Etiqueta: festival

Correr o Fado

Todo está listo. El agua inunda la cultura portuguesa. Y sobre el escenario el mar parece cobrar vida. Siete profesionales de la danza contemporánea, cinco urnas transparentes de líquido y el fado de Mariza de fondo. Se ser fadista é ser triste, é ser lágrima prevista, ee por mágoa o fado existe, então eu não sou fadista.

Daniel Cardoso, director artístico, coreógrafo y bailarín nos detalla por el espectáculo, nos hace de guía y nos adentramos en Correr o fado con la ilusión de ver un espectáculo de danza actual bajo el ritmo de los fados tradicionales.

Termina nuestro viaje y comienza la lluvia… A chuva ouviu e calou, meu segredo à cidade, e eis que ela bate no vidro, trazendo a saudade

Correr o fado es un trabajo inspirado en la cultura portuguesa. La idea fue intentar lanzar el fado hacia el exterior, depurarle la parte tradicional que a veces hace que sea tan elitista.

Quitar al fado esa parte de tristeza y melancolía con un espectáculo armónico, dulce y alegre. Intentar escapar un poco de esa tristeza, y crear un lenguaje contemporáneo adaptado a la música fuera de lo completamente tradicional

Para llevar el arte del fado, más tradicional hacia el mundo de la danza más actual fue crear una especie de pasaporte de cultura portuguesa. Donde el fado pueda correr por todo el mundo, donde la mujer y el hombre tengan el mismo estado y donde el agua no sea una frontera.

Correr o fado es una vieja expresión portuguesa que quiere decir pasar una noche, una fiesta con el fado. Pero también creíamos que esa expresión estaba ligada al movimiento, al correr de las voces y el público en los conciertos. De ahí el nombre de la función.

Correr o fado es una obra que ha recorrido todo el mundo. Tiene nueve años de vida y cada vez estamos más apegados a esta danza.

La danza posee un lenguaje universal y aunque es fado es música que se escucha y aprecia en todo el mundo carece de esa valor tan intrínseco que tiene para nosotros. Son dos contextos diferentes y creemos que eso hace que guste al público. De repente escuchan una letra clásica de Amalia Rodrigues y una danza contemporánea que lo acompaña. La reacción es de sorpresa.

Entrevista. Willy López | Fotografía. Félix Méndez

2 de octubre de 2019
Tapices flamencos en Badajoz «Humanismo, naturaleza y simbología»

Del 03 de diciembre del 2020 al 24 de enero de 2021

Tapices flamencos en Badajoz. Humanismo, naturaleza y simbología es el título dado a un extenso trabajo de investigación en torno a uno de los conjuntos patrimoniales más interesantes de Extremadura. Editado por la Fundación Ortega Muñoz, la publicación que ahora se presenta indaga y profundiza en los desconocidos tapices de la Catedral de Badajoz, incluyéndose en una colección de libros singulares (con contenidos clásicos y diseños cuidados y de total actualidad) que publica la entidad dentro de su programa de actividades. Integrada en la Junta de Extremadura, La Fundación Ortega Muñoz cuenta entre sus objetivos con el impulso y la divulgación de proyectos que tengan como nexo de unión el arte y la naturaleza, así como el apoyo a iniciativas que pongan en valor el rico patrimonio cultural de Extremadura. Bajo estos preceptos ve la luz la publicación de este estudio que incide sobre una serie de valores inéditos de esta singular serie de tapices custodiada en el Museo de la Catedral de Badajoz, cuya colaboración ha sido decisiva para la elaboración de este trabajo.

La colección de tapices catedralicios está formada por un total de ocho ejemplares datados en el siglo XVI y procedentes de talleres tapiceros de Flandes, con una evidente unidad cromática entre ellos (de habituales tonos amarillos y verdes de los tapices flamencos de características similares) e incuestionable unidad estilística. Pese a su factura flamenca, tanto los temas desarrollados como su tratamiento narrativo se corresponden con ámbitos más meridionales, evidenciando la interesante combinación estilística que de lo italiano y lo flamenco era habitual en la época. En ellos destaca la alta calidad del trabajo de manufactura, patente en el virtuosismo y detalle en la ejecución de los elementos y escenas representados. Todas ellas son características que adscriben con total garantía este conjunto a la autoría del taller tapicero de Philippe van der Cammen (ca. 1541 – 1601), uno de los más importantes de Flandes en la segunda mitad del siglo XVI.

Siete de los tapices forman un conjunto narrativo coherente, la serie denominada La fidelidad de Penélope, y un octavo, de cronología algo posterior, representa una escena cinegética, la Caza de castores. Incluidos en la tipología de los conocidos como tapices de “verdura” o de “boscaje”, destaca en ellos el protagonismo que toma la vegetación, densa, profusa y decorativa. Pese a lo que pudiera parecer, la ambientación naturalista de plantas y animales trasciende aquí lo meramente ornamental para desempeñar un complejo papel simbólico, estudiado ahora en profundidad.

Formalmente, cada uno de los tapices se estructura con un asunto narrativo central (siete escenas de La Fidelidad de Penélope y la representación de la Caza de castores), que enmarca una orla perimetral decorada con elementos vegetales y figurativos. Dentro del trabajo de investigación desarrollado por esta publicación, el análisis de las borduras ha exigido un estudio independiente, toda vez que éstas incluyen alegorías (de las virtudes Teologales y Cardinales, además de otras participadas por figuras zoomorfas) y abundante Emblemática, representaciones de profundos contenidos iconológicos a las que acompañan elaborados macizos de flores y frutos. La presencia en los tapices de estas representaciones de complejo significado se corresponde con el desarrollo coetáneo del gusto por la literatura emblemática, que se traduce en estos tapices en la introducción de estos motivos y sus lemas.

Adquiridos en 1743 por el Cabildo de la Catedral de Badajoz en Madrid para cubrir los paramentos de su Sala Capitular, los ocho tapices permanecieron en su primitivo emplazamiento hasta 1913, cuando pasan a la Sacristía en un deficiente estado de conservación tras casi dos siglos sometidos a unas adversas condiciones climáticas y un cuestionable sistema de colgado en los muros. Este cambio de ubicación no impidió el proceso de deterioro de los tapices, hasta que en 2009 el Cabildo decide iniciar un proceso de restauración que, con criterios científicos, permitió tres años más tarde su traslado a las naves catedralicias para su exhibición pública por vez primera. El 20 de diciembre de 2019 se inauguraba oficialmente el renovado Museo de la Catedral de Badajoz, incluyendo en su discurso expositivo siete de los tapices en la que fue su primitiva localización: la Sala Capitular. El otro permanece en uno de los muros de la Sacristía. El espacio de la Sala Capitular se ha intervenido garantizando el mantenimiento de las condiciones más idóneas para la conservación de las obras: control de la iluminación natural y nueva disposición de la artificial, control de temperatura y humedad relativa, evitando así poner en riesgo la degradación de las fibras y su colorido. Museográficamente, y atendiendo dictados de la conservación preventiva, los tapices expuestos han sido instalados sobre unos bastidores metálicos, forrados de madera y de placas en policarbonato, con plano inclinado para que el peso de cada paño sea distribuido por la superficie de su estructura evitando concentrar la presión en la parte superior por efecto de la gravedad.

La publicación de los resultados de esta investigación por parte de la Fundación Ortega Muñoz pone a disposición del público un trabajo de divulgación que pretende ser el punto de partida para futuros estudios, resultado de nuevas consultas en archivo, otras lecturas e interpretaciones y cualesquiera otras visiones de las numerosas temáticas que aglutinan en torno a sí los tapices flamencos de la Catedral de Badajoz.

LA CULTURA HUMANISTA FLAMENCA EN LOS TAPICES CATEDRALICIOS DE BADAJOZ

Mirar el conjunto de tapices flamencos conservados en la Catedral de Badajoz supone un recreo estimulante para el intelecto frente a la contemplación de todo un compendio de saberes propios de la Cultura Humanista que se ofrece desde ellos. Presente en el pensamiento de la segunda mitad del siglo XVI, la mentalidad de la época conjugaba los saberes nuevos y la tradición medieval, una curiosa mezcla de los modernos conocimientos sobre naturaleza, mitología, literatura y teología con los arcanos del hermetismo antiguo, reencarnado en la emblemática. Y manifestaba también el sentir político y religioso subsiguiente a la idea de Imperio de Carlos V y de la Reforma Protestante. Este hervidero de ideas está latente en estos tapices. La investigación desarrollada muestra un estudio ideográfico y comparativo entre imágenes impresas y tejidas, entre artífices y entre conjuntos de tapices; un examen icónico que ha indagado en cada elemento significante. Las interpretaciones propuestas son el resultado de un ponderado cruce de figuras, de ideas y de datos, siendo un punto de partida para futuras valoraciones.

Siete de los tapices forman un conjunto coherente en torno al tema mitológico de La fidelidad de Penélope, escenas independientes sobre un mismo asunto narrativo con orlas decoradas con elementos vegetales y figurativos. Son una muestra visual de la multiplicidad de saberes de la Cultura Humanista, que se manifiesta aquí en una desbordante riqueza figurativa y semántica. Las escenas relatan la historia de Odiseo y Penélope, prototipos heroicos de la Antigüedad, ejemplos de virtudes, en los que él encarna el ingenio y la aventura y ella personifica la constancia y la fidelidad. Penélope, mujer virtuosa de la Antigüedad, era el perfecto arquetipo para la mujer del Humanismo, en la órbita de la corriente literaria que exaltaba el amor bucólico, resultado del Neoplatonismo difundido desde el siglo XV por la Academia Platónica de Florencia y que fue ampliamente trasladado a la cultura visual en todas las manifestaciones culturales.

