsillach, Vicky Lagos, Manuel Galiana o María Fernanda D’Ocon. También una joven Maribel Verdú convertida en Julieta frente al Romeo de Fernando Guillén Cuervo. Y entre todos ellos aparece un nombre que Alcántara terminó haciendo casi suyo: Rafael Álvarez, El Brujo. Ha regresado tantas veces y ha colgado tantas veces el cartel de no hay billetes que resulta difícil separar su trayectoria de la memoria del festival.

    Así se construyen cuarenta años. No sumando ediciones. Sumando veranos. Cuarenta veranos. Cientos de representaciones. Miles de espectadores. Y un mismo escenario. Lo demás ha cambiado casi todo. Han cambiado los gobiernos, las compañías, los directores artísticos, las formas de producir teatro e incluso la manera de comprar una entrada. Lo único que permanece es el camino hasta el escenario. Ese recorrido corto que atraviesa las calles de Alcántara y que, sin que nadie lo anuncie, convierte al espectador en parte de la representación

    Cuando termina la última función, cada uno vuelve a su sitio. Los actores continúan la gira. Los espectadores regresan a casa. Alcántara recupera sus días normales. Pero algo viaja con ellos. Un recuerdo pequeño, particular, difícil de explicar a quien no estuvo allí. Y durante el resto del año basta a veces con escuchar el nombre de Alcántara para pensar en agosto. En el Conventual. En aquella noche. En que habrá que volver. Quizá por eso cuarenta no sea una cifra demasiado importante. Lo importante es que todavía haya gente esperando la cuarenta y una.

    Orígenes. Antes de que todo empezara

    En realidad, el Festival de Alcántara comenzó antes de su primera edición. Fue en 1984 y casi con prisas. La primavera estaba avanzada cuando se decidió probar aquella idea de llevar el teatro al Conventual de San Benito. Había poco tiempo, mucho por hacer y ninguna certeza de que aquello fuera a tener continuidad. La dirección se encargó a José Luis Sánchez Matas y el 18 de julio, a las diez y media de la noche, ocurrió por primera vez. Títeres La Tartana representó Ciudad Irreal, una mirada a la vida urbana de aquellos años ochenta. Al día siguiente llegó Pluto, de Aristófanes.

    Dos noches.

    Suficientes para comprobar que allí podía pasar algo. Aquel verano fue un ensayo. El festival propiamente dicho comenzó en 1985, con Antonio Guirau Sena al frente. Guirau conocía bien los montajes al aire libre y fue dando forma, edición tras edición, a algo que todavía estaba buscando su sitio. Le dio ambiente, personalidad y, sobre todo, continuidad. Después llegó Antonio Amengual, que incorporó una zarzuela en cada edición y encontró una respuesta especialmente buena del público. Hubo un periodo de transición dirigido por Pablo Pérez de Lazárraga, entonces concejal de Cultura de Alcántara, y desde 1992 Francisco Javier González Magariños abrió una larga etapa de madurez y consolidación.

    Los nombres que explican una parte de la historia.

    La otra está sobre el escenario. Por San Benito han pasado algunos de los grandes intérpretes del teatro español: Juan Luis Galiardo, Juanjo Menéndez, Analía Gadé, Emilio Gutiérrez Cava, Amparo Rivelles, Adolfo Marsillach, Vicky Lagos, Manuel Galiana o María Fernanda D’Ocon. También una joven Maribel Verdú convertida en Julieta frente al Romeo de Fernando Guillén Cuervo. Y entre todos ellos aparece un nombre que Alcántara terminó haciendo casi suyo: Rafael Álvarez, El Brujo. Ha regresado tantas veces y ha colgado tantas veces el cartel de no hay billetes que resulta difícil separar su trayectoria de la memoria del festival. Pero quizá lo más interesante de aquellos comienzos sea precisamente lo poco que se parecían a una celebración histórica. En 1984 nadie podía hablar de cuarenta ediciones. Ni de tradición. Ni de uno de los festivales clásicos consolidados de España. Había un Conventual, unas cuantas personas empeñadas en probar algo y dos noches de julio. La primera empezó a las diez y media. Se apagaron las conversaciones. Salieron los actores. Y funcionó. Todo lo demás vino después.

    Willy López / Félix Méndez

  • Ferrán Adrià «La naturalidad cósmica del mejor cocinero del mundo»

    Ferrán Adrià «La naturalidad cósmica del mejor cocinero del mundo»

    La comida se convierte en cultura desde el momento en que un plato recibe todos los ingredientes endémicos de un barrio, de una localidad, de un paraje escondido en el mundo. La cultura gastronómica roza un ADN social que impregna de características populares y que transita desde el simple gesto de capturar comida con una cuchara e inclinar el brazo hasta llevarlo a la boca, rozar el producto, olerlo y tamizarlo de sabores atávicos, con una explosión de recuerdos, una amalgama de sensaciones gustativas a la que digerir con destreza. Somos lo que comemos.

    El historiador boloñés Massimo Montanari escribía en una de sus obras sobre la historia de la alimentación que la comida es cultura cuando se produce, porque el hombre no utiliza solo lo que se encuentra en la naturaleza (como lo hacen todas las demás especies animales) sino que ambiciona crear su propia comida, superponiendo la actividad de producción a la de captura. La comida es cultura cuando se prepara, porque una vez adquiridos los productos básicos de su alimentación, el hombre los transforma mediante el uso del fuego y una elaborada tecnología que se expresa en la práctica de la cocina. La comida es cultura cuando se consume, porque el hombre, aun pudiendo comer de todo, o quizás justo por ese motivo, en realidad no come de todo, sino que elige su propia comida con criterios ligados ya sea a la dimensión económica y nutritiva del gesto, ya sea a valores simbólicos de la misma comida.

    Ferrán Adrià suele recordar que esa cultura gastronómica no tiene tantos años, menos de doscientos, y que desde entonces la estandarización de la cocina ha hecho que niñas y niños sepan que se llevan a la boca cada día. La cocina es traicionera, el puchero de cocido de nuestras abuelas o madres cobran nueva vida, con una esferificación de esencia de garbanzos y humo de morcilla con tocino, el producto es el mismo, el resultado no. La diferenciación lo marcan los estratégicos puntos de restauración que conforman el mapa culinario en el mundo, y sin duda, el señor que revolucionó algo tan vital, como comer, tiene un lugar reservado desde hace años. Ferrán Adrià.

