Etiqueta: festival

Alberto Amarilla «Actor en incesante reconstrucción»

A los actores se les pide coriolanos sobre los que farolear encima de las tablas. Buena voz, presencia y Grotowskis sobre los que caer muerto con estilo sobre el escenario. En la dramaturgia el tiempo abarca la distancia entre la butaca asignada y la primera bofetada de aire que se recibe al levantarse el telón. Ese olor frío que viene de las tramoyas son los ruegos de Volumnia, Virgilia y Valeria. Un teatro grande, familiar, traicionero, popular y desquiciado con camerinos apestados de ungüentos y atrezzo para evitar que se queme la Roma de la interpretación. Allí, en el teatro, hay que provocar al público, y que éste celebre que se le provoca, que decía Dario Fo. Allí en el set de una película, un señor con parche y dos pipas, la de tabaco y la de encasquillar balas pregunta ¿Usted ha visto caminar a Henry Fonda? Pues eso es el cine.

A los actores se les pide que sean irrespetuosos, pero actrices como Lola Herrera piden respeto y abandona la interpretación de su obra por el sonido irreductible de un teléfono móvil. La actriz, con otro caminar muy distinto, al que hacía mención John Ford, castiga a Mario con una llamada de cinco horas en espera. Ese es el tempo dramatúrgico, rendir cuentas a la profesión y sacrificar aplausos para dignificar al gremio.

De ese rincón escénico sale el extremeño Alberto Amarilla. Un actor que se toma su tiempo para no caer en la endémica apoplejía silenciosa de este país. A profesionales como él se le pide quince minutos para una entrevista, un rato de buena interpretación y salir bien en pantalla. No falla, cercano, divertido y orquestal. Desde su sonrisa, nos redime con una dirección de su vida profesional más que loable. Es hora de escribir, de producir y de poner voz a Pedro y el lobo y a Babar, el pequeño elefante, sobre la música de Serguéi Prokófiev y Francis Poulenc. Cuentos narrados magistralmente por la Orquesta de Extremadura. Y es que de tanto decirlo, nadie nos va a creer.

Esta actuación, este espectáculo no es nuevo en la región…

…no, efectivamente, con la Diputación de Badajoz hicimos un disco con el pianista y amigo Pedro Piquero. Historia de Babar, el elefantito y Álbum de Madame Bovary, de Francis Poulenc y Darius Milhaud, respectivamente.

La Orquesta de Extremadura tiene antecedentes de actuaciones con actores narrando sobre una pieza musical. Lluís Homar y Juan Echanove, narrando la historia de Hamlet sobre la música incidental de Shostakóvich, José Vicente Moirón narró los Cuentos Fantásticos de Terry Jones o Pepe Viyuela también han desplegado su arte sobre la música de la Orquesta de Extremadura. Turno para ti, ¿Qué supone narrar un texto, una obra, este cuento con una sinfónica?

Trabajar con músicos siempre es curioso, somos muy diferentes aunque tenemos cosa en común, y creo que es una buena mezcla, si además todos nos adaptamos al fin último de la obra, el público, en este caso muy familiar, saldrá ganando seguro. Si de esta manera, música de orquesta con la narración de un cuento engancha al espectador infantil y juvenil, podemos hablar de éxito.

Hablas de diferencias entre actores y músicos, quizá poco tiempo para ensayar y de realizar un buen trabajo…¿Disfrutas con este tipo de espectáculos o por el contrario existe una carga de tensión alta cuando te pones delante del atril?

Ten en cuenta que los ensayos son muy cortos, escasas horas, y el cuento tiene algunas dificultades, saber cuándo la narración se empasta con la melodía y detalles orquestales que necesitan un estudio previo serio. Existe una sana tensión, ya que al fin y al cabo el narrador es como si fuera otro instrumento más

Existe una sana tensión, ya que al fin y al cabo el narrador es como si fuera otro instrumento más

Sigues en contacto permanente con la región, hace poco colaboraste en un cortometraje de María Sánchez Testón…

¡Sí! Es fantástica, hace las cosas muy bien, el corto se llama TQ, y a pesar de ser una directora cacereña muy joven su trabajo es muy profesional, con proyectos como este corto con mucho recorrido. A estos trabajos que emanan de la región no les pudo decir que no, son mi manera de estar ligado a Extremadura.

¡Extremadura y el resto del mundo! Estás con obras de teatro y series…

¡Y que no falte! Acabo de hacer una obra con el Centro Dramático Nacional, se llama Pulmones, y que aún no sabemos si vamos a girar por España. Yo sigo girando con Re cordis y ahora empiezo a grabar una serie de la que aún no puedo adelantar nada. Y todo esto lo compagino con los estudios de dramaturgia para seguir creciendo.