Las escenas de La Fidelidad de Penélope, un canto a la universalidad del amor entre dioses mitológicos y figuras legendarias de la literatura clásica griega, refuerzan su mensaje ejemplarizante con los motivos representados en las cenefas perimetrales, representaciones de las virtudes teologales y cardinales y diferentes emblemas relativos al amor, otra reinterpretación del mundo clásico dirigida al interlocutor de estos tapices con igual fuerza expresiva que la figuración de las escenas centrales. Las borduras de los tapices, además de un elemento ornamental, son espacios para el desarrollo de discursos morales que son establecidos a partir de códigos expresivos extraídos del mundo de la alegoría y la emblemática: pocas imágenes comprenden mucho contenido y varias lecturas, con un elevado valor instructivo y moralizador de las figuraciones y motivos escogidos del repertorio clásico.

Es razonable concluir que esta serie de siete tapices muestra una alegoría del amor, en la que Penélope desempeña un protagonismo edificante y de buen gobierno. En ese sentido, la investigación que ahora se publica apunta cómo estos tapices supondrían una metáfora visual y de exaltación personal en torno a la figura de Margarita de Parma (1545 – 1592), Gobernadora de los Países Bajos entre 1559 y 1567 durante el reinado de Felipe II, “una mujer dedicada al compromiso y la conciliación en los asuntos públicos”. Ella era protagonista en la historia real, en tanto que Penélope lo fue en tiempos en los que la historia y el mito se entrecruzaban.

LAS PLANTAS EN LOS TAPICES FLAMENCOS DE LA CATEDRAL DE BADAJOZ

Los estudios sobre la naturaleza en el arte, especialmente los trabajos de Botánica, constituyen una corriente de investigación que se afianza paulatinamente desde mediados del siglo XX, y de la que el conjunto de tapices flamencos de la Catedral de Badajoz no se encuentra ajeno. Los tapices catedralicios muestran paisajes idílicos a propósito de una historia cortesana, no exenta de épica y con final feliz. En el ciclo de La fidelidad de Penélope, la naturaleza se representa en sus más variados aspectos: jardines con espacios bien delimitados para las plantas y convertidos en vergeles para el recreo humano (tapices del Desposorio de Penélope y Odiseo, Odiseo vuelve de incognito a Ítaca y Encuentro de Penélope y Odiseo), como marco de sucesos mitológicos (Apolo dialoga con Eros y Ártemis y sus ninfas se disponen a cazar, y Apolo persigue a Dafne y Ártemis y las ninfas cazan un ciervo), o incluso como una naturaleza más agreste y salvaje (Penélope se despide de Icario y Méntor insta a Telémaco a buscar a Odiseo). Todos estos paisajes se plantean como fondos estéticos que contribuyen a escenificar los diferentes episodios de la historia mitológica. Por su parte, el octavo tapiz, Caza de castores, transporta a un espacio boscoso en el que se despliega una activa vida social en torno a la actividad cinegética. La utilización de la naturaleza en la articulación de historias era un lenguaje bien conocido en épocas pasadas, que concebía las plantas, flores, árboles, frutos como si fueran palabras, y su color y su ubicación puntual algo así como su gramática, componiendo con todo ello un mensaje de fuerte carga simbólica sobre la paciencia, la nobleza, la templanza o la fe.

El estudio desarrollado en torno a los tapices flamencos de la Catedral de Badajoz ha permitido identificar en ellos sesenta y una plantas, agrupadas en cincuenta y seis nombres vulgares. Cuarenta y cinco son hierbas y dieciséis son árboles, magnitudes que se contrarrestan en la evaluación visual de las escenas, donde más del 70% lo ocupan los árboles, en tanto que las plantas herbáceas ocupan sólo un 10% de la superficie. Las plantas y frutas representadas son principalmente de los ámbitos geográficos flamencos y del norte de Europa, del Mediterráneo, y en un menor número son testimonios de los nuevos territorios explorados difundidos por las obras de los naturalistas del Renacimiento. De su examen pormenorizado sorprende que el artista de los diseños sea tan realista al copiar la especie pero haya prescindido de la coherencia estacional en que debería mostrarse cada flor o cada fruto: la mayoría de ellos se representa en sus estadios de floración y maduración correspondientes a los meses de primavera y verano.

Una observación minuciosa permite identificar especies conocidas como lirios, palmeras, laurel, fresas, o incluso anémonas. También otras utilizadas en la medicina oficial de la época como belladona, mandrágora, angélica, eléboro o sauco, testimoniando el interés del conocimiento médico proyectado en el arte. Las especies de uso alimentario como higueras, vides, naranjos o manzano confieren verismo a las escenas al ser árboles comunes en Europa. Por su parte, se identifican especies hidrófitas como culantrillo de pozo, lirio amarillo, nenúfar o enea, que aportan por su parte autenticidad a la composición. El resto de especies representadas de ambientes boscoso, de prados, incluye plantas muy conocidas que ofrecen cotidianidad, como corregüelas, campanillas de invierno, prímulas, margaritas o comunes. El conjunto de las plantas representadas en los tapices de la Catedral de Badajoz los convierte en un compendio visual de la botánica conocida a la altura del siglo XVI, una muestra fiel a sus modelos naturales como si se tratara de una proyección de la Historia Natural en el arte.

LOS ANIMALES

El análisis realizado por este trabajo de investigación sobre los animales de los tapices flamencos de la Catedral de Badajoz se ha orientado a través de la Zooiconografía histórica, disciplina que rige una serie de estudios de la fauna en base a campos multidisciplinares como Historia de la Ciencia, Historia del Arte o Iconología. Los ejemplares identificados y estudiados del conjunto catedralicio conforman un variado conjunto de especies animales que, más allá de lo anecdótico o lo simbólico, manifiestan el gusto especial de la época por mostrar aves, mamíferos, peces y moluscos, en conexión con las iniciativas humanistas de reconocimiento de la naturaleza.

Las escenas centrales de los tapices recogen una diversidad faunística sorprendente: más de veinticinco especies diferentes de animales, que, en el caso de la serie de La Fidelidad de Penélope, acompañan y complementan las escenas mitológicas que se desarrollan en un escenario natural. Además de conocidas especies comunes, se reproducen algunas exóticas, junto a otras metamorfoseadas de cariz simbólico. Los animales se integran en la historia de los personajes principales aportando realismo y verosimilitud a la narración de los episodios. Cada uno forma parte de la historia que se desarrolla en el entorno natural, lleno de vitalidad y de innovadoras arquitecturas de jardín: escenas de caza con ciervos, de labranza con bueyes, vacas o mulos, o de paseo a caballo. Entre esta variedad faunística representada destaca la pareja de pavos reales que aparecen en el centro del tercio inferior del primer tapiz (Apolo dialoga con Eros y Ártemis y sus ninfas se disponen a cazar), una de las recreaciones con mayor rigor y detalle de todo el catálogo animalístico del conjunto tapicero flamenco de la Catedral de Badajoz. Además, se reconocen liebres, conejos, monos o simios, un lobo devorando un loro o papagayo, perros, lampreas y moluscos, leopardos y jaguares, un gato, el águila, otras aves en vuelo o en su nido, sin olvidar especies fantásticas como sirenas o tritones.

El octavo tapiz, ajeno a la serie mitológica, tradicionalmente conocido como Caza de ginetas, ha podido ser identificado en este estudio como Caza de Castores. Es un tapiz suelto, procedente del taller de Maarten Reymbouts II (1557 – 1619), de gran belleza formal y calidad datado en la última década del siglo XVI. A la derecha de la escena central unos cazadores con perros persiguen a una pareja de mamíferos con piel moteada que fueron originalmente identificadas como ginetas atendiendo a su tamaño, morfología y coloración de la piel. La observación atenta y el estudio pormenorizado llevado a cabo en la investigación han permitido hacer una identificación alternativa más acertada de la escena, basándose en características morfológicas y etológicas de los animales, reconociéndose características típicas de las especies de castores, roedores semiacuáticos que tienen patas traseras palmeadas y cola ovalada y aplanada conformada por pequeñas escamas negras hexagonales. Alegóricamente, este animal es la figuración de un hombre que abandona sus vicios y alcanza la virtud. En la escena central aparecen también figuras de ocho perros cazadores, que en su persecución asustan y levantan a varias aves, como garzas y varios martines pescadores. La figuración de estos animales obedece a un criterio realista, individualizador y sus diseños son de excelente calidad.

Por su parte, los animales representados en las figuras de las borduras de los ocho ejemplares plantean un lenguaje más ambiguo y simbólico, pervivencia de la tradición imaginaria medieval que durante el Humanismo se entrelaza con el lenguaje metafórico reinstalado en Occidente. En ese sentido, en las cenefas de todos los tapices se repiten las figuras del pavo real, con su cola desplegada, y el ave fénix, alegorías cristianas de la actitud vigilante ante la muerte. Junto a ellos aparecen representaciones de animales de fuerte carga simbólica como una especie de saurio semejante al dragón que mira al sol, un asno cargado de alimentos en actitud de comer hierba, un ciervo recostado frente a un león de pie, una cabra que golpea con una pata un jarro de leche que se derrama, o un ciervo recostado con una flecha en el pecho. Estas representaciones están inspiradas en el ambiente culto y erudito de la alegoría y el emblema, tan propio de la época y parte de la cultura simbólica de la Europa de la modernidad histórica: un auténtico programa discursivo con la intención de comunicar mensajes aleccionadores y edificantes.