    8 de la mañana. Llueve ligeramente. Entrevista en el Aula Magna de la Facultad de Ciencias Económicas y Empresariales de la Universidad de Extremadura en el Campus de Badajoz. Jornada de innovación en el marco del Centenario de Telefónica. De Cala Montjoi a Badajoz. De mejor chef del mundo a el hombre más puntual de la ciudad. Del Bulli a preguntarme por un restaurante tranquilo, con productos de la tierra, pero fuera de los que suelen estar en las páginas de dónde comer, me quedo en blanco. Se ríe, me río. Le recomiendo varios, todos incluidos en esa lista que habla. Elige un clásico. Fuera ha dejado de llover.

    Hablamos del tupper que me pide mi hija al escuchar que voy a entrevistar a un cocinero, de la amarga visita al nuevo espacio de El Bulli, añorando la comida, de lo cercano que se encuentra el Restaurante Enigna de su hermano Albert Adriá de ese pasado culinario que gestaron en Roses…

    …Si el Bulli estuviera abierto, fuera del lugar que era mágico, la comida, la experiencia, Enigma sería ese 90% de Bulli.

     

    Un eje clave en tus charlas actuales se centra en esa experiencia aplicada en materia de innovación para la creación de futuros emprendedores…

    …Nosotros en el Bulli hemos hecho doscientos proyectos, y aunque hablemos de concepto comida, hemos innovado más que muchas empresas dedicadas a eso exclusivamente. He sido profesor en Harvard de innovación, y es que este Frankenstein laboral me llevado a eso. Ahora mismo estamos haciendo una Universidad gastronómica en Madrid, y es ahí, uno de mis objetivos principales, con la educación a todos los niveles, donde podemos tratar del futuro, de la innovación para los nuevos emprendedores. Realmente la función de la Bulli Fuondation es ayudar a esos emprendedores para que sean los más longevos en sus proyectos. Parece sencillo pero el 50% de las PYMES no dura más de 5 años, y de ese 50% que queda, más del 40% no tiene una rentabilidad interesante.

    Hablamos de innovación y se suele mezclar innovación con creatividad, algo que las empresas deben de asimilar, y en cocina digamos que pueden ser ingredientes que ligan poco…

    …la imaginación que es la capacidad para tener ideas, la creatividad la capacidad para crear, la creación es el resultado y la innovación es introducir un cambio creativo en una organización, sea de manera interna o de manera externa. Y ojo, que tenga éxito, esa es la gran diferencia, y no siempre tiene que ser un éxito entendido como económico.

     

    Cuando te refieres a un éxito fuera de lo económico, hablas de algo intangible, como es de poder desconectar de cuajo, cosechando el mayor éxito gastronómico, como ser el mejor restaurante o chef del mundo, como es tu caso con Bulli o el de René Redzepi con Noma…

    …cada uno es diferente, quizá no sea ese el paradigma. En nuestro caso es muy fácil, nuestra misión era buscar los límites que hay en una experiencia gastronómica y nosotros tuvimos la frialdad de analizar nuestro trabajo y saber que no íbamos a poder llevar el mismo ritmo que habíamos tenido durante los 25 años, siempre en la cresta de la ola. Con esa máxima presión creativa decidimos parar, o cambiar de ritmo laboral. Si yo hubiera tenido hijos todo lo que me ha pasado no sería posible. El éxito requiere ese esfuerzo. René ha hecho un poco lo mismo, aunque ahora se cuestione qué va a hacer, nosotros lo teníamos claro, queríamos hacer una Fundación.

    Si yo hubiera tenido hijos todo lo que me ha pasado no sería posible. El éxito requiere ese esfuerzo

     

    Estamos hablando de éxito y felicidad, ¿siempre te has hecho esa pregunta o con 18 años no sabías si ibas a ser jugador de fútbol o cocinero en el ejercito?

    Mi caso no vale como ejemplo, mi hermano y yo arrancamos sin tener esa intención vocacional, difícilmente alguien que ha llegado a la profesión como lo hicimos nosotros, puede llegar tan lejos. Recuerda que tampoco partía de esa base, y como todo en la vida, el azar, la suerte o llámalo como tú quieras, con 22 años ya era jefe de cocina de El Bulli. Jean-Paul Vinay, se marcha y tomo el mando de un proyecto al que jamás puedes pensar que te hará ser el número uno de tu profesión a nivel mundial. Ya era uno de los mejores restaurantes de España cuando tomo la alternativa.

     

    Se va un chef francés y se queda un español ¿Se gesta ahí el cambio internacional de la gastronomía?

    Yo viví una época donde la alta cocina francesa había sido un monopolio de 400 años, era impensable que un cocinero español cambiara el paradigma de eso. Ahora la gente ya ni piensa eso. La gente joven piensa que España siempre ha sido una potencia mundial de la gastronomía. España era un cero patatero en la gastronomía mundial. Cuando íbamos Juan Marí Arzak y yo a Francia no nos hacían ni puñetero caso.

     

    Y todavía era una época en la que las redes sociales ni existían…

    …cuando nosotros fuimos portada del The New York Times el impacto fue brutal, intocable, porque todos los directores de los medios de comunicación del mundo recibía el dominical, y todos a ese tipo que salía ahí. Hoy en día las redes sociales hacen que lo tengan muy claro, la línea entre la fama, el prestigio dentro de tu profesión es muy difícil de medir, sólo hay una manera de hacerlo, que es crear, crear y crear. La filosofía actual de mi hermano Albert y los chicos de Disfrutar es esa, crear continuamente para poder estar dentro de la burbuja. Ahora toca adaptarme y compartir mi experiencia.

     

    La gente joven piensa que España siempre ha sido una potencia mundial de la gastronomía. España era un cero patatero en la gastronomía mundial. Cuando íbamos Juan Marí Arzak y yo a Francia no nos hacían ni puñetero caso

     

    Ferrán ahora toca escucharte, que creo que en el ritmo que vivimos, cuesta mucho.