Una actividad incesante Alberto…después del empacho de los premios Goya ¿Qué aire se respira en sector?

El mundo del teatro, las artes siempre ha estado en crisis, de hecho cuando se suceden etapas de crisis internacionales nosotros ni las percibimos…[Ríe]…o al revés las pasamos canutas y el resto está muy bien. Esta profesión es así. Pero desde hace un tiempo yo me he acostumbrado a generar mi propio trabajo, de hecho no me quedo sólo en reforzar mi labor como actor, sino también prepararme para formar a otros actores, me apasiona la formación. El hecho de producir, escribir, mover una obra es un trabajo muy duro pero que me permite estar vivo a todas horas.

…aun así, a pesar de la sempiterna crisis algo se mueve en los teatros…

…Sí, claro, hay un boom de la dramaturgia nacional que está en un momento muy bonito. Cuando digo un momento bueno es relativo, es decir, hay un montón de pequeños hitos, éxitos en gotas que permiten seguir haciendo cosas algunos meses, no hablo de largo recorrido.

¿Obras del circuito off?

…Se están moviendo muchas obras pero creo hay cierta dependencia de lo que son los teatros públicos, siempre se mira al Teatro Español, al CDN…y está bien pero hay otro teatro que creo que es muy interesante y que está fuera del circuito convencional. Realmente da igual si es teatro nacional o privado, lo importante es que acoja todas las formas de hacer dramaturgia.

El mundo del teatro, las artes siempre ha estado en crisis, de hecho cuando se suceden etapas de crisis internacionales nosotros ni las percibimos

¿Dónde te encuentras más cómodo? ¿En el cine, en las series de televisión o en el teatro?

En las tres cosas, soy un disfrutón y aunque tienen tiempos distintos me lo paso bien en la gran pantalla, es una carrera de velocidad y hay que estar siempre acertado, en las series en una actividad de medio fondistas y ensayando teatro te caes y te puedes levantar continuamente. Del teatro saco más cosas por el trabajo de los ensayos, la manera en la que se va construyendo los personajes, en ese periodo de creación aprendo mucho.

Entrevista. Willy López | Fotografía. Félix Méndez

17 de febrero de 2019
25º Festival Ibérico de Cinema | Cortometrajes

35 CORTOS DE ESPAÑA Y PORTUGAL COMPETIRÁN EN LA 25º EDICIÓN DEL FESTIVAL IBÉRICO DE CINE

Un total de 35 cortometrajes de directores españoles y portugueses competirán en las distintas secciones del 25º Festival Ibérico de Cine (FIC), un certamen que aglutina al cine más representativo que se realiza en la Península Ibérica. El FIC se celebrará durante la semana del 15 al 20 de julio de 2019 en Badajoz y en las sedes oficiales de Olivenza y San Vicente de Alcántara.

En su 25 aniversario, el Festival Ibérico de Cine pondrá el foco en el cortometraje como protagonista de esta edición.

Los 35 trabajos han sido seleccionados entre los 450 cortometrajes que se han presentado a concurso, de los cuáles 25 son portugueses y 17 extremeños. La participación en el FIC se mantiene en los últimos años. En la pasada edición se inscribieron 400 trabajos.

En la Sección Oficial se han seleccionado 27 cortometrajes -22 españoles y 5 portugueses- que se proyectarán en la terraza del Teatro López de Ayala y en las sedes de Olivenza y San Vicente de Alcántara.

En el Festival dos Miúdos se podrán ver otros 5 cortos (uno de ellos, ‘La Noria’, también está en la sección oficial). El Festival dos Miúdos es la sección del FIC dirigida al público infantil y adolescente (de 7 a 13 años), en la que los niños elegirán con su voto el corto ganador de esta sección, que recibirá el Premio del Público Infantil.

En el Certamen de Cortometrajes Extremeños han sido seleccionados 4 trabajos de realizadores extremeños que han sido rodados en diferentes puntos de Extremadura.

El Festival Ibérico de Cine celebra su 25 aniversario con más cortos, música con la OEX y una exposición

El Festival Ibérico de Cine (FIC) celebra su 25 aniversario con el foco puesto en el cortometraje, el protagonista y la razón de ser de este certamen que alcanza un cuarto de siglo. De esta forma, el FIC, que se celebrará del 15 al 20 de julio en Badajoz, Olivenza y San Vicente de Alcántara, ofrecerá a sus seguidores una sesión más de cortos dentro de su Sección Oficial.

En una efeméride tan especial no podían faltar en el programa la música, los recuerdos y las novedades cinematográficas, como el estreno en Extremadura del documental ‘#Placer Femenino’ de Bárbara Miller y la proyección del largometraje portugués ‘Raiva’, de Sérgio Tréfaut, que cosechó seis galardones en los Premios Sophia 2019 que concede la Academia de CinePortuguesa. El actor Hugo Bentes, protagonista de ‘Raiva’, asistirá a la presentación.