El estudio desarrollado en torno a los tapices flamencos de la Catedral de Badajoz ha permitido identificar en ellos sesenta y una plantas, agrupadas en cincuenta y seis nombres vulgares. Cuarenta y cinco son hierbas y dieciséis son árboles, magnitudes que se contrarrestan en la evaluación visual de las escenas, donde más del 70% lo ocupan los árboles, en tanto que las plantas herbáceas ocupan sólo un 10% de la superficie. Las plantas y frutas representadas son principalmente de los ámbitos geográficos flamencos y del norte de Europa, del Mediterráneo, y en un menor número son testimonios de los nuevos territorios explorados difundidos por las obras de los naturalistas del Renacimiento. De su examen pormenorizado sorprende que el artista de los diseños sea tan realista al copiar la especie pero haya prescindido de la coherencia estacional en que debería mostrarse cada flor o cada fruto: la mayoría de ellos se representa en sus estadios de floración y maduración correspondientes a los meses de primavera y verano.

Fundación Ortega Muñoz. Consejería de Cultura, Turismo y Deportes. Junta de Extremadura

2 de octubre de 2019
Dramaturgia con sello de calidad en el Festival Internacional de Teatro de Badajoz

La 42 edición del Festival Internacional de Teatro de Badajoz, se celebrará del 18 al 30 de octubre en el teatro López de Ayala.

Durante 13 días habrá 15 espectáculos de compañías extremeñas, españolas y extranjeras. Las enfermedades mentales, la niñez, el paso del tiempo, las relaciones familiares, la inmigración, las nuevas tecnologías o el desamor forman parte de la temática de la programación de esta edición que cuenta con dos funciones fuera del escenario principal del López de Ayala: en el Paseo de San Francisco y el sótano del teatro.

En el apartado internacional, desde Bolivia llega Un buen morir, en el que se entregan a una exploración humana del amor, la muerte, los encuentros y desencuentros de una pareja (21 de octubre).

Desde Portugal nos llega una visión nueva del Fado a través de la danza y de la música Correr o Fado, una forma de desmitificar la archiconocida música portuguesa con una puesta en escena para ballet novedosa. (23 de octubre)

Foto. Russ Rowland

Destaca la presencia del artista estadounidense Richard Saudek, que representa la obra Beep boop, donde nos muestra a través el clown una preocupación de actualidad como es la obsesión por las pantallas y las nuevas tecnologías. Será su única actuación en España después de pasar por el Festival de Edimburgo.( 24 de octubre)

La última de las compañías extranjeras que pisa el festival proviene de Chile, Tryo Teatro, representa el (27 de octubre) Pedro de Valdivia, la gesta inconclusa, una visión a través de la música, teatro e historia de las hazañas del conquistador español.

De las compañías extremeñas destaca la presencia de la dramaturga y actriz Concha Rodríguez que el (20 de octubre) representa una obra escrita por ella que trata sobre la vorágine empresarial y las relaciones de poder en Homenaje inesperado.

La difícil situación de una mujer perseguida, basada en la vida de Camille Claudel, es el tema que De Amarillo Producciones propone en La vida secreta de Petra Leduc, pero también es el reflejo de artistas perseguidas por su condición de mujer. (22 de octubre)

La danza extremeña llega de la mano de Karlik Danza Teatro con La vida de los salmones, una obra que muestra sueños que desafían monstruos (28 de octubre). Ese mismo día, en el sótano del teatro, la actriz extremeña Esther Gala representa Fantasmas de agua sobre la tragedia de la inmigración.

Por último, la presencia extremeña llega de la mano de Asaco Producciones y los Hermanos Saquetti que representan en el Paseo de San Francisco el sábado (26 de octubre) a las 18 h. Custodios. Una divertida y loca historia protagonizada por ángeles payasos.

En el apartado nacional abre el turno de representaciones el primer día del festival El silencio de Elvis, (18 de octubre), protagonizado por Pepe Viyuela y el actor extremeño Elías González que aborda el tema de la esquizofrenia y sus implicaciones en la sociedad. Sobre las relaciones familiares y sus dificultades trata La boda de tus muertos (19 de octubre). Un intenso drama sobre una fiesta que se convierte en una tenebrosa tormenta.

Una delicada visión sobre la infancia y su laberinto emocional con actores con máscaras es el tema que aborda la compañía vasca Marie de Jongh que obtuvieron el Premio Nacional de Artes Escénica para la Infancia y la Juventud en 2018. Ponen en escena el viernes (25 de octubre) Estrella,que la compañía define como Teatro de adultos para niños y teatro infantil para adultos, recomendada para niños a partir de 6 años. Destaca su especial lenguaje y la sensibilidad a través de montajes con un incuestionable valor artístico y técnico.

La compañía andaluza GL Producciones pone en escena El nombre,dirigida por el argentino Daniel Veronese, protagonizada por la actriz y productora May Pascual. Una obra divertidísima, en la que el espectador se ríe mucho y en la que se saca punta y se profundiza en las situaciones cotidianas con un punto emotivo.

El martes (29 de octubre), la actriz Mercedes Reyes protagoniza La buscona, una comedia con tono trágico. La compañía de nueva creación Trastero 203, realiza un trabajo que pasa por matices del clown, a la vez que viaja por el melodrama, teatro de objetos, títeres, y música.

Cerrará el festival la compañía valenciana Wichita Co. & a+ Soluciones Culturales What is love, Baby don´t hurt me. Una reflexión sobre el amor, la neurosis y su vacío con el que la compañía pretende poner en escena versiones libres de todas las obras de Antón Chéjov.

Durante el festival se desarrollará un taller destinado a actores impartido por Víctor Sánchez Rodríguez, director de ‘Cuzco’, programada por el Festival Internacional de Teatro de Badajoz el pasado año, y What is love, Baby don´t hurt me que clausura la presente edición del Festival. Conducirá un taller de interpretación dramaturgia y dirección dirigido a actores, directores y autores, El personaje en las piernas. Se celebrará el martes 29 y miércoles 30 de octubre, en el teatro López de Ayala de 10:00 a 14:00 horas. Plaza limitadas.

Viernes 18 de octubre 21:00 h. El silencio de Elvis
Compañía: El Vodevil (Madrid)

Sábado 19 de octubre 21:00 h. La boda de tus muertos
Compañía: Sieteatro Producciones (Madrid)

Domingo 20 de octubre 21:00 h. Homenaje inesperado
Compañía: La Estampa Teatro (Extremadura)

Lunes 21 de octubre 21:00 h. Un buen morir
Compañía: Teatro de los Andes (Bolivia)

Martes 22 de octubre 21:00 h. La vida secreta de Petra Leduc
Compañía: De Amarillo Producciones (Extremadura)

Miércoles 23 de octubre 21:00 h. Correr o Fado
Compañía: Quorum Ballet (Portugal)

Jueves 24 de octubre 21:00 h. Beep boop
Compañía: Richard Saudek (Estados Unidos)

Viernes 25 de octubre 21:00 h. Teatro de adultos para niños y teatro
infantil para adultos (a partir de 6 años). Estrella
Compañía: Marie de Jongh (País Vasco)

Sábado 26 de octubre 18:00 h. Teatro de Calle. Custodios
Compañía: Asaco Producciones/ Hermanos Saquetti (Extremadura)

Sábado 26 de octubre 21:00 h. El nombre
Compañía: GL Producciones (Andalucía)

Domingo 27 de octubre 21:00 h. Pedro de Valdivia, la gesta inconclusa
Compañía: Tryo Teatro (Chile)

Lunes 28 de octubre 21:00 h. La vida de los salmones
Compañía: Karlik Danza Teatro (Extremadura)

Lunes 28 de octubre 23:00 h. Sótano. Fantasmas de agua
Compañía: Gala Teatro (Extremadura)

Martes 29 de octubre 21:00 h. La buscona
Compañía: Trastero 203 (Andalucía)

Miércoles 30 de octubre 21:00 h. What is love, Baby don´t hurt me
Compañía: Wichita Co. & a+ Soluciones Culturales (Valencia)

Precios de entradas y abonos. Entrada general

Butaca de patio: 15 € Anfiteatro: 12 €

Descuentos con el carnet joven, para pensionistas, desempleados y miembros de FATEX

Butaca de patio: 9 € Anfiteatro: 6 €

Abono para 13 funciones

70 €. A la venta desde el 19 de septiembre hasta el 3 de octubre

Funciones fuera de abono

Lunes 28 de octubre 23:00 h. (Sótano) ‘Fantasmas de agua’
Precio único: 12 € (Aforo máximo 60 personas)
Para este espectáculo el público dispondrá de sillas no numeradas

Sábado 26 de octubre 18:00 h. ‘Custodios’
Teatro de calle
Paseo de San Francisco
Gratuito

Foto portada. Pkp

7 de septiembre de 2019
Secindi «Luces, cámara…y corazón»

Luces, cámara…y corazón…mucho corazón y esfuerzo se ha invertido para preparar la segunda edición del Secindi Film Festival. El festival gestado por la Fundación CB y el director del festival Antonio Gil Aparicio. Una semana de cine inclusivo y discapacidad que del 14 al 19 de octubre se celebrará en Mérida con dos sesiones diarias de largometrajes que se proyectarán durante en el Centro Cultural “Santo Domingo” y donde los talleres y la presencia de actores y directores complementarán un festival con visos de futuro.