    Es muy bueno escuchar a la gente con experiencia, y en todos los ámbitos. Llevo 44 años en esto y los he visto de todos los colores. Yo te puedo dar mi feedback pero luego haz lo que te parezca. Creo que escuchar a gente con experiencia en el mundo tan rápido que vivimos es vital.

    Estamos en Extremadura, obviando productos del mar, creo que estamos muy bien surtidos y con una calidad de excelencia, ¿Crees que hubiera dado la posibilidad de tener “un Bulli” en esta región?

    Sí, si pasó en el fin del mundo de Cataluña, ¿Porque aquí no? Todo tiene una base, la televisión francesa me hace una entrevista buscando porqué la gastronomía española, la alta cocina, alcanza cotas tan importantes, y la respuesta fue sencilla. Por el talento, ocho o diez personas se juntaron con un talento extraordinario en un momento dado. Pasó lo mismo con el Barcelona de Xavi, Iniesta y Messi, y han pasado 30 años donde puede que suceda lo mismo. Quiero decir que se da muy pocas veces aunque hay que forzar ese encuentro. Estando con Xavi, recuerdo que me dijo estando con Leo, que uno es lo que los demás dicen que es. Puedes trabajar para que eso cambie pero siempre al final serás lo que digas otros de ti, pero siempre con talento. Hoy en día si sale una chica o un chico aquí en Badajoz con talento y capacidad de trabajo puede hacer lo que quiera….hablo de talento extraordinario y alguna ayuda económica de fondo.

     

    Creo que escuchar a gente con experiencia en el mundo tan rápido que vivimos es vital

     

    Estamos hablando de una cuna de talentos españoles en la gastronomía desde hace 30 años…

    …efectivamente, no hay ningún sector laboral en este país que esté como la gastronomía, siempre con tres, cuatro o cinco restaurantes y cocineros en el top ten. Ninguno.

    Ferrán, no denoto nostalgia en tus palabras pero no ¿echas de menos esa loca actividad de la cocina?

    Yo soy una persona que siempre dice que lo que no puedes cambiar no te preocupes, preocúpate de lo que puedas cambiar. Eso por un lado, por otro, un restaurante de nivel exige sólo 14 o 15 horas de estar de pie con una presión brutal, la auto presión que es aún peor, te destroza. Creo que es lógico no echar de menos la cocina. Hay 8 millones de restaurantes en el mundo más o menos, unos 70.000 en España, de esos 8 millones sólo hay 16.000 recomendados en la Michelin, ponte que se equivoque y se les escape algunos. Nos quedamos con 30.000. De esos que tengas una, dos o tres estrellas, unos 4.500. Esos son la élite, pero hay nos vamos a los top, los restaurantes que tienen 3 estrellas Michelin, unos 180. De esos 180 solamente hay 10 que intentar abrir nuevos caminos en innovación máxima. No digo que los consigan, ni mucho menos, pues ese es nuestro mundo…nuestro hábitat, y nosotros éramos el 1. Fíjate la presión, y nosotros la vivimos bien unos 25 años, pero ya está, más es de locos.

     

    Yo soy una persona que siempre dice que lo que no puedes cambiar no te preocupes, preocúpate de lo que puedas cambiar

     

     

    Una presión que además lleva a límites insospechados como cerrar restaurantes con tres estrellas o como el caso de Anthony Bourdain, relatos más sórdidos y escalofriantes…

    …La cocina ha cambiado mucho, ese retrato que había de la vida en las cocinas estás muy lejos de la realidad actual. Ha cambiado de una manera brutal, pero el que quiera ganar la Champions tiene que saber dónde se mete. Es un mundo complejo, duro, como otras profesiones, pero al final estamos aquí para hacer feliz a la gente con la comida.

     

    Félix Méndez / Willy López

  • Fundación CB en La Noche en Blanco

    Fundación CB en La Noche en Blanco

    Fundación Caja Badajoz se suma a la Noche en Blanco con una programación cultural en sus espacios del Casco Antiguo

    Fundación Caja Badajoz se suma a la programación de la Noche en Blanco de Badajoz con una propuesta cultural especialmente diseñada para esa noche, con actividades gratuitas en dos de sus espacios del Casco Antiguo: Montesinos 22 y Espacio Casa Alba. Con esta iniciativa, Fundación Caja Badajoz quiere contribuir a la dinamización cultural del Casco Antiguo de Badajoz, sumándose a una de las citas culturales más destacadas de la ciudad y facilitando que vecinos y visitantes puedan conocer y disfrutar de sus espacios a través de una programación diversa que combina arte, música, teatro, danza y propuestas audiovisuales. Durante la Noche en Blanco, ambos espacios permanecerán abiertos de 22:00 a 02:00 horas, con acceso libre a las exposiciones y diferentes actividades programadas.

    Montesinos 22: arte, teatro, música y vistas de Badajoz

    El espacio de Montesinos 22, situado en la calle Montesinos, 22, podrá visitarse libremente durante toda la noche. Los visitantes podrán disfrutar de la exposición de Pedro Sánchez, ‘Antología incoherente’, y de la muestra de Francisco Conde, ‘Colección Francisco Conde: grabados y dibujos’. Además, la terraza del edificio permanecerá abierta como mirador ‘Vuelta al horizonte’. La programación comenzará a las 22:30 horas, en el auditorio, con el show familiar de Vacasflakas y Brocolina. La terraza acogerá también tres pases de las visitas guiadas ‘Badajoz a ras de cielo’, programadas a las 22:00, 22:30 y 23:00 horas, una oportunidad para descubrir la ciudad desde una perspectiva diferente. A las 23:30 y 00:15 horas, el público podrá asistir al microteatro ‘La corbata’, de Miguel Murillo, representado por H’orozco Teatro. La programación continuará a las 00:45 horas con una sesión de música electrónica experimental a cargo de FOCUSFOCUSFOCUS.