La banda sonora a este 25 aniversario del FIC la pondrá la Orquesta de Extremadura (OEX), que el 19 de julio ofrecerá un Concierto de Música de Cine dirigido por David Hernando Rico, director de la Orquesta Sinfónica de Bratislava y uno de los directores con más experiencia en grabaciones de bandas sonoras.

David Hernando ha realizado más de 500 grabaciones en numerosos países y ha trabajado para discográficas como Universal, Warner Music, Sony Music o Azteca Music, entre otras.

Con la OEX interpretará un programa con música de películas conocidas por todos los públicos, como ‘Balada triste de trompeta’, ‘Lasa y Zabala’, ‘La misión’ o ‘King Kong’, entre otras. El concierto será en el Palacio de Congresos de Badajoz a las 20:00 horas.

‘FIConos’: un recorrido a través de la imagen

Una exposición titulada ‘FIConos’ recordará los 25 años del Festival Ibérico de Cine a través de su iconografía. La muestra está integrada por carteles y catálogos con diseños que han sido la imagen del FIC desde sus inicios hasta la actualidad, algunos de ellos obra de artistas extremeños como Antonio Cosme Covarsí, Luis Costillo o Pablo Melara.

En ‘FIConos’ se podrá apreciar la evolución del diseño, de las modas, del uso de los elementos cinematográficos, de la historia y también de los mensajes. La exposición estará expuesta al público en la sala Espacio CB Arte de Badajoz del 16 al 31 de julio.

La película ‘Raiva’ abre el 25º FIC en la Terraza del López

Entre las novedades cinematográficas que se presentan en esta 25 edición se encuentra la película portuguesa ‘Raiva’ (‘Rabia’), del director Sérgio Tréfaut, triunfadora de los Premios Sophia 2019 que concede la Academia de Cine Portuguesa. Se llevó seis premios destacados (mejor película, mejor actor, mejor actriz, mejor guion adaptado, mejor actor secundario y mejor fotografía).

‘Raiva’ abrirá el 25º FIC el 15 de julio a las 22:30 horas, en esta ocasión en la Terraza del Teatro López de Ayala de Badajoz. Este largometraje de ficción es una adaptación de la novela ‘Seara de vento’ del escritor Manuel Fonseca y cuenta una tragedia sucedida en los campos del sur del Alentejo en 1950.

Libro y película narran la historia de la familia Palma, campesinos pobres que viven las penurias de un país dominado por la oligarquía terrateniente. En este entorno la violencia estalla y se suceden varios asesinatos a sangre fría en una sola noche. La historia está basada en unos hechos reales acaecidos en 1933 y conocidos como ‘la tragedia de Beja’.

‘Raiva’ retrata la injusticia como un ciclo que se repite una y otra vez de distintas formas y habla del abismo existente entre pobres y ricos.

Este es el segundo largometraje de ficción firmado por el realizador portugués Sérgio Tréfaut tras ‘Viagem a Portugal’. El cineasta cuenta con una amplia experiencia como director de documentales, con títulos como ‘Treblinka’.

Estreno del documental ‘#Placer Femenino’ en Extremadura

Otra de las novedades que ha programado el FIC es el estreno en Extremadura del documental de Bárbara Miller ‘#Placer Femenino’, un exitoso trabajo que habla de la opresión sexual que sufren las mujeres en el mundo. El documental se podrá ver el 16 de julio a las 19:00 horas en el teatro López de Ayala.

Bárbara Miller da voz en el documental a cinco mujeres que decidieron romper el silencio impuesto por sociedades arcaicas y por diferentes comunidades religiosas.

Las protagonistas del documental son Deborah Feldman, escritora americana exiliada de la comunidad judía ortodoxa; Rokudenashiko, artista japonesa condenada por obscenidad; Doris Wagner, ex monja abusada sexualmente por un miembro del clero; Vithika Yadav, activista por los derechos sexuales y de género en la India; y Leyla Hussein, psicoterapeuta y activista social somalí víctima de la ablación.

Cortos españoles, portugueses, extremeños y para niños

En el 25º FIC se proyectarán un total de 35 cortometrajes de directores españoles y portugueses que competirán en las distintas secciones del Festival, seleccionados entre los 450 cortometrajes que se han presentado a concurso este año, de los cuáles 25 son portugueses y 17 extremeños.

La participación en el FIC se mantiene en los últimos años. En la pasada edición se inscribieron 400 trabajos. Desde sus inicios hasta el momento se han proyectado unos 700 cortometrajes.