Esta edición contará con una sesión matinal para los centros educativos y una sesión abierta al público a las 20:00 horas. La inauguración será el lunes 14 de octubre a las 19:30 horas; “Jóvenes invisibles”, un documental realizado por la Fundación Isabel Gemio, la película que abrirá el festival.

Una de las principales novedades de esta semana de cine y discapacidad es la Sección Oficial de Cortometrajes que recoge los 10 cortos seleccionados del Certamen de Cortometrajes cuya convocatoria se abrió el pasado mes de abril; y que ha recibido un centenar de cortos de todas partes del mundo han sido presentados.

https://vimeo.com/360734743

Los cortos seleccionados son: “Robarte una noche” (España) “Le Mot” (Corea del Sur) “L´Âge d´Or” (Francia) “Fundido a negro” (España) “My name is Petya” (Rusia) “El ascensor de Romeo” (España) “The lost ones” (Francia) “Ferides” (España) “La intérprete” (España) “María” (España)

Otra de las novedades este año es que se realizarán dos talleres: Taller de sensibilización lengua de signos española: miércoles 16 a las 11:00 horas y el Taller de Audiodescripción “Sentimos el cine”: viernes 18 a las 11:00 horas.

La película encargada de cerrar el festival el sábado 19 de octubre será el documental protagonizado por Dani Rovira “Todos los caminos”; una película que pretende dar a conocer el síndrome de Rett. La gala de clausura comenzará ese mismo día a las 21:30 horas con la entrega de premios del Certamen de Cortometrajes.

Este proyecto nace del esfuerzo de Fundación CB por integrar a las personas con discapacidad haciendo posible un cine accesible mediante subtítulos y audio-descripción y ofreciendo la oportunidad de acercar películas donde la diversidad funcional cobra protagonismo.

El Centro Cultural “Santo Domingo” ha sido adaptado para las necesidades de personas con discapacidad física y personas con dificultades auditivas, quienes podrán disfrutar de todas las proyecciones a través del bucle de inducción magnética (sistema de comunicación para personas con audífono), audio-descripción y lenguaje de signos. Todo ello con el objetivo de adaptar el cine a aquellas personas con dificultades para acceder a él y, al mismo tiempo, concienciar y dar a conocer un cine donde la diversidad funcional juega un papel importante.

El cine es una fábrica de sueños, en la que podemos entrar cuando queramos y trasladarnos a otros mundos e historias que durante hora y media, nos van a hacer sentir que las estamos viviendo nosotros. Para las personas que no tienen la opción de disfrutarlo en una sala de cine en pantalla grande por su discapacidad, esta es la oportunidad de poder hacerlo. Es una herramienta idónea que debería ser obligatoria en el sistema educativo, porque los jóvenes son los mayores consumidores audiovisuales, pero el problema es que no les estamos enseñando como utilizarlos para su propio beneficio. Antonio Gil Aparacio

13 de agosto de 2019
Raphael y Manuel Carrasco «Cátedra musical en el Stone & Music»

Raphael jamás falla

Sin haber terminado de digerir el espectacular y multitudinario concierto ofrecido por Manuel Carrasco en el albergue municipal en la noche del sábado, el Stone&MusicFestival se encaminaba a cerrar un nueva edición con uno de los cantantes más relevantes del panorama musical internacional de los últimos 60 años, Raphael, que arrancó la primera gran ovación de la noche, con el público puesto en pie, nada más pisar la escena del Teatro.

El Raphael más vanguardista, que se inventa y se reinventa en cada uno de sus trabajos, y más seductor que nunca volvió a demostrar su particular carisma, su voz y su energía en un show que estuvo claramente diferenciado en dos partes, mezclando lo mejor de la música orquestal con las tendencias electrónicas más actuales.

El público que abarrotó de nuevo el graderío del Teatro Romano disfrutó de los treinta y dos temas que ofreció el andaluz, entre canción y canción se repitieron varios signos de cariño desde el público, que además, coreando temas como ‘Inmensidad’ o ‘Digan lo que digan’, ‘Mi gran noche’ o ‘Yo soy aquel’, pero tampoco se quedó indiferente a esa parte más latina e íntima que encarnaron ‘Volver’, ‘Malena’ o ‘Adoro’ Dos horas y media de show en el que interpretó temas con piano, bandoneón y guitarra.

Un cantante incansable que a sus 76 primaveras se ha adaptado a los tiempos de la música sin cambiar su estilo. Lo volvió a demostrar en un espectacular final de concierto, con temas como ‘Yo soy aquel’, ‘Escándalo’ y ‘Como yo te amo’, que puso en pie al respetable por enésima vez en la noche con un “Extremadura os amo tanto” y un ‘A mi manera’ cantado a capella.

Hay que resaltar la majestuosidad y buen hacer de la Orquesta de Extremadura en cada uno de los temas que fueron acompañando al cantante que reconoció esa labor sobre el escenario y que incluso se atrevió a dirigir en un momento único.

Esta es la segunda parada de la Orquesta de Extremadura en esta edición 2019 del Festival. En esta ocasión, lo hacía bajó la batuta del asturiano Rubén Diez, quién dirige a todas las orquestas, que desde 2015, acompañan a Raphael en cualquiera de sus conciertos.

La orquesta de Extremadura también protagonizó con su base musical el espectáculo de Disney in Concert que se celebró el pasado 8 de septiembre, día de Extremadura.

Tercera visita de Manuel Carrasco

Manuel Carrasco convocó a casi 20.000 personas en el concierto más multitudinario del siglo en Extremadura. En su tercera vez en el Stone & Music, el onubense reivindicó un ‘tren digno’ para Extremadura. Manuel Carrasco convocó en el Albergue municipal emeritense a casi 20.000 personas, 19.578 según datos de taquillas, en lo que ya se ha convertido en el concierto más multitudinario de Extremadura en lo que va de siglo. Estoy feliz por ser los que más público hemos metido aquí los últimos 20 años aseguró al saludar a todos los asistentes apenas terminados los tres primeros temas del concierto.

Y siguió hablando de Mérida y de Extremadura durante todo el concierto, incluso aprovechando la tradicional bulería que dedica a cada ciudad en la que canta, para hablar de la ciudad, sus monumentos y reivindicar un tren digno. “A ver cuando se enteran que Extremadura es un grito. Tantos años de injusticia. Queremos un tren digno”, sentenció el cantante acompañado sólo por su guitarra y seguido por los aplausos de un público que a esas alturas ya estaba enloquecido y entregado.

Casi dos horas antes, con una absoluta oscuridad, en torno a las diez y cuarto, el onubense había comenzado el espectáculo. Porque anoche en el albergue hubo espectáculo por todos los lados. Un éxito rotundo que superó las expectativas creadas y que hizo vibrar a todos los asistentes desde principio a fin. Desde antes de aparecer Carrasco, las pantallas que acompañaban el gigantesco escenario ya estaban iluminadas con una proyección del artista, pero también del propio Stone&Music invitando a los presentes a vivir la edición del 2020. Y poco a poco se fue calentando el ambiente.

Una nueva proyección sobre un telón que tapaban los 40 metros de escena. Y Carrasco… Manuel Carrasco sentado en la escena a los sones de ‘Me dijeron de pequeño’, y ya todos los asistentes coreando sus letras. Emoción, ilusión, las caras en el público rebosaban felicidad.

Entre carrera y carrera por el escenario, el de Huelva fue invadiendo los corazones del público, manejando cada nota musical de tal forma que convirtió su espectáculo en una experiencia inolvidable para las miles de almas que vibraron, vivieron y no dejaron de interactuar con el cantante al ritmo de sus canciones.

Luces blancas que provenían de miles de teléfonos móviles para ‘No dejes de soñar. Sus manos sobre el piano. Saltos y más saltos, suyos desde el escenario y del público en la pista, por ejemplo ‘Con tan sólo tú’. Un amplio repaso a ‘La Cruz del Mapa’ su último trabajo, pero también a grandes éxitos anteriores. Siempre apoyado por una banda internacional en la que destacó y mucho con el saxo David Carrasco, su director musical desde hace ya varios años.

Un escenario único para todo tipo de género musicales

Se cierra por todo lo alto una nueva edición del Stone & Music Festival donde todo tipo de público ha podido disfrutar de un abanico amplio de géneros musicales, como el pop de Izal, Vetusta Morla, el soul de Gloria Gaynor, el sonido mediterráneo de cantautor de Tozzi o Raphael.

30 de julio de 2019
Eugenio Amaya «Una programación teatral arriesgada y capaz de ofrecer al público propuestas artísticamente innovadoras»

Un festival de teatro transcurre con mucha actividad, las compañías montan, desmontan, ensayan, bailan, ríen y lloran en el escenario, se maquillan y visten en los camerinos y atienden a los medios. Nos saltamos las reglas y tiramos de redes sociales para contactar con Eugenio Amaya, cara visible de Aran Dramática y encargados del diseño artístico del 42 Festival Internacional de Teatro de Badajoz. Tenemos su número de teléfono, su correo, sabemos dónde vive, dónde trabaja, pero también sabemos que responderá más rápido vía messenger. Cambian las formas de comunicarnos, no sabemos si para bien o para mal, y cambian las formas de hacer teatro, se agencian nuevos caminos para explorar el mundo de la dramaturgia también, en esta edición del Festival se apuesta por ello. Propuestas arriesgadas e innovadoras. Nuevas fórmulas para dejarse apasionar por el teatro.