    Espacio Casa Alba, una noche de arte, música y danza

    El recién inaugurado Espacio Casa Alba, ubicado en la calle San Juan, 7, también se incorpora a la Noche en Blanco con una programación especial. De 22:00 a 02:00 horas, los visitantes podrán acceder libremente a la exposición ‘Las tres tauromaquias: arte y tragedia’, que reúne obras de Goya, Dalí y Picasso en torno a las diferentes aproximaciones artísticas a la tauromaquia. La música será protagonista a las 23:00 horas con el concierto ‘La guitarra en los tiempos de Manuel de Falla’, a cargo de Marcos Arregui. El espacio acogerá además dos pases de la performance de danza ‘Latencia’, protagonizada por Luis Agorreta e Irene Naranjo, a las 22:30 y 00:30 horas. Con esta programación, Fundación Caja Badajoz refuerza su apuesta por hacer del Casco Antiguo de Badajoz un espacio vivo, abierto y vinculado a la cultura, aprovechando una noche especialmente significativa para acercar sus propuestas a la ciudadanía. La participación de la Fundación en la Noche en Blanco se enmarca en su compromiso con la cultura y la dinamización de la ciudad, poniendo sus espacios y recursos al servicio de una programación cultural diversa y accesible para todos.

     

  • El Gran Teatro de Cáceres encara el último tramo de 2026 con teatro, música, ópera y humor

    El Gran Teatro de Cáceres encara el último tramo de 2026 con teatro, música, ópera y humor

    El espacio cacereño afronta de septiembre a diciembre una programación marcada por la celebración de su centenario, con propuestas escénicas, musicales y nombres destacados de la cultura nacional

    El Gran Teatro de Cáceres afronta el último cuatrimestre de 2026 con una programación que combina teatro, música, ópera, humor y espectáculos de gran formato. La temporada de septiembre a diciembre estará especialmente condicionada por la celebración del Centenario del Gran Teatro, inaugurado en 1926 y convertido durante estas diez décadas en uno de los principales referentes culturales de Extremadura. La programación arrancará en septiembre con diferentes propuestas que amplían además la actividad más allá del propio edificio del Gran Teatro. El 5 de septiembre, la Plaza de Toros de Cáceres acogerá Sonrisas y lágrimas, el musical, uno de los espectáculos incluidos en las actividades conmemorativas del centenario. Ya sobre el escenario del Gran Teatro, el 18 de septiembre llegará Vuela Alto. Tributo a Bambino, protagonizado por Caty Palma, mientras que el 25 de septiembre será el turno de Jasón y las Furias, una de las citas de carácter escénico previstas para este comienzo de temporada.

    Octubre, entre el humor y la ópera

    La programación continuará en octubre con una oferta diversa. El humor tendrá presencia el 2 de octubre con David Suárez y su espectáculo Humor blanco por última vez, mientras que el día 9 está prevista la representación de Canada. El 17 de octubre, Vaquero llevará su espectáculo al escenario cacereño y el mes tendrá uno de sus momentos destacados el 23 de octubre con la representación de Madama Butterfly. La conocida ópera de Giacomo Puccini se integra en la programación especial diseñada con motivo de los cien años del Gran Teatro. El centenario permitirá así recuperar algunos de los grandes géneros que han formado parte de la historia del espacio cacereño, reivindicando el teatro como escenario para las artes escénicas, pero también para la música, la lírica y los espectáculos populares.

    Noviembre concentra buena parte de la programación

    Noviembre será uno de los meses con mayor actividad. El humor regresará el 6 de noviembre con Ernesto Sevilla y Yo, literal, mientras que el día 8 será el turno de Astola en concierto. La música continuará el 13 de noviembre con Diana Navarro, que llegará a Cáceres con Ya no estoy sola. 20 Aniversario, una gira con la que la artista celebra dos décadas de trayectoria desde la publicación del trabajo que marcó su irrupción en el panorama musical. Un día después, el 14 de noviembre, la zarzuela tendrá protagonismo con La Revoltosa, otra de las propuestas vinculadas a la celebración del centenario. El humor continuará el 15 de noviembre con Abián Díaz y su Show patético. La programación musical completará buena parte de la segunda mitad del mes. La Llave actuará el 21 de noviembre, mientras que Pedro Pastor llegará el 28 de noviembre con 10 locos años descalzos, espectáculo con el que repasa una década de trayectoria. Noviembre contará, además, con una cita especialmente relevante para el sector profesional de las artes escénicas: la Muestra Ibérica de Artes Escénicas (MAE), que volverá a convertir Cáceres en punto de encuentro para compañías, programadores, distribuidores y profesionales de España y Portugal. La cita refuerza la condición transfronteriza de la ciudad y el peso de Extremadura como espacio de conexión cultural entre ambos países.

    Diciembre cerrará cuatro meses de actividad. 100 años de artes escénicas

    La programación conocida para diciembre incluye la actuación de Javi Medina, que llegará el 11 de diciembre con su Gato Negro Tour 2026. El calendario podrá incorporar nuevas propuestas conforme avance la temporada. A estas actividades se suman diferentes acontecimientos diseñados específicamente alrededor de los 100 años del Gran Teatro de Cáceres, una conmemoración que atraviesa buena parte de la programación de 2026 y que pretende recordar la historia del edificio al mismo tiempo que proyecta su actividad hacia el futuro.

    Desde su apertura en 1926, el Gran Teatro ha acompañado buena parte de la historia cultural contemporánea de Cáceres. Teatro, danza, música, cine, zarzuela, ópera y espectáculos de muy distinta naturaleza han pasado durante un siglo por un escenario que continúa siendo una pieza fundamental de la programación cultural de la ciudad. El último tramo de 2026 servirá así para unir celebración y programación. Cien años después de levantar por primera vez el telón, el Gran Teatro de Cáceres mantiene su vocación de espacio de encuentro entre artistas, compañías y público, afrontando de septiembre a diciembre uno de los periodos más simbólicos de su historia reciente.

  • Cultura sin horarios

    Cultura sin horarios

    La Noche en Blanco altera la ciudad sin necesidad de disfrazarla. Durante unas horas, lo cotidiano cambia de función: una calle deja de ser solo tránsito, una fachada se convierte en superficie, una plaza adopta ritmo de escenario y el público abandona su papel de simple espectador para formar parte del paisaje.

    La edición de este año volvió a demostrar que la cultura gana intensidad cuando se mezcla con la ciudad real, con el ruido, con el calor, con la gente que cruza de un punto a otro sin seguir necesariamente un itinerario preciso. No hubo una única noche, sino muchas superpuestas: la de quien buscaba música, la de quien prefería detenerse ante una obra, la de quien se dejó arrastrar por una intervención escénica y la de quien simplemente salió a recorrer Badajoz y terminó encontrándose con algo inesperado.