En la Sección Oficial se podrán ver 27 cortos -22 españoles y 5 portugueses-, que se proyectarán en la terraza del Teatro López de Ayala en cuatro sesiones, una más que en ediciones anteriores, del 16 al 19 de julio a partir de las 22:30 horas. En Olivenza las sesiones se verán a las 21:00 horas en la Casa de la Cultura y en San Vicente de Alcántara a las 20:30 horas en la Casa de la Cultura.

En el Festival dos Miúdos se proyectarán otros 5 cortos (uno de ellos, ‘La Noria’, también está en la sección oficial). El Festival dos Miúdos es la sección del FIC dirigida al público infantil y adolescente (de 7 a 13 años), en la que los niños eligen con su voto el corto ganador de esta sección, al que se le otorga el Premio del Público Infantil. El Festival dos Miúdos se celebrará el viernes 19 de julio a las 10:30 horas en el teatro López de Ayala.

En el Certamen de Cortometrajes Extremeños han sido seleccionados 4 trabajos, algunos de ellos protagonizados por actores extremeños como José Vicente Moirón o Alberto Amarilla.

El director de ‘Distintos’ imparte un taller en ‘Cine sin límites’

El director de cine y guionista Josevi García Herrero, director del corto ‘Distintos’, protagonizado por dos jóvenes con Síndrome de Down, que el pasado año ganó el Premio del Público Infantil en el FIC, regresa al Festival para impartir el taller ‘Cómo se crea un film’, dentro ‘Cine sin Límites’, un espacio estrenado el pasado año dedicado al cine inclusivo.

El taller se celebrará el 18 de julio en la Residencia Universitaria de la Fundación CB (RUCAB) a las 10:30 horas y tendrá una duración aproximada de tres horas. Está abierto a todos los públicos, muy especialmente a personas con discapacidad intelectual.

En la primera parte del taller se proyectará el corto ‘Yes We Can’, realizado en el Taller de Cine Inclusivo de Aexpainba y la Fundación Magdalena Moriche, además del making of del cortometraje ‘Distintos’. Tras las proyecciones se abrirá una charla-coloquio con Josevi García Herrero.

En la segunda parte se realizarán ejercicios sobre cómo expresarse frente a una cámara y se grabará una pieza audiovisual que resumirá los ejercicios realizados. Esta actividad es abierta y participativa.

‘Todo es música’, el libro del 25º FIC

Como en cada edición, desde hace 21 años, el FIC presenta un libro relacionado con diferentes aspectos de la actividad cinematográfica que publica el Departamento de Publicaciones de la Diputación de Badajoz dentro de la colección ‘Festival Ibérico de Cine’.

Este año presentará ‘Todo es música. Sinergias musicales entre cine y televisión’, un trabajo del crítico cinematográfico pacense David Tejero en el que analiza la relación y las influencias entre la música de las series de televisión y la música de los largometrajes, buscando paralelismos y diferencias.

El libro se presentará el miércoles 17 de julio en el Cafetín del Teatro López de Ayala a las 10:30 horas.

Diplomado en Biblioteconomía y Documentación por la Universidad de Extremadura, David Tejero ejerce su actividad en numerosas revistas y medios digitales como El antepenúltimo Mohicano, Cine Divergente, Enclave de Cine o Ultramundo, donde publica artículos sobre cine y bandas sonoras originales.

Jurado, Jurado Joven y Taller de Creación Audiovisual

Eldirector, actor, productor y guionista Antonio del Real y la actriz pacense Carolina Yuste, Premio Goya 2019 a la Mejor Actriz de reparto por su papel en la película ‘Carmen y Lola’, de Arantxa Echevarría, forman parte del jurado de la 25 edición del Festival Ibérico de Cine.

Otros de los miembros que conforman el jurado son la directora de fotografía Almudena Sánchez, que ha trabajado en películas que han ganado importantes premios como la Biznaga de Plata del Festival de Málaga; la directora de cine y televisión Eva Lesmes, miembro de la Academia de Cine y socia fundadora de CIMA (Asociación de mujeres cineastas y de medios audiovisuales); y el director y productor Julián Pavón Fuentes.

El Festival cuenta cada año con reputados profesionales vinculados al mundo del cine para formar un jurado que decidirá entre los cortos seleccionados qué trabajos serán los merecedores de los Premios Onofre.

Jurado Joven, universitarios de la UEX con inquietudes cinéfilas

Los miembros del Jurado Joven son jóvenes universitarios de edades comprendidas entre 18 y 30 años procedentes de diferentes titulaciones de la Universidad de Extremadura (UEX).

La figura del Jurado Joven fue instaurada con la colaboración y el apoyo de la Fundación Academia Europea e Iberoamericana de Yuste desde la edición número 16 del Festival Ibérico de Cine con el objetivo de divulgar el cortometraje entre los jóvenes universitarios y promover entre ellos la actividad audiovisual y cinematográfica.