Dejamos que los profesionales mimen el espacio escénico, todo al ritmo de los técnicos de luces, virtuosos del sonido y artistas del martillo atrezzado. Ahí reside la belleza de las artes escénicas; todo un montaje, un largo recorrido desde su gestación en papel hasta los aplausos finales. Cada obra; un momento único. Pasen y vean.

Eugenio, cuéntanos cómo se gesta vuestro trabajo dentro del Festival.

Aran Dramática colaboró con el Festival del 2000 al 2005 haciéndose cargo de la programación internacional. En aquel entonces, Miguel Murillo, director del Teatro López de Ayala, y el consejero de Cultura, Paco Muñoz, confiaron en nuestra propuesta de espectáculos internacionales, talleres, Jornadas de Debate y actividades paralelas como “El Casco a Escena”. Hubo otros patrocinadores, privados e institucionales, que hicieron del Festival un acontecimiento cultural dinámico y enriquecedor para la ciudad de Badajoz. Hace tres años presentamos un nuevo proyecto de Festival y, en torno a las conclusiones de las Jornadas del 2017, patrocinadas por Acción Cultural Española con asistencia de representantes de festivales europeos y sudamericanos, desde la Consejería de Cultura, el CEMART y la dirección y gerencia del López de Ayala, se nos encomendó la dirección artística. El encargo venía aparejado de directrices muy concretas: que el Festival ofreciera una programación regional, nacional e internacional diferente, arriesgada y capaz de ofrecer al público propuestas artísticamente innovadoras. Nos pusimos manos a la obra y, en perfecta sintonía con los responsables del teatro, aquí estamos.

Vemos un festival arriesgado, sin nombres que suene a primera vista, pero cargado de puro teatro… ¿Corremos un pequeño riesgo a la hora de la elección por parte del espectador o estamos ante una manera directa de darle al público un teatro fresco y punzante?

Tú lo has dicho, un “teatro fresco y punzante”. Todo lo que se ha programado aspira a la calidad, la excelencia y la intención de conectar con el público, tanto en los temas tratados como en el lenguaje escénico empleado. Es “puro teatro” en el sentido más noble del término.

Apoyo a la dramaturgia extremeña y fuerte apuesta por obras internacionales. Háblanos de este tema.

En cuanto a la dramaturgia extremeña hay que resaltar la labor que están desarrollando mujeres profesionales-artistas muy creativas y combativas de nuestra comunidad autónoma. Concha Rodríguez con Homenaje Inesperado, Memé Tabares La vida secreta de Petra Leduc, Cristina D. Silveira La vida de los Salmones y Virginia Campón Fantasmas de agua derrochan talento y compromiso en todo lo que abordan. La compañía Asaco que nos trae Custodios, es asidua de FETEN, el certamen más importante dedicado al teatro infantil de nuestro país. En el apartado extremeño no están todos los que son, pero son todos los que están.

Respecto a la programación internacional, la “internacionalización” del Festival es uno de los objetivos estratégicos de la Consejería de Cultura y del Teatro López de Ayala. La oferta internacional ha demostrado ser una gran fuente de inspiración, tanto para el público en general como para los profesionales y aficionados a las artes escénicas de nuestra ciudad. Así lo ha sido en las dos últimas ediciones del Festival.

Eugenio, sabemos tu posible respuesta pero ¿Qué obras destacarías de este Festival?

Las destaco todas y dejo en manos del público elegir la que más se adapte a sus prioridades y sentido de la curiosidad. En la web del López de Ayala vienen todas muy bien reseñadas con enlaces a las páginas web de las distintas compañías programadas.

Dentro de estas compañías hay bastantes espectáculos para los más pequeños…acercar el teatro desde la base…

…Este año, están Estrella de la compañía vasca Marie de Jongh, La vida de los salmones de Karlik Danza Teatro y la antes mencionada Custodios. Calidad, poesía, sensibilidad y sentido del juego en todas ellas.

Que elija el público entonces…tú conoces perfectamente las entrañas del teatro desde hace muchos años; Acción, dirección, producción y programación ¿Cómo se encuentra la salud del teatro actualmente?

Es un tópico decir que el teatro está siempre en crisis y su salud sufre grandes vaivenes, pero se mantiene gracias al esfuerzo, inventiva y dedicación de todos y todas las que nos dedicamos a esto. Es vocación pura y la capacidad de resistencia parece ser inextinguible.

Al Festival le habéis aportado talleres y charlas para público en general y profesionales del teatro. Acciones que nos sumergen en la realidad teatral desde las múltiples ópticas de este mundo, producción, cooperativismo entre países, talleres de dirección y escritura…¿Qué satisfacción extraes de estos interesantes encuentros?

La satisfacción del aprendizaje y de acceder a unas fuentes de inspiración que te renuevan y plantean nuevos desafíos. Este año contamos con un taller de dirección, interpretación y dramaturgia de uno de los valores más interesantes en el actual panorama teatral de nuestro país, el valenciano Víctor Sánchez Rodríguez que el pasado año nos dejó una muy grata impresión con su espectáculo Cuzco y que este año cierra el Festival con What is love, baby don’t hurt me, una libérrima versión del Ivanov de Chéjov.

42 años de Festival, pocos en España son tan longevos…¿Qué significa para la cultura del oeste español este Festival de Badajoz?

Mantener viva la llama de las artes escénicas contemporáneas. Llevo casi treinta años viviendo en esta ciudad y el Festival, desde la época en que lo dirigía José Manuel Villafaina, pasando por los años de Paco Muñoz y Miguel Murillo, siempre traía a la ciudad el soplo refrescante del teatro contemporáneo, la danza, el teatro-circo. Claro que ha habido sus claros y oscuros, pero ahí se mantiene, ahí están los abonados, los “nuevos públicos”, los estudiantes y, como decía el maestro Peter Brook, es reconfortante comprobar que aún sigue siendo útil a la sociedad.

Sabemos de tu afición por la lectura, las series y el cine…La evolución de ciertas ramas artísticas ha provocado una nueva forma de ver cine, acceder a la literatura…¿Obras como la de Richard Saudek, Bram Graafland o la maravillosa Finding Joy son esa evolución del teatro, una forma actual de llegar al nuevo público?

Lo mejor del teatro es que es un arte vivo, que evoluciona, se reinventa, bebe de las fuentes y las tradiciones y se adapta a la sensibilidad de los tiempos que le toca vivir. Como decía un joven espectador de Finding Joy el pasado año: ¡Es mejor que el 3D!

Dinos una obra que hay que releer cada año

Luces de bohemia de Valle Inclán…Shakespeare, Tennessee Williams…y tantas otras.

El teatro es para ti…

…Parafraseando a los Monty Python, El sentido de la vida o lo que da sentido a la vida, entre otras cosas, claro.

Entrevista. Willy López | Fotografía. Félix Méndez / Pkp

19 de julio de 2019
El silencio de Elvis «La esquizofrenia en el alma teatral de Elías González»

Pepe Viyuela, Sandra Ferrús, Concha Delgado, Susana Hernández, Martxelo Rubio y Elías González ponen voz a El silencio de Elvis, una obra redonda con un lenguaje y unas situaciones que llevan de la risa al llanto, como la vida misma, y a la vez, nos enfrenta a un drama social: la enfermedad mental. Sandra Ferrús ha escrito una obra de terciopelo, una obra tan sincera, tan límpida de sentimiento que te emociona sin pretenderlo. No hay carga melodramática. Todo es trágico, tanto que a veces te ríes. Te ríes a tu pesar, pues nada de lo que dice el texto intenta hacer reír, pero la locura bebe el vino de la risa y tiene sentimientos de terciopelo, pero es terrible y cruel. La obra maneja mitos que son los dioses de lo moderno.

El silencio de Elvis es un viaje al interior de la mente de Vicente, que sufre esquizofrenia. Vivimos con sus padres la incomprensión, el hartazgo, el miedo, la desesperación. Nos chocamos junto con Sofía, su hermana, contra el muro de la administración, del sistema sanitario, del rechazo. Y conocemos, a través de un quinto personaje, al mismísimo Elvis Presley, a un psiquiatra, una psicóloga, un forense médico, un compañero de la cárcel… todos los personajes que entran y salen de la mente y de la vida de Vicente. Y hacemos todo este viaje desde la impotencia y el amor. El amor primitivo, profundo, incondicional que se dan unos a otros.

El alma, la piel muda de Elías González nos acerca a esta realidad, nos sube al escenario un argumento tabú en una sociedad sumergida en esa misma enfermedad. Con el actor extremeño, arropado de manera magistral por el resto del reparto, volvemos a rozar la verdad de un personaje que acaricia al espectador, le susurra con el aliento del personaje, nos grita y espabila de nuestras cómodas butaca con su particular interpretación…¡No se me duerman!…nos canta mientras menea el cuerpo al ritmo de Elvis. Con Elías González viajamos en metro, recorremos un sinfín de paradas, momentos de traqueteos mentales donde el cuerdo no sabe que está fuera de juego, y donde al cerrarse las puertas del vagón, en la última estación, aparece su sonrisa… ¡Auambabuluba balambambú!…Pura vida, puro teatro, es hora de apearse y buscar un cobijo, un sitio donde llevarse una buena historia. Pasen, si quieren, y vean.

Te dejamos hace unos cuantos años en el Festival de Teatro de Mérida en la piel de Coriolano…y ahora ¡Elvis!…pero ¿Quién es este Elvis?