    El calor acompañó hasta bien entrada la madrugada y terminó formando parte de la experiencia. No como una anécdota, sino como una textura más de una noche densa, viva y muy física, en la que caminar, esperar, mirar y cambiar de dirección se convirtió casi en una forma de participar. El color hizo el resto. Luces, proyecciones, vestuario, pintura, escenarios y movimiento construyeron una imagen de ciudad distinta a la habitual. Badajoz apareció por unas horas más saturada, más abierta y más imprevisible.

    La cultura funcionó entonces como una corriente continua, sin demasiado espacio para la pausa y sin necesidad de permanecer encerrada en un único recinto. Música, artes plásticas, teatro, danza, ilustración, patrimonio o literatura convivieron en un mismo pulso, mezclándose con conversaciones, paseos y encuentros casuales. La Noche en Blanco volvió a dejar una sensación clara: la ciudad cambia cuando la cultura ocupa el espacio común. Y cambia todavía más cuando la gente decide quedarse dentro de ella.

    Willy López / Félix Méndez

  • Melómanos del mundo, con todos ustedes: ¡El Rock N’ Blues Festival!

    Melómanos del mundo, con todos ustedes: ¡El Rock N’ Blues Festival!

    El Rock N’ Blues Festival 2026 encara su decimoquinta entrega en Don Benito (Badajoz) los días 28 y 29 de agosto con una cuidada programación que combina el pulso del rock de autor, la cercanía de las sesiones vermú y la veteranía sobre las tablas de Mägo de Oz, La Cabra Mecánica, Efecto Mariposa, Albertucho y Mi Vida Rosa (antiguos Los Romeos).

    La cuenta atrás ha llegado a su estación definitiva para el Rock N’ Blues Festival 2026, que afronta sus últimas horas antes de desplegar su decimoquinta entrega en la localidad pacense de Don Benito (Badajoz) durante los próximos días 28 y 29 de agosto. Con la maquinaria perfectamente engrasada y los horarios oficiales ya sobre la mesa, la veterana cita extremeña perfila una hoja de ruta diseñada para mantener la tensión eléctrica desde el mediodía hasta bien entrada la madrugada, repartiendo sus actividades y decibelios entre el Parque Tierno Galván y el recinto Las Arenas.

    La primera descarga sonora tendrá lugar el viernes 28 de agosto en el recinto Las Arenas, cuyas puertas abrirán a las 19:30 horas. El encendido de amplificadores correrá a cargo de Willy Wylazo a partir de las 20:30 horas, aportando los primeros matices de la velada antes de dar paso a uno de los grandes reclamos del cartel: La Cabra Mecánica. La emblemática formación capitaneada por Lichis desembarcará en suelo pacense con su inconfundible repertorio repleto de clásicos del rock de autor. El broche de la medianoche estará protagonizado por Mi Vida Rosa (formación históricamente conocida como Los Romeos), el quinteto castellonense integrado por Juan Carlos Tomás, José Ángel Leiros, Daniel Silvestre, Julián Nemesio y Pat Escoín, que se suma a la convocatoria para cubrir la baja de Mojinos Escozíos repasando himnos incombustibles como «Muérdeme» o «Mi vida rosa».

    El sábado 29 de agosto dinamizará la agenda dividiendo su propuesta en dos franjas diferenciadas que alternan la cercanía diurna con la contundencia nocturna. El tramo del mediodía arrancará en el Parque Tierno Galván con la tradicional sesión vermú a partir de las 13:00 horas, donde se sucederán de forma continuada los directos de Luback, Drugos, Fever Band y Trouper’s Swing Band. Tras este aperitivo al aire libre, la recta final trasladará nuevamente al público al recinto Las Arenas para recibir el directo de Albertucho dentro de su gira conmemorativa por el vigésimo aniversario de su trayectoria, la celebración de los veinticinco años sobre las tablas de Efecto Mariposa y la descarga final de Mägo de Oz.

    Más allá de las actuaciones musicales, el despliegue logístico y de ocio contempla diversas opciones de restauración mediante vehículos de comida instalados en el Parque Tierno Galván y servicio de Telepizza en Las Arenas, espacio que albergará también una zona de mercadillo durante ambas jornadas. Para garantizar la fluidez en los desplazamientos urbanos, la organización habilitará un autobús lanzadera gratuito el sábado entre las 19:00 y las 21:00 horas para conectar el parque con el recinto principal. Asimismo, se mantiene operativo un acuerdo con la plataforma Angel Drive para facilitar un servicio de conductor profesional con un descuento del 20% mediante la clave «ROCKNBLUES20». Las localidades continúan a la venta a través de los canales oficiales para encarar el fin de semana grande de este referente sonoro.

  • «Emocionante, salvaje y ancestral: Aquí Jarramplas»

    «Emocionante, salvaje y ancestral: Aquí Jarramplas»

    Piornal no celebra: ajusta cuentas con la historia. Jarramplas es violencia ritual, es fe a pedradas, es un pueblo entero disparando memoria a bocajarro. Aquí no hay folklore amable ni postal turística: hay nabos como balas, brazos tensos, dientes apretados y un solo cuerpo aguantando la embestida de todos. El tambor no anima, condena. Marca el paso de alguien que entra sabiendo que va a ser triturado, señalado, machacado… y aun así avanza.


    Aquí, Jarramplas es castigo y orgullo, es sacrificio público, es identidad a golpes. La máscara no protege: desafía. El traje no adorna: absorbe. Cada impacto es una promesa cumplida a los que estuvieron antes y a los que vendrán después. Esto no va de entenderlo, va de sentir el impacto en el pecho. Piornal lanza porque cree, porque recuerda, porque no se rinde. Quien no crea en ello, que no mire, se dé la vuelta y sienta el rumor de nuestros ancestros.