Este jurado fallará el Premio ‘Luis Alcoriza’, un galardón dedicado al director, guionista y actor de cine nacido en Badajoz en 1918 y exiliado en México tras la guerra civil, convirtiéndose en una de las mayores figuras del cine mexicano.

Dentro de la carrera de Luis Alcoriza destacan las colaboraciones con Luis Buñuel en ocho guiones, escribiendo en algunas de sus mejores cintas, entre las que están ‘Los olvidados’ y ‘El ángel exterminador’. Falleció en 1992 en la ciudad mexicana de Cuernavaca.

Taller de Creación Audiovisual para jóvenes

Otra de la actividad que organiza la Fundación Academia Europea e Iberoamericana de Yuste en colaboración con el Festival Ibérico de Cine es el Taller de Creación Audiovisual para Jóvenes de 14 a 17 años.

El taller se desarrollará del lunes 15 al jueves 18 de julio (en horario de 10:00 a 14:00 horas) y tendrá 16 horas de duración. En él los alumnos realizarán una pieza audiovisual y aprenderán aspectos relacionados con el lenguaje y narrativa audiovisual, manejo de cámaras y captación de sonido, además de grabación en interiores y exteriores. La formación se completará con la asistencia gratuita de los alumnos a todas las actividades del Festival Ibérico de Cine.

Estará impartido por Gemma Carranco, realizadora y editora de televisión, versará este año sobre la figura de Hernando de Bustamante, el primer y único extremeño que viajó junto a Elcano y a Magallanes en la expedición que dio la primera vuelta al mundo.

Hernando de Bustamante fue uno de los únicos 18 supervivientes de esa expedición, en la que salieron más de 200 personas. En ediciones anteriores del taller los participantes trabajaron sobre temas como los 50 años de paz en Colombia o figuras como Pedro de Valdivia y Rubén Darío.

SESIÓN INAUGURAL 25º FIC (2019)

La película portuguesa ‘Raiva’, del realizador Sérgio Tréfaut, abre el 25º Festival Ibérico de Cine el 15 julio

La premiada película portuguesa ‘Raiva’ (‘Rabia’), del director Sérgio Tréfaut, abre el 25º Festival Ibérico de Cine (FIC) el 15 de julio a las 22:30 horas en la terraza del Teatro López de Ayala de Badajoz. Este largometraje de ficción es una adaptación de la novela ‘Seara de vento’ del escritor Manuel Fonseca y cuenta una tragedia sucedida en los campos del sur del Alentejo en 1950.

‘Raiva’ narra la historia de la familia Palma, campesinos pobres que viven las penurias de un país dominado por la oligarquía terrateniente. En ese entorno la violencia estalla y se suceden varios asesinatos a sangre fría en una noche.

La historia comienza cuando Antonio deja su precaria vivienda en mitad del campo y se dirige con una escopeta a la casa del señor del pueblo. Tras acabar con la vida de este y la de su hijo, huye, pero las autoridades pronto van a buscarlo a su casa. La película descubrirá qué ha llevado al protagonista a tan brutal comportamiento.

‘Raiva’ fue la gran triunfadora de los Premios Sophia 2019, que concede la Academia de Cine Portuguesa. La película se llevó seis Premios Sophia: Mejor Película; Mejor Actriz (Isabel Ruth); Mejor Actor (Hugo Bentes); Mejor Actor Secundario (Adriano Luz); Mejor Guion Adaptado (Sergio Tréfaut y Fátima Ribeiro); y Mejor Fotografía (Acacio de Almeida).

A estos se suman otros premios conseguidos en festivales y certámenes de cine internacionales. La película cuenta con la colaboración especial del actor español Segi López.

Basada en hechos reales: la ‘tragedia de Beja’

Tanto el libro como la película están inspirados en unos hechos reales ocurridos en 1933. Ese año los periódicos portugueses publicaban una historia violenta que se conoció como «la tragedia de Beja.» El episodio fue portada del Diario de Noticias y la historia acabó transformándose en un mito.

Veinte años más tarde, Manuel da Fonseca, escritor y periodista de renombre, investigó este episodio para escribir la novela ‘Seara de Vento’. En la versión de Fonseca el asesino de la tragedia de Beja se convierte en un héroe solitario, víctima del abuso de poder y símbolo de resistencia. El libro es un grito de indignación frente a la injusticia social en el Alentejo, tiene un sentido épico y militante, marcado por cierto romanticismo político.

Sin embargo, en la versión cinematográfica de Sérgio Tréfaut la historia no tiene nada de romántica, ni de naturalista. En ella no hay ningún llamamiento al sentimentalismo o al idealismo. No se ofrecen promesas de un futuro mejor.