Los personajes al final no son lo que parecen, o sí…[Ríe]…En este montaje Elvis es un personaje con gran importancia y mucha presencia. Es la conciencia de Vicent, las voces que él oye, su refugio y también su pesadilla. El compañero de viaje que todos tenemos.

Te vimos en Anomia, una magnífica obra de Arán Dramática, con un reparto coral de interpretaciones duras y certeras, ahora tocas otra vez Extremadura con una obra, también muy personal y con un elenco de altura…satisfacción, pena, dudas, miedo…

Son todos sentimientos positivos. Una gran alegría por poder contar esta historia, con estos maravillosos compañeros, en mi ciudad. Y la responsabilidad y tranquilidad que da jugar en casa.

¿Cómo se prepara un personaje con este mundo interior tan complejo?

Fundamentalmente siendo consciente de que una persona con una enfermedad mental no es distinta de una que no la tiene. Huyendo de estereotipos y poniéndome en las manos de la directora y autora Sandra Ferrús y dejándome llevar. Como todo en la vida, si te dejas llevar es más placentero.

Una persona con una enfermedad mental no es distinta de una que no la tiene

¿Qué valor tiene para ti actuar en este Festival Internacional de Teatro de Badajoz?

Actuar en el Festival de Badajoz me lleva a mis comienzos, cuando hicimos Los cañones de Arán Dramática. Creo que hace ya 16 años. Es una ilusión tremenda. Puedo conocer algunos teatros, pocos, solo por el olor desde el escenario, y el López de Ayala es uno de ellos.

¿Y qué supone trabajar con actores como Pepe Viyuela?

Es un lujo. Pepe Viyuela es una persona muy generosa tanto en el escenario como fuera. Aprendo mucho tanto de él como de mis otros compañeros que son increíbles.

Elías, para cerrar ¿Cómo anda la profesión del teatro?

La cosa anda como siempre. Con mucha gente talentosa haciendo muchas cosas interesantísimas y con gente poniéndolo difícil. La eterna lucha cultural de este país. Yo no me quejo, ahora hago una sustitución en una obra de Alfredo Sanzol y no puedo estar más feliz.

Entrevista. Willy López | Fotografía. Félix Méndez

18 de julio de 2019
Pablo Melara «Pura inspiración para los carteles del FIC»

El primer cartel creado para el Festival internacional más longevo de la historia ya recogía arte, funcionalidad e impacto publicitario. El Festival de Cine de Venecia de 1932 aparece de la mano de la Biennale de arte, con el león de San Marcos, el lido veneciano de fondo y una bobina de película anunciando cine de Estados Unidos, Francia, Alemania, Polonia, Italia y la U.R.S.S.

Unos sesenta años después nace un Festival modesto pero gestado para arropar el cine ibérico en formato de corto. Pequeñas joyas que lucían analógicas para portugueses y españoles ansiosos de degustar historias de metraje reducido. Actualmente el digital asoma con maravillas de realizaciones en este 25º Festival Ibérico de Cinema de Badajoz.

Para ver todo ese recorrido cinematográfico la sala Espacio CB Arte de la Fundación CB acoge del 16 al 31 de julio la exposición ‘FIConos’, un recorrido por los 25 años del Festival Ibérico de Cine (FIC) a través su imagen iconográfica. La exposición, que conmemora el cuarto de siglo del Festival, reúne carteles y catálogos diseñados a lo largo de estos 25 años, conformando el repertorio iconológico de esta muestra de cine.

En ‘FIConos’ se puede ver la evolución del diseño, de las modas, del uso de los elementos, de la historia y también de los mensajes. La exposición acoge desde el cartel y el catálogo de la primera edición del FIC, en 1994, diseñado por Antonio Cosme Covarsí, hasta la actualidad.

En esos inicios se eligió la imagen del Puente Real como símbolo de modernidad y de la ciudad de Badajoz, sede del festival. En los primeros años también se utilizaron diseños realizados por Luis Costillo, autor de algunos de los carteles y catálogos, en una época en la que se aprecia la influencia de Keith Haring en el recientemente desaparecido artista pacense. Era la época en la que Luis Costillo sacaba en sus diseños a su perro Carvalho, en esta ocasión ladrándole a una especie de Cine Exin.

El diseño del cartel de Pablo Melara que muestra la península ibérica en forma de claqueta abierta por la frontera entre España y Portugal se adoptó definitivamente como logotipo del Festival Ibérico de Cine, ya que simbolizaba la idea fundacional del FIC: un festival que rompe la frontera e integra producciones lusas y españolas en un mismo contexto.

En ‘FIConos’ en los primeros carteles del FIC no faltó el elemento metafórico de la mirada y el ojo como símbolo, como el famoso plano inicial del perro andaluz de Buñuel o los prismáticos de James Stewart en ‘La ventana indiscreta’. Otras referencias cinéfilas presentes en los carteles del FIC tienen que ver con William Holden y Kim Novak, una pin up horrorizada/encantada frente a una invasión alienígena e incluso Fred Astaire y Ginger Rogers.

La cámara de cine, los proyectores y bobinas de 35 milímetros han sido también utilizados como imagen del FIC, que ha recogido también en sus carteles y catálogos una cámara formada por los palos de una baraja española, un levantador de pesas de celuloide o una bicicleta tomavistas.

El cartel del FIC de la vigésima edición mostraba dos tijeras que marcaban las dos XX del número, dando lugar a una interpretación semántica que aludía tanto a la censura como a los recortes económicos. Las tiras de celuloide formando una especie de jaula, también hacían alusión a esto.

En la muestra se puede ver a la Venus del Espejo mirándose en un croma o una lata de cine convertida en bomba de los tebeos de Bruguera cuya mecha nunca acaba de provocar la detonación. También están presentes los animales: el pez que pica una pequeña tira de fotogramas como cebo, la cabra ibérica con cuernos de celuloide o el gato negro con el rabo del mismo material.

Hablamos con uno de los creadores de los carteles, el extremeño Pablo Melara, para conocer parte del proceso, la evolución de su trabajo y los gustos cinematográficos que marcan su línea de trabajo.

FIConos, la expo de los carteles en el 25 aniversario del Festival Ibérico de Cinema. Tu trabajo gráfico, reclamo visual e imagen de un festival de cortos esta vez expuesto como obra de arte. ¿Qué sensaciones tienes al respecto?

En 2001 me encargaron por primera vez la imagen del Festival Ibérico de Cine, era la séptima edición y me pidieron que evitase usar iconos típicos de cine como rollos de celuloide, cámaras, claquetas, etc. Ese primer año encontré una foto en una revista antigua, unas señoras mirando a través de su mano en plan catalejo, me gustó porque ilustraba el concepto de hacer cine sin caer en los tópicos, como me habían encargado. Después de eso he seguido haciendo el cartel cada año, y ya vamos por la edición veinticinco, es mucho tiempo haciendo la imagen del FIC y se ha convertido en algo familiar que forma parte de mi vida. Es agradable el momento de recibir el encargo cada año porque es como una baliza que me dice «otra vez aquí», y me hace reflexionar sobre lo que ya he hecho y a la vez me pone a buscar ideas y estéticas nuevas. Y que ahora se expongan todos juntos es bonito, cada cartel me recuerda a una primavera de mi vida desde que tenía 25 años, en ellos veo reflejada mi evolución personal y mis altibajos.

¿Es complicado sobrevivir de la ilustración, del arte visual?

Yo no vivo de ello, como ilustrador hago exclusivamente la imagen anual del FIC. Me estuve dedicando profesionalmente al diseño y la ilustración hasta 2010, pero la crisis me obligó a buscar otra forma de ganarme la vida porque el mundo del diseño gráfico se descalabró en cuestión de meses.

¿Cuál es tu inspiración para crear los carteles del festival?

El proceso de creación empieza cuando Maribel Ruiz me llama en febrero o marzo para que empiece a pensar algo. En ese momento ya me pongo en «modo FIC» y voy especialmente atento a todo lo que veo porque la inspiración me suele visitar de golpe mientras observo algo, una señal de tráfico, el estampado de un vestido en el metro, o cualquier otra cosa. También suelo ir a la biblioteca a sacar algunos libros de cine, los ojeo para encontrar un tema, o escaneo algunas fotos y hago collages con ellas para inspirarme. Este año he sacado libros de Buñuel, Almodóvar, Cine Negro Español… En esta veinticinco edición hemos hecho un guiño a Luis Costillo, un artista irrepetible al que admiro y que ha fallecido en abril, él hizo el cartel de la quinta edición del Festival, y en el cartel de este año hemos integrado un fragmento del suyo.

Pablo ¿Qué pelis te han marcado y qué bandas sonoras te acompañan en tu día a día?

Me gusta mucho Éric Rohmer. También me gusta el cine de ciencia ficción y terror en general: Paul Verhoeven, Darío Argento, David Cronenberg… Una de mis películas españolas favoritas es «Mamá es boba» de Santiago Lorenzo, me parece muy atrevida y personal, tierna y con un sentido del humor muy fino, cuando la ví por primera vez flipé, no había visto nada igual. Sobre las bandas sonoras, me encanta la de Los Paraguas de Cherburgo, me la compré en vinilo y es la única que a veces escucho de principio a fin, porque el formato invita a ello, pincho el disco y me la trago entera.