    Aquí, el traje de Jarramplas no está gastado: está curtido. Cada cinta es un historial de impactos, cada mancha una firma del pueblo. No es vestimenta, es armadura blanda hecha para encajar golpes y seguir de pie. Huele a nabo, a sudor, a enero y a promesa cumplida. Aquí no se lava la historia: se acumula. No hay rotos, hay cicatrices. No hay desgaste, hay respeto ganado a base de impacto. El traje pesa porque carga con años de rabia ritual, de orgullo lanzado a bocajarro. Cuando Jarramplas se lo pone, no se viste: se ofrece. Y cuando termina la fiesta, el traje no descansa… espera el próximo asalto.


    Aquí no se señala a dedo ni se improvisa: Jarramplas no se nombra a la ligera: se asume con respeto y con coraje. Sale de promesa, de devoción o de una deuda personal con la tradición. Nadie entra por postureo. El que se pone la máscara sabe a lo que va: a aguantar por todos. Y cuando el nombre se dice en voz alta, ya no hay marcha atrás. No es un honor cómodo; es un compromiso que pesa.


    A su lado están los mayordomos, columna vertebral de la fiesta. Son los que sostienen, organizan y empujan cuando el cuerpo y la cabeza flojean. Entre ellos está Lucía, y no como excepción ni adorno, sino como lo que es: parte del núcleo duro. Se le nota en la cara, en esa emoción que desborda, con su madre detrás mirando como solo miran las madres cuando saben que lo que viene es grande. Ahí hay orgullo, nervios y verdad. De la que no se ensaya.
    Aquí no se lanza por lanzar. Hay código. El nabo no vuela al azar: se apunta con intención. Se agarra firme, se mide la distancia y se espera el segundo justo en el que Jarramplas entra en tu radio. No es rabia ciega: es ritual aprendido, repetido año tras año. El brazo no tiembla. Se lanza seco, directo, sin florituras. Aquí no hay parábola bonita: hay impacto.


    Se tira cuando está cerca, cuando se le ve la cara detrás de la máscara, cuando el tambor avisa de que ya lo tienes encima. Nada de espalda, nada de traición: de frente y a la máscara. Porque esto va de encarar lo que viene, no de esconderse. 30 toneladas de metralla vegetal. A 1175 metros de altura.
    Las calles mandan. Los veteranos enseñan sin hablar. El ritmo lo marca el tambor y la masa. Es repetición, tensión y descarga. Una coreografía salvaje donde todo el mundo sabe qué hacer, aunque nadie lo explique. Porque en Piornal el lanzamiento no se aprende en papel: se mama. Aquí no se tira para hacer daño. Se tira para cumplir el rito.Y cuando el nabo impacta, no es violencia: es tradición volviendo a caer, una vez más, sobre Jarramplas.

    Este año Jarramplas tiene dos nombres que no se olvidan: Marcos Moreno y David Ramos. Dos tíos metiéndose de frente en algo que no se reza, se soporta. Lo suyo no es fe bonita ni promesa cómoda: es agitación contenida en la garganta, mandíbula cerrada y la certeza de que el cuerpo va a cobrar cada impacto. Da igual, ellos siguen firmes, entrando, recibiendo, sufriendo, disfrutando. Una lucha diablesca de ladrones, pastores y muchos siglos de misterio. Para David, vestirse de Jarramplas es un orgullo, de pequeño tenía ese sueño, y la oportunidad de vestirse con su amigo Marcos se traduce en emoción. Sus propias palabras destilan esa exaltación personal pero también la de sus amigos, familiares y mayordomos que se han vestido reflejando la misma felicidad que él. El sentimiento de salir de la puerta de la iglesia, de aguantar los golpes, de ver al pueblo contento y ser Jarramplas todos los años es algo indescriptible para el joven Marcos, que desea serlo todos los años, pero la lista de espera es larga, inalcanzable, hasta el 2060, una odisea hermosa.


    Marcos y David no hacen historia: la cargan. Se ponen la máscara y se convierten en diana consciente, en carne ofrecida a una tradición que no pide permiso. Aguantan por el pueblo entero. Lo que llevan encima sobrepasa la fe porque la fe no pesa así, no duele así, no exige este nivel de entrega. Aquí no hay heroicidad de escaparate. Hay aguante bruto, orgullo que no se explica y emoción que no se esconde.


    Repetimos, con la misma insistencia de los que lanzan nabos, aquí en Extremadura, en Piornal no se juega: se embiste. Jarramplas no es una fiesta, es un desafío a pecho descubierto contra el invierno y contra el miedo. Es el tambor que retumba en las costillas, el traje de cintas que sangra nabos, la máscara que aguanta la lluvia de golpes mientras el pueblo ruge. Aquí no hay espectadores tibios: hay gente que apunta, lanza y defiende una tradición a base de orgullo. Jarramplas cae, se levanta y vuelve a entrar, porque así se escribe la identidad: a base de impacto y resistencia.


    Fotografía. Félix Méndez / Texto. Willy López

  • Dos noches para la historia: Sanguijuelas del Guadiana amplía el aforo en Badajoz

    Dos noches para la historia: Sanguijuelas del Guadiana amplía el aforo en Badajoz

    El próximo fin de semana, 24 y 25 de julio, la Alcazaba de Badajoz vivirá uno de los acontecimientos musicales más importantes del año en Extremadura. Sanguijuelas del Guadiana ofrecerán dos conciertos que ya forman parte de la historia antes incluso de celebrarse, después de que las más de 14.000 entradas iniciales se agotaran en apenas hora y media.

    La enorme demanda de público ha llevado a la banda extremeña a anunciar una ampliación del aforo para ambas actuaciones. Gracias al trabajo realizado junto a los equipos técnicos, se pondrá a disposición del público un nuevo cupo de localidades para quienes no lograron conseguir entrada en la primera venta.

    Las nuevas entradas podrán adquirirse a partir del viernes 3 de julio a través de la página web oficial del grupo y también de forma presencial en el ya conocido Kiosco de los Sanguijuelas, ubicado en Casas de Don Pedro, localidad natal de Carlos, Juan y Víctor.

    La expectación que rodea estas actuaciones no es casual. Sanguijuelas del Guadiana se han convertido en el gran fenómeno musical del año tras conquistar escenarios de toda España con la gira de presentación de Revolá, un trabajo que les ha valido reconocimientos como el de Mejor Nuevo Artista en los Premios ACAMUS y Mejor Artista Emergente en los Premios MIN. Su propuesta mezcla el rock contemporáneo con el folklore extremeño, el pop, la tradición y una puesta en escena que ha conectado con un público muy diverso.