‘Raiva’, un retrato de la injusticia social

La injusticia es retratada en ‘Raiva’ como un ciclo que se repite, y se repetirá siempre bajo nuevas formas, aunque toda la vida se luche contra ella, según explica el director de la película, que eligió adaptar este libro emblemático en el Alentejo a un neorrealismo portugués clásico. La película, al igual que el libro, habla del abismo entre pobres y ricos, pero en la película los muertos sólo son muertos, no son héroes ni símbolos.

Sérgio Tréfaut ha hecho una película silenciosa, en blanco y negro, “en la que las caras y los cuerpos dicen más que los discursos”, según explica. Ha creado además un espacio atemporal, casi mitológico. “El Alentejo aquí es también el sur de Italia, Grecia, Siria, Armenia, España, América Latina”.

‘Raiva’ es el segundo largometraje de ficción firmado por el realizador portugués Sérgio Tréfaut tras ‘Viagem a Portugal’. El cineasta cuenta con una amplia experiencia como director de documentales, con títulos como ‘Treblinka’.

Hugo Bentes, actor protagonista, asistirá a la presentación de ‘Raiva’

El actor Hugo Bentes, protagonista de la ‘Raiva’ asistirá a la presentación de la película en el Festival Ibérico de Cine. Hugo reside en Beja, en el Alentejo portugués, y fue elegido por Sérgio Tréfaut para protagonizar esta película a pesar de que no era actor. Hugo Bentes es técnico de sonido de la Cámara de Serpa y cantante de un grupo coral de canto alentejano. En su primer papel como actor consiguió el Premio Sophia como mejor actor.

ESTRENO EN EXTREMADURA (16 DE JULIO)

‘#Placer Femenino’, el documental sobre la opresión sexual femenina llega al 25º Festival Ibérico de Cine

El 25º Festival Ibérico de Cine (FIC) estrena en Extremadura el documental de Bárbara Miller ‘#Placer Femenino’ el 16 de julio a las 19:00 horas en el Teatro López de Ayala. El documental de la realizadora suiza es una crítica contra la opresión sexual femenina en el mundo a través de la voz de cinco mujeres valientes y determinadas que han roto el silencio impuesto por sociedades arcaicas y por comunidades religiosas.

Las protagonistas del documental son Deborah Feldman, escritora americana exiliada de la comunidad judía ortodoxa; Leyla Hussein, psicoterapeuta y activista social somalí víctima de la ablación; Rokudenashiko, artista japonesa condenada por obscenidad; Doris Wagner, ex monja abusada sexualmente por un miembro del clero; y Vithika Yadav, activista por los derechos sexuales y de género en la India.

Estas cinco mujeres relatan en el documental su lucha por la liberación sexual y la autonomía de las mujeres compartiendo sus experiencias tras salir de comunidades opresoras. Pero su victoria ha tenido un alto precio: todas han experimentado difamación pública, amenazas y procesamientos, han sido excomulgadas por la sociedad en la que crecieron e incluso han recibido amenazas de muerte por parte de líderes religiosos y fanáticos.

‘#Placer Femenino’ revela a través de estas cinco historias situaciones universales y muestra la lucha exitosa de estas mujeres por el derecho a la autodeterminación de su sexualidad y por una relación igualitaria del placer entre los sexos.

Tras la proyección de ‘#Placer Femenino’ se celebrará un coloquio en el teatro López de Ayala.

Bárbara Miller (Zurich, Suiza, 1970) es licenciada en Derecho y en Estudios Cinematográficos, Filosofía y Psicología por la Universidad de Zurich. Como asistente de dirección y editora trabajó durante dos años en el documental ‘War Photographer’, de Cristian Frei. Desde 2001 es documentalista freelance. En la actualidad es presidenta de la Asociación Suiza de Directores y Realizadores.

En su anterior documental, ‘Voces Prohibidas’ (2012), Bárbara Miller pone también voz y rostro a tres mujeres, Zeng Jinyan en China, Farnaz Seifi en Irán y Yoani Sánchez en Cuba, que han difundido a través de Internet su reivindicación de libertad y de respeto a los derechos humanos. Este trabajo fue galardonado con el Premio Amnistía Internacional de la XI Edición del Festival de Cine y Derechos Humanos de San Sebastián.

Calidad y variedad. La calidad sigue siendo la seña de identidad del FIC, que se ha convertido en un referente para los realizadores del mundo del cine. El comité seleccionador destaca de forma particular el elevado nivel de los cortometrajistas portugueses.