Entrevista. Willy López | Fotografía. Félix Méndez

20 de junio de 2019
Teatro en una gran ciudad o en un pequeño pueblo «Un signo inequívoco de Cultura»

Decía Dario Fo que todavía no se ha entendido que sólo en la diversión, en la pasión y en la risa se obtiene un verdadero crecimiento cultural. El dramaturgo italiano estaba hablando de la familia, de la política (previo o post elecciones), de hacer el amor, del fútbol (jugado y televisado), de la literatura, del sabor de un vermut, de una canción de Paolo Conte, de un gran plato de pasta entre amigos, del teatro, mucho de esto último. Realmente el autor transalpino hacía mención al teatro, es decir, a la vida misma. El dramaturgo Miguel del Arco comentaba que el teatro tiene que ser un punto de encuentro, de diálogo y tiene que extenderse más allá de la función, en el bar, en la puerta del teatro o en el camino de vuelta a casa. Esa es la forma de que el espectador se enrede en el teatro.

Detrás de esta arte escénica se esconden requiebros de textos de adobe y paja, personajes paridos para descolocar al espectador, el verdadero motivo de hacer teatro, contar algo. Una historia, un drama, un monólogo sin voces, un esperpento con risas enlatadas, un trozo de Jardiel Poncela, una bofetada desde la tramoya mental de David Mamet, un latigazo que nos haga sentir pena, pánico o gozo. En el escenario está la clave, sin ese altillo, que puede ser sustituido por la plaza de un pueblo, el ambigú de un viejo cine o la sala de estar de una casa recién pintada, la dramaturgia no carbura. La obra necesita tener límites físicos, obligar al espectador a centrarse en esas dimensiones, salirse de ahí supone actuar en fuera de juego, cambiar de encuadre y volar al cine, a la tele, a las barracas de feria…Pero, ¿dónde está el maná de los cómicos, en qué tierra caerá que sea nuestra, si nosotros no somos de ninguna parte? se lamentaba José Sacristán en su Viaje a Ninguna parte.

Existen proyectos que aproximan, acercan el teatro a las pequeñas localidades, aquellas, que como hacía Fernando Fernán Gómez, daban de comer al alma de los pueblos de nuestra geografía. Volver a recordar la esencia del teatro en aquellas zonas donde acceder a este arte es complicado es el leit motiv de algunos proyectos, entre ellos el D´Rule de la Diputación de Badajoz. Artistas en el territorio como reza su lema. Grandes artistas dispuestos a hacer kilómetros para alimentar la sed teatral de nuestro territorio. 24 compañías que pondrán en escena 39 espectáculos diferentes en 80 actuaciones.

Pedro Rodríguez de la Compañía Suripanta explicaba que esta fórmula permite dar a conocer en los pueblos teatro profesional y de calidad. La apuesta económica lo dice todo. Para el presidente del Colectivo de Empresas de Artes Escénicas, Rafael Molano, llevar a los municipios buenos espectáculos en idénticas condiciones a los que se ponen en los escenarios de las ciudades ya es todo un logro…llegar a pueblos que si no existiera D’Rule no tendrían este tipo de teatro.

Desde este prisma local, desde el desarrollo en el mundo de las artes escénicas y la vinculación con festivales engendrados desde pequeñas localidades como Puebla de la Cazada, Teodoro Gracia nos hace de Cicerón y nos monta una escena para percibir el perfume de trabajo realizado desde la base. Entramos en el camerino. Retoque, ensayo de última hora y un minuto para salir al escenario…¡Mucha mierda!

He disfrutado mucho con esta obra de teatro. Especialmente en el descanso. Groucho Marx

Es así como se tiene que hablar en este maldito pueblo sin río, pueblo de pozos, donde siempre se bebe el agua con el miedo de que esté envenenada. Bernarda Alba. García Lorca.

Sabemos que el concepto puede darnos una respuesta de miles de páginas pero para empezar debemos saber algo muy simple…¿Qué es el teatro?…al menos para ti.

Para mí el teatro es primordial porque me da vida. Es un arte al que he estado unido desde que era un niño y del que he tocado casi todas sus facetas…interpretar, escribir, dirigir, programar, distribuir…y lo considero importantísimo ya que aporta a la sociedad algo tan necesario como la libertad de expresión. Es realmente hermoso vivir el teatro. Yo lo considero básico en mi vida porque siento como deja en mi interior que fluyan las emociones.

Desde la base, desde el trabajo de tantos años pegados al teatro, después de ese conocimiento ¿Con qué te quedas? ¿Qué obra te ha impactado más?

La verdad es que he visto miles de obras de teatro y es muy difícil saber con cuales me quedo, aunque si se las que siempre recuerdo como mis favoritas: Soliloquio de grillos de Juan Copete y La Casa de Bernarda Alba de Federico García Lorca.

Cuéntanos el paso de los años del Festival Teatro Vegas Bajas, creación, impacto en una localidad de pocos habitantes, la permanencia y resilencia tras 37 ediciones…¿Cómo llegó el teatro al alma de Teodoro Gracia?

El gusanillo empezó a muy corta edad, con unos 9 años ya me subí al escenario estando estudiando en el colegio Salesiano y desde entonces no he parado. Entré a formar parte del Grupo de Teatro Jarancio, del que ahora soy director, en 1974. Después… autor, programador, técnico de las Artes Escénicas… siempre me ha acompañado y estoy seguro que será mi compañero toda mi vida.

El teatro es importantísimo ya que aporta a la sociedad algo tan necesario como la libertad de expresión

¿Cómo responde Puebla de la Calzada cada año con el teatro…aunque seguramente no sólo se asimile durante las fechas del festival, suponemos que también el resto del año?

Puebla de la Calzada, a todo lo que esté relacionado con las Artes Escénicas, responde de maravilla porque el teatro ha estado desde hace muchos años vinculado a la localidad. Sin ir más lejos, el Grupo de Teatro Jarancio se creó en 1959 y por él han pasado centenares de personas. Una prueba del interés que despierta este arte es que para ser un municipio de 6000 habitantes tiene una compañía de Teatro profesional, 4 grupos de teatro amateur y una Escuela Municipal de Teatro.

¿Qué supone nutrir a la población extremeña, a los vecinos de las localidades cercanas de base cultural, de obras escénicas, de historias narradas por actores?

Invertir en Cultura, que es lo que ha hecho los últimos 40 años el ayuntamiento de Puebla de la Calzada, ha servido para que personas como yo aprendiésemos a ver teatro, a enamorarme del teatro y desmenuzar cada historia que me mostraban desde un escenario. Como yo, somos muchos los que hemos amado el teatro y todo gracias a un ayuntamiento que apostó por la cultura y supo lo esencial que era la creación de un público.

Existe un programa de Diputación, D´Rule, que acerca el teatro a las localidades de la provincia, obras de Lucia, de Suripanta, Estampa, Guirigai, Arán…compañías extremeñas con mucho recorrido…Háblanos de la importancia de proyectos de esta talla. ¿Quién sale “ganando”?

Hay que reconocer que estamos hablando de un buen programa diseñado para que todos salgan ganando: la población desde se realiza la representación porque totalmente gratis reciben el trabajo de una compañía profesional extremeña. Ganan las compañías porque son varios bolos los que se le asignan que le sirve de balón de oxígeno en unos meses donde se suelen tener menos actuaciones y gana el público porque tiene la posibilidad de ver buen teatro a precios populares o completamente gratis. D´Rule es, sin duda, un maravilloso programa creado en beneficio de todos.

¿Es básico trabajar, actuar, demostrar su valía en Festivales como el de Vegas Bajas para llegar a actuar en el romano de Mérida?

No es necesario o por lo menos no primordial porque yo conozco maravillosas compañías que demuestran su profesionalidad, día a día, sobre los escenarios de toda España y nunca han llegado a pisar la escena del Teatro romano de Mérida. Estar en el Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida, para mí, es más cuestión de suerte que un mérito por demostrar una valía.

D´Rule es, sin duda, un maravilloso programa creado en beneficio de todos

Hablamos de cultura, de artes escénicas en la región, en España, ¿Cómo está la salud del teatro en este país, en Extremadura?

Siempre que se nombra la palabra teatro la asociamos a crisis, tanto a nivel regional como nacional y no es así. Yo veo el teatro más vivo que nunca. Montajes extraordinarios, actores y actrices impresionantes, magníficos directores, escenógrafos, diseñadores de luces, músicos… y un público que cada vez sabe valorar más este arte. Después de todo esto, la salud del teatro español es bastante buena a pesar de esa agonía falsa que nos intentan vender. Nuestro festival, que se está desarrollando ahora, todos los días llena la sala y estamos en un pueblo de menos de 6000 habitantes.

La figura de la mujer en el teatro…

El teatro está, para mí, en deuda con la mujer porque a pesar de encontrarnos en el siglo XXI, todavía, en la mayoría de las ocasiones, el peso de una obra recae en el hombre y es la mujer la que tiene que desempeñar el papel secundario. Es cierto que cada día se va fomentando más la igualdad pero aun así, por desgracia, les toca vivir un largo recorrido de injusticias. La mujer tiene que ser la protagonista ya y dejar de ser la esposa, la madre, la hija o la amante del cabecera de cartel, que es lo que ha estado sucediendo siempre, salvo en mínimas ocasiones.

El teatro está en deuda con la mujer porque a pesar de encontrarnos en el siglo XXI, todavía, en la mayoría de las ocasiones, el peso de una obra recae en el hombre y es la mujer la que tiene que desempeñar el papel secundario

Y por último…¿Una obra de lectura obligada? ¿Un texto que interpretar siempre? ¿Una compañía a la que tener en cuenta?