    La Alcazaba, escenario de un concierto histórico

    El enclave elegido añade todavía más simbolismo a la cita. La Alcazaba de Badajoz, considerada una de las fortalezas de origen islámico más importantes de Europa y la mayor de su tipo en el continente, se convertirá durante dos noches en un gran auditorio al aire libre donde miles de personas compartirán un espectáculo llamado a marcar una generación de aficionados a la música extremeña.

    Más allá del propio concierto, el grupo ha querido convertir estas dos jornadas en una celebración colectiva de la escena musical de la región, reuniendo sobre el escenario a artistas de distintas generaciones y estilos.

    Una celebración del talento extremeño

    Los dos conciertos contarán con la participación de tres de los nombres emergentes que mejor representan la nueva escena musical extremeña: KMKR, Mala Sangre y Estanco 72, que actuarán en ambas jornadas junto a Sanguijuelas del Guadiana.

    A ellos se sumarán invitados diferentes cada noche.

    El viernes 24 de julio será el turno de La Kaíta, una de las grandes referencias del flamenco extremeño, que estará acompañada por el guitarrista Juan Vargas. Una presencia que conecta directamente con la raíz musical que tanto inspira al grupo.

    El sábado 25 será Bolsa de Moscas quien complete el cartel. La banda pacense, una de las propuestas más personales y eclécticas del panorama regional, aportará una visión contemporánea que encaja con la diversidad sonora que caracteriza el universo de Sanguijuelas del Guadiana.

    Tradición y futuro sobre un mismo escenario

    La elección de los artistas invitados no responde únicamente a una cuestión musical. Refleja la filosofía con la que Sanguijuelas del Guadiana han construido su proyecto: reivindicar el patrimonio cultural extremeño sin renunciar a los nuevos lenguajes del pop y el rock.

    Desde el flamenco más auténtico hasta la denominada nueva ola extremeña, la Alcazaba reunirá durante dos noches distintas formas de entender la música bajo un mismo mensaje: el talento compartido.

    La banda vuelve así a demostrar que su éxito no solo se mide por la rapidez con la que agotan entradas, sino también por su voluntad de convertir cada concierto en una celebración de la cultura de su tierra. Como ellos mismos resumen en una frase que ya forma parte de su identidad: «Porque nunca somos solos.»

  • La Oreja de Van Gogh y el arte de emocionar a varias generaciones

    La Oreja de Van Gogh y el arte de emocionar a varias generaciones

    La Oreja de Van Gogh reúne a varias generaciones en una noche de recuerdos, emoción y canciones eternas

    Hay conciertos que llenan un recinto. Y hay otros que consiguen algo mucho más difícil: llenar la memoria de quienes asisten. La actuación de La Oreja de Van Gogh en Badajoz fue una de esas noches especiales que permanecen durante mucho tiempo en el recuerdo colectivo de una ciudad. Las altas temperaturas que han acompañado los últimos días de junio en Extremadura no fueron obstáculo para que miles de personas acudieran al Auditorio del Recinto Ferial. Desde primeras horas de la tarde, el ambiente dejaba entrever que no se trataba de un concierto más dentro de la programación musical de la Feria de San Juan. Había expectación, emoción y una sensación compartida de reencuentro.

    Porque las canciones de La Oreja de Van Gogh forman parte de la biografía sentimental de varias generaciones. Han acompañado primeros amores, despedidas, viajes, amistades y momentos cotidianos que, con el paso de los años, terminan convirtiéndose en recuerdos imborrables. Y precisamente eso fue lo que ocurrió durante una velada elegante, emotiva y profundamente compartida. Poco antes de comenzar el espectáculo, el recinto ofrecía una imagen tan diversa como significativa. Padres e hijos, parejas, grupos de amigos y seguidores de distintas edades esperaban el inicio de una actuación que prometía un viaje directo a la memoria. Muchos habían crecido con aquellas canciones; otros las habían heredado de hermanos mayores o de sus propios padres. Pero todos parecían conocer cada palabra. Y cuando sonaron los primeros acordes, la conexión fue inmediata.

    Un inmenso coro bajo el cielo de junio

    Desde el primer momento quedó claro que las canciones ya no pertenecían únicamente a la banda. Eran del público. Miles de voces acompañaron prácticamente cada tema, convirtiendo el recinto ferial en un enorme coro donde desaparecieron las diferencias de edad y de procedencia. Temas como 20 de enero, con el arranco el concierto, La Playa, Vestido Azul, Deseo de cosas imposibles, Puedes contar conmigo, Mariposa o la inevitable Rosas fueron recibidos como viejos amigos que regresan después de mucho tiempo. No eran simples canciones dentro de un repertorio. Eran pequeñas cápsulas de memoria capaces de transportar a cada espectador a un momento concreto de su vida. La magia de la noche residió precisamente en eso. Mientras algunos recordaban los años de instituto, otros revivían viajes, veranos o historias personales asociadas a aquellas melodías. Y los más jóvenes descubrían por qué esas composiciones siguen emocionando décadas después de haber sido escritas.

    Una banda sonora para varias generaciones

    Pocas formaciones del panorama musical español pueden presumir de haber construido un repertorio tan transversal. La Oreja de Van Gogh ha conseguido algo excepcional: permanecer en el tiempo sin perder vigencia emocional. Durante toda la actuación se hizo evidente que las canciones han superado la condición de éxitos musicales para convertirse en parte del patrimonio sentimental de miles de personas. No hubo apenas momentos de silencio. Cada estribillo encontraba una respuesta inmediata en el público, que parecía dispuesto a cantar hasta la última palabra. La producción visual, elegante y cuidada, acompañó perfectamente al espectáculo, aunque el verdadero protagonismo recayó en las composiciones. Porque la fuerza del concierto no estuvo tanto en los efectos o en la escenografía como en la capacidad de esas canciones para seguir emocionando a quienes las escuchan.