El único corto de animación que concurre en la Sección Oficial es ‘La noria’, el trabajo de Carlos Baena que ha cosechado numerosos premios. Este también se proyectará en el Festival dos Miúdos, donde sí compite con otros dos trabajos de animación, ‘Lifetime’ y ‘Dry Fly’, de temática infantil.

Entre los trabajos seleccionados hay algunos rodados en otros países, como EEUU o Francia, y en otros idiomas, como el caso de ‘Xiao Xian’, de Jiajeie Yu Yan, que está rodado en chino y en español. El comité seleccionador ha apreciado un incremento en la participación de cortos procedentes de diferentes escuelas de cine.

Los 27 cortos que concurren en la Sección Oficial aspiran al Premio Onofre al Mejor Cortometraje, dotado con 3.000 euros, así como a los Premios del Público de Badajoz, Olivenza y San Vicente de Alcántara, dotados con 800 euros cada uno.

Los Premios a la Mejor Interpretación Masculina y Femenina, patrocinados por la Fundación AISGE (Artistas Intérpretes, Sociedad de Gestión), están dotados con 500 euros, al igual que el del Público Infantil. Completan el palmarés el Premio Luis Alcoriza del Jurado Joven, el Onofre a la mejor Dirección y al mejor Guión, el Premio AEC a la mejor Fotografía y el Premio Reyes Abades al mejor cortometraje Extremeño.

Sección Oficial. Los cortometrajes españoles seleccionados en la Sección Oficial a concurso:

ANTXONI, de Rubén Sáinz (ESP)

BENIDORM 2017, de Claudia Costafreda (ESP)

BEST SELLER, de Max Lemcke (ESP)

CERRADURAS, de Pedro del Río (ESP)

ESCALADA, de Nacho Solana (ESP)

FLOTANDO, de Frankie De Leonardis(ESP)

HAWAII, de Jordi Capdevila (ESP)

HOPES, de Raúl Monge (ESP)

KHURUF, de Kepa Sojo (ESP)

LA NORIA, de Carlos Baena (ESP)

LA OCTAVA DIMENSIÓN, de Kike Maíllo (ESP)

LIMBO, de Daniel Viqueira (ESP)

MARAS, de Salvador Calvo (ESP)

MIEDOS, de Germán Sancho(ESP)

MOROS EN LA COSTA, de Damià Serra Cauchetiez (ESP)

MOSCAS, de David Moreno Pérez (ESP)

MUJER SIN HIJO, de Eva Saiz López (ESP)

NO ME DESPERTÉIS, de Sara Fantova (ESP)

RÉQUIEM, de Juanma Juárez (ESP)

VACA, de Marta Bayarri (ESP)

WHITE, de David Moya (ESP)

XIAO XIAN, de Jiajie Yu Yan (ESP)

Los cortometrajes portuguesesseleccionados en la Sección Oficial:

EQUINÓCIO, de Ivo M. Ferreira (PORT)

NEVOERIO, de Daniel Veloso (PORT)

POR TUA TESTEMUNHA, de João Pupo (PORT)

RÍO ENTRE AS MONTANHAS, de José Magro (PORT)

SLEEPWALK, de Filipe Melo (PORT)

Los Cortos Extremeños

Los cortos extremeños seleccionados:

DESPACHADO,de Elena Marcelo

EL INVITADO,de Pedro Díaz

LA HIGUERA, de Mikel Mas

UN BUEN HOMBRE, de Matías Valenzuela

Festival dos Miúdos

9 PASOS, de Moisés Romera Pérez/Marisa Crespo Abril (ESP)

DRY FLY, de Rut Juan Mompó (ESP)

LA NORIA, de Carlos Baena (ESP)

LIFETIME, de Ramón Mascarós/Carlos Escutia (ESP)

NOEL, de Kike Arroyo (ESP)

Los Premios de la Sección Oficial del 25º FIC

PREMIO al MEJOR CORTOMETRAJE. Estatuilla y 3.000 €

PREMIO del PÚBLICO de BADAJOZ. Estatuilla y 800 €.

PREMIO del PÚBLICO de OLIVENZA. Estatuilla y 800 €.

PREMIO del PÚBLICO de SAN VICENTE DE ALCÁNTARA. Estatuilla y 800 €.

PREMIO del PÚBLICO INFANTIL. Estatuilla y 500 €.

PREMIO LUIS ALCORIZA del Jurado Joven. Estatuilla.

PREMIO AISGE a la mejor Interpretación Femenina. Estatuilla y 500 €.

PREMIO AISGE a la mejor Interpretación Masculina. Estatuilla y 500 €.

PREMIO a la mejor Dirección. Estatuilla.

PREMIO a la mejor Música Original. Estatuilla.

PREMIO al mejor Guion. Estatuilla.

PREMIO A.E.C. a la mejor Fotografía. Estatuilla.