Compañías a tener en cuenta hay centenares que debería enumerar porque se está haciendo buen teatro en España, así que por no hacer una lista interminable, no voy a nombrar a ninguna pero si lo tengo mucho más claro para recomendar una obra como lectura obligada o como texto para ser interpretado, sin duda alguna: La casa de Bernarda Alba. Para mí es, la obra maestra.

Willy López | Fotografía. Félix Méndez

3 de junio de 2019
La Mujer en el Teatro «La vida secreta de Memé Tabares»

No sabemos aún si Rodin esculpía con el cincel de Camille Claudel o Claudel era el mármol que tallaba la vida del escultor….o quizá sí la sabemos, pero no nos atrevemos a desenmarañar los libros de historia del arte.

Hasta aquí, todo anormalmente normalizado. De Petra Leduc en adelante la cosa cambia. Encauzar la biografía de tantas y tantas mujeres desdibujadas se convierte, en manos de la dramaturga Memé Tabares, en una lucha, que para muchos, desgraciadamente les parece anómala. La puesta en escena no va para ellos, los anormales, que todavía pretenden sesgar la opacidad a la que está sometida la vida de muchas artistas, para ellos, las salas de teatros reservan butacas con un burka cultural, con diversos colores para elegir, con diferentes telas y estampados, asientos que poco a poco quedan vacíos para bien de la humanidad.

Las Memé de este mundo escriben, producen, actúan y dirigen para contar algo, para desprendernos del tul polvoriento que cubren las arrinconadas historias de la mujer en el arte, en la ciencia, en el teatro, en la vida. Allí emergen nuestras Petras Leduc, las miles de Leduc obstinadas a ser lo que nunca debieron ser, el manicomio repleto de olvido.

Hay muchas mujeres trabajando el arte, ingentes cabezas dándole a la creatividad y a la puesta en escena, mujeres en el teatro que llevan luchando desde hace años para fijar el mundo escénico como un parlamento neutral donde la excelencia no goce de privilegios genitales. La calidad sin ningún atisbo de mediocridad sexual, un teatro gestado, trabajado y parido por todos sin discriminación. Es ahí donde nuestra Camille Claudel comienza a tener vigencia.

Cuando crear es una fiebre, un salto al vacío inevitable, un impulso que arrastra al creador más allá de su vida; cuando crear es una fuerza de la Naturaleza como lo es un torrente o un glacial, no hay cultura, familia o religión que lo soporte. Un artista, un verdadero artista no viene a complacer, viene a arder; viene a derruir el árbol social que nos hemos inventado para mostrarnos la vida real del alma: aquello que somos. Un artista, un verdadero artista viene a quemar escuelas, iglesias y hogares. No puede hacer otra cosa. Entrega su cuerpo y su alma a esa misión. Sus maestros le miran mal, los curas se niegan a bautizarle y sus padres le encierran en un hospicio o en un manicomio.

Me han insultado y humillado; me han ridiculizado; se han reído de mí; me han perseguido, me han violado; jamás me han preguntado qué pienso o qué quiero; me han torturado, me han arrancado la piel a tiras y me han quemado cada vez que me he puesto en pie y he gritado mi nombre. Me llamo Petra Leduc, existo y soy escultora. Y tengo una vida para contar.”

¿Vida secreta de Petra Leduc?

La vida secreta de Petra Leduc es una forma de dar voz a mujeres que han sido negadas, sus vidas han sido robadas y han sido ignoradas, tiradas incluso a la cuneta. Básicamente mujeres artistas. Obviamente un tipo de vida, extensible a muchas mujeres, cuyas obras y cuyo genio ni ha sido reconocido y en muchísimas ocasiones ha sido robado. La necesidad de reivindicar el espacio que sólo estaba reservado al varón. Entonces ¿Qué ha pasado? Qué cuando ha habido esas mujeres que desde siempre han tenido ese talento, era una amenaza que no se podía consentir….

…sigue siendo una amenaza…

…sí, sigue siéndolo, y cantidad de mujeres artistas seguirán pisando el manicomio para poder sobrevivir. Investigando el tema he descubierto una infinidad de casos. Dora Maar fue ingresada por Picasso en un centro. La expresionista Paula Modersohn-Becker sufrió la incomprensión dogmática de sus coetáneos. La vida de Margaret Keane, donde su marido que se adjudicaba la autoría de las obras…si es a mí quién me conocen ya me encargaré yo de que a ti no te crean…decía sobre Keane. Son muchas historias las que han machacado la vida de estas artistas.

¿Había algo más duro que hacerlas invisibles al no reconocer su trabajo?

Su propia vida. Y esto lo recogemos en la obra, lo que suponía como ser humano, se ve en la vida de Petra, ver su alma constreñida y destruida. ¿Te imaginas que a ti te cercenaran tu creatividad, que te trataran como a un delincuente por crear e imaginar? Es una herida fuerte.

…¿Evoluciona esa herida, Petra da algún paso para resignarse a estar aislada?

No me gusta hacer obras donde los personajes no evolucionen, en las que no se vea que por todo lo que tú has pasado te puede servir para iniciar otra cosa o para redimir ese dolor. No me gusta dejar a los personajes en su dolor.

La vida secreta de Petra Leduc es una forma de dar voz a mujeres que han sido negadas, sus vidas han sido robadas y han sido ignoradas, tiradas incluso a la cuneta

Esta obra son de las que generan debate una vez cae el telón, de las que marcan al espectador ¿Cómo ha evolucionado esta obra desde que se gestó y se representó por primera vez hace casi dos años?

Es curioso, cuando la presentamos en el MUBA, y por temas de presupuesto y a una semana del ensayo, con pocos ensayos a cuestas, para los actores ese es un proceso demasiado rápido. Eso ha hecho que la evolución de esta propuesta, y manteniendo la misma potencia que desde el primer día, ha crecido adaptándose a las salas, al personaje interior de Petra, a la iluminación que se ha ido generando con el tiempo. La densidad escenográfica se ha pulido y en la interpretación a medida que pasa el tiempo van descubriendo elementos que intuitivamente las tenían pero que ahora las están introduciendo.

¿Cómo se ha gestado el equipo artístico de esta obra?

Creaciones escénicas Efecto Kepler nos las hemos ingeniado para llevar a cabo el montaje, y bajo ese equipo la obra está escrita para Maite Vallecillo. Ella era la actriz y está elaborada así porque era ella la protagonista. Es tal su potencia y su intuición que el comienzo de la obra tiene su figura teatral. El principio de la obra es muy bestia, muy radical y Maite son de las pocas capacitadas para hacerlo. Nuqui Fernández tiene una versatilidad por su carácter que en esta función puede hacer de la amiga pequeña hasta la madre de Petra. Y Jorge Barrantes es un camaleón, entran y salen continuamente y no percibes que sea el mismo actor. Hay pocos elementos en esta obra y los cambios son energéticos. Tanta energía que por ejemplo en el museo, al finalizar un día la representación pudimos ver a todos los hombres, pequeños y mayores, llorar. Algo muy emotivo.

Memé, tú si has podido llegar al teatro sin tener que ver cercenada tu vocación, ¿Cuáles fueron tus pasos para dejarte atrapar por mundo escénico?

Yo creo que soy un caso aparte. Yo no soy de esas personas que sentía una vocación por el teatro, más bien lo contrario. Tenía un compañero de instituto que escribía obras y logró convencerme para suplir el papel de una actriz que no pudo actuar, lo hice y al público le gustó, pero ni así me enganché, con el tiempo y coincidiendo en una sala de lectura de poesía con unas amigas que en realidad era un grupo de teatro, el director de la compañía que era un exiliado de la Argentina de Videla, me dijo; si al final sigues viniendo, te incorporas quiero que sepas que aquí no hacemos tonterías, no estamos para tontear. Ahí fue donde me dejé atrapar y aprendí muchísimo.

Y llegas a Extremadura…

Por casualidad también, por unos cursos de teatro, con Suripanta, Leoni, Penco y compañía…y hasta ahora. Se estaba creando el Centro dramático extremeño y Leoni me hizo pasar por extremeña en los casting…[Ríe]…realmente nunca me preguntaron, y en ese ir y venir me asenté con el tiempo en esta hermosa región, de eso hace cuarenta años.

Cuando escribo estoy dirigiendo y cuando estoy dirigiendo estoy actuando

¿Cómo haces para compaginar la dirección, la escritura y la interpretación?

Todo sale del mismo sitio, y son actividades que como no te defines como nada todo es posible. Empiezas a descubrir elementos dentro del teatro para sobrevivir moral y profesionalmente. Necesito escribir para contar historias que necesitaba contar y que no estaba en otros textos. Pero la fuente es la misma, cuando escribo estoy dirigiendo y cuando estoy dirigiendo estoy actuando.

Lo importante, lo básico en el teatro consiste en contar algo, contar una historia…

…eso debe ser así. Es un guía necesario como referencia, nos tiene que tocar, nos tiene que decir algo esa historia, de otra manera descarto trabajar. Tienes que sentir el alma para ser trabajar en este mundo.

…el mundo del teatro…¿Qué definición puedes darme del teatro?

El teatro es una forma de vivir. En una de esas crisis que sufrimos todos, abandoné el teatro por un tiempo, y de repente empecé a llorar en el metro como si nada, pensando sólo en el teatro…o el teatro o me moría.

6 de marzo de 2019