    El regreso de una voz que forma parte de la historia

    Si había un elemento que añadía un componente especial a esta gira era la presencia de Amaia Montero. Su regreso al grupo ha sido una de las noticias musicales más celebradas de los últimos años por los seguidores de la banda, y en Badajoz volvió a quedar patente el motivo. Más allá de la inevitable nostalgia, la cantante apareció sobre el escenario con la naturalidad de quien regresa a un lugar que nunca dejó de pertenecerle. Su voz volvió a encontrarse con canciones que forman parte de la memoria sentimental de varias generaciones y el público respondió con una complicidad inmediata.

    Cada una de sus intervenciones fue recibida con calidez por un auditorio que parecía consciente de estar asistiendo a un momento especialmente significativo dentro de la trayectoria de la formación donostiarra. No era únicamente el regreso de una cantante a una banda. Era el reencuentro de miles de personas con una voz que acompañó algunos de los momentos más importantes de sus vidas. La vuelta de Amaia Montero no fue el único motivo del éxito del concierto, pero sí uno de los ingredientes que otorgaron a la cita un carácter especialmente emotivo. Como si una pieza importante del puzle hubiera regresado a su lugar para completar una fotografía que varias generaciones guardaban desde hace años.

    Más que un concierto

    La actuación se convirtió en uno de los grandes acontecimientos musicales de la Feria de San Juan 2026, pero también en algo más profundo que una simple cita festiva. Durante casi dos horas, Badajoz compartió una experiencia colectiva construida sobre recuerdos, emociones y melodías que han acompañado a varias generaciones. Resultaba emocionante observar cómo una misma canción era cantada por quienes la descubrieron hace más de veinte años y por jóvenes que apenas habían nacido cuando comenzó la trayectoria de la banda. Esa mezcla de edades, historias y vivencias terminó convirtiendo el concierto en una celebración intergeneracional difícil de repetir. Cuando llegaron los últimos temas, nadie parecía tener demasiada prisa por abandonar el recinto. Los aplausos se prolongaban, las voces seguían entonando fragmentos de las canciones y la sensación general era la de haber participado en algo más que un espectáculo musical. Quizá porque algunas canciones tienen la capacidad de detener el tiempo. Y durante unas horas, mientras el calor de junio cedía protagonismo a la música y a la emoción, miles de personas volvieron a encontrarse con una parte de sí mismas. La Oreja de Van Gogh puso las canciones. Badajoz hizo el resto.

    OverDose

  • Mucho más que un palmarés: formar espectadores, impulsar el cortometraje y mantener vivo el legado de la música de cine

    Mucho más que un palmarés: formar espectadores, impulsar el cortometraje y mantener vivo el legado de la música de cine

    Más allá del palmarés, el 32º Festival Ibérico de Cine ha vuelto a demostrar que su identidad va mucho más allá de la competición. La apuesta por la formación de nuevos espectadores, el reconocimiento al cortometraje como una de las expresiones más libres y creativas del lenguaje cinematográfico y el protagonismo de la música de cine conforman tres de los pilares que distinguen al certamen.

    El crecimiento del Festival dos Miúdos es el mejor ejemplo de esa mirada hacia el futuro. La sección infantil no solo amplía cada año su presencia territorial, sino que acerca el cine a cientos de niños y niñas de ambos lados de la frontera, despertando en ellos la curiosidad por el séptimo arte y fomentando una educación audiovisual basada en la emoción, la imaginación y el pensamiento crítico. El cine deja así de ser únicamente un entretenimiento para convertirse también en una herramienta cultural y educativa. El festival continúa reivindicando igualmente el enorme valor creativo del cortometraje. Lejos de ser un formato menor, el corto se consolida como un espacio de libertad artística donde nacen nuevas voces, se experimenta con los lenguajes cinematográficos y se cuentan historias capaces de emocionar en apenas unos minutos. Cada edición confirma que muchas de las miradas más innovadoras del cine contemporáneo encuentran en este formato su primera gran oportunidad.

    A ello se suma una de las señas de identidad más reconocibles del Festival Ibérico de Cine: su estrecha relación con la música para el cine. Los conciertos dedicados a las bandas sonoras han vuelto a ocupar un lugar destacado dentro de la programación, convirtiéndose en una experiencia única que trasciende la pantalla y acerca al público el trabajo de los compositores. Una apuesta que mantiene vivo el legado de Alejandro Pachón, histórico director del festival, cuya pasión por la música cinematográfica dejó una huella imborrable en el certamen. Cada nueva edición renueva ese homenaje, recordando que una banda sonora no solo acompaña las imágenes, sino que también es capaz de construir emociones, memoria e identidad.

    Un palmarés con hitos históricos

    El máximo reconocimiento del certamen fue para Homing, dirigido por Hansel Rodrigues y Elizabeth Atherton, que obtuvo el Onofre al Mejor Cortometraje, además de la candidatura directa a los Premios Goya y a los Premios Fugaz.

    La edición también quedará marcada por un hecho sin precedentes. In Memoriam, de Teresa Bellón y César F. Calvillo, se convirtió en el primer cortometraje en los 32 años de historia del festival capaz de conquistar simultáneamente los Premios del Público de Badajoz, Olivenza y San Vicente de Alcántara, un respaldo unánime que refleja la extraordinaria conexión de la obra con los espectadores.

    También creció el Premio del Público Infantil, cuya dotación económica se duplicó hasta alcanzar los 1.000 euros gracias a la ampliación del Festival dos Miúdos. El reconocimiento recayó en el cortometraje portugués Rui Carlos, elegido por los propios niños participantes. De forma casi simbólica, la historia narra cómo un grupo de jóvenes vive con intensidad un partido de fútbol en un barrio portugués, un guiño perfecto para una edición marcada por el ambiente mundialista.

    La música de cine, una seña de identidad

    Otro de los grandes atractivos del festival volvió a ser su apuesta por las bandas sonoras, una propuesta prácticamente única entre los festivales especializados en cortometrajes.

    El público pudo disfrutar de los conciertos ofrecidos por Pablo Cervantes y Roque Baños, dos de los compositores más destacados del cine español contemporáneo.

    Entre los momentos más especiales figuró el estreno mundial en formato sinfónico de la partitura de Torrente, presidente, interpretada por la Orquesta de Extremadura bajo la dirección de Roberto Forés, un acontecimiento que reforzó el compromiso del Festival Ibérico con la difusión de la música cinematográfica.