PREMIO REYES ABADES al Mejor Corto Extremeño. Estatuilla.

La presente edición está patrocinada por Junta de Extremadura, Diputación de Badajoz, Consorcio del Teatro López de Ayala, Gabinete de Iniciativas Transfronterizas, Delta Cafés, Fundación Europea e Iberoamericana de Yuste, Fundación CB, Ayuntamiento de Badajoz, Fundación AISGE y Filmoteca de Extremadura. Además cuenta con la colaboración del Ayuntamiento de Olivenza y el Ayuntamiento de San Vicente de Alcántara.

4 de febrero de 2019
David Tejero «La Banda Sonora del Festival Ibérico de Cinema»

Massimo Troisi, el proyeccionista del Cine Splendor, intenta convencer a un grupo de amigos que dejan pasar el día en la terraza del bar al más puro estilo vitelloni, que deben de ir al cine, a dejarse maravillar por Toro Salvaje. Tras narrarles hitos de la película de Scorsese, tras desgranarles el trabajo de estudio de Robert de Niro, uno de ellos, periódico en mano comenta, que esa misma noche emiten nueve películas en la televisión, una de Orson Welles, otra de Chaplin, un western de Ford, la ventana indiscreta de Hitchcock…es cierto dice Troisi con ironía, tenéis todo en la vida, para qué ir al cine a ver historias que ya las estáis viviendo…mientras Marcello Mastroianni, propietario del cine, agoniza, fotograma a fotograma, butaca a butaca, extinguiéndose de igual manera que su trayectoria como actor en la realidad.

Este pueblo está maldito. ¡Vete!, vete y no vuelvas nunca. Y si algún día te da la nostalgia y regresas, no me busques. No toques a mi puerta porque no te abriré. Busca algo que te guste, y hagas lo que hagas, ámalo; como amabas la cabina del Cinema Paradiso cuando eras niño” Cinema Paradiso

En cada pueblo, en cada ciudad, en un rincón perdido del mundo, al borde de la playa, en la plaza a treinta grados de noche, en un antro del extrarradio parisino, sobre una sábana blanca, en la pared de la terraza, en la pantalla de cualquier cine que fue cine, ahora estancias ahogadas en polvo y asfixiadas por un remake que nunca verá la luz. En ese trozo de película de 35mm. existe un espacio para la pista analógica, un protagonista extradiegético que nos hace de narrador. Un chico de 40 años que hizo de su Cinema Paradiso una cabina del recuerdo, de su Splendor un cine olvidado, de su Rosa purpura del Cairo, una Mia Farrow dispuesta de saltar del cine a la televisión. Sinergias musicales para todos ellos. Estamos hablando de David Tejero y del Festival Ibérico de Cinema. 25 años proyectando cine en la región.

Como en cada edición, y desde hace 21 años, el FIC presenta un libro relacionado con diferentes aspectos de la actividad cinematográfica que publica el Departamento de Publicaciones de la Diputación de Badajoz dentro de la colección “Festival Ibérico de Cine”. Este año es el turno de “Todo es música. Sinergias musicales entre cine y televisión”, un trabajo del crítico cinematográfico pacense David Tejero en el que analiza la relación y las influencias entre la música de las series de televisión y la música de los largometrajes, buscando paralelismos y diferencias.

La primera vez que lo vi fue en el cine Pacense, mientras yo charlaba con su padre. Era un niño que en aquel momento salía de la cabina de proyección y nos miraba desde una baranda metálica que había sobre la puerta de acceso a la sala. Alejandro Pachón. Director del FIC

No me importa de qué están hablando, todo lo que quiero es una buena y gruesa conversación. La conversación de Francis Ford Coppola

David, todo tu periplo cinematográfico sale de vivir permanente dentro de un cine…

…En cierta manera yo soy autodidacta, no poseo ningún pasado académico, sin embargo siempre he tenido una relación con el cine. He trabajado en cine, mi familia llevaba cines en Badajoz, el Teatro Menacho, el López de Ayala antiguo, el antiguo cine Avenida de San Roque…en definitiva vengo de una familia de exhibidores de cine de toda la vida. Desde pequeño siempre he estado muy vinculado a todo lo que rodea el mundo fílmico, y poco a poco he ido desarrollando e investigando la parte más técnica del cine, y dentro de este universo lo que más me apasiona es la banda sonora.

Antes de llegar tu actividad como crítico en revistas especializadas estudias Biblioteconomía y Documentación…

Por circunstancias de la vida elegí esa carrera y nunca proyecté académicamente hablando nada relacionado con el audiovisual pero siempre he estado investigado y analizando sobre el mundo del cine.

¿Y tu oficio en los cines hasta llegar a la crítica?

Mi oficio ha sido de operador de cabina de 35mm. aprendido de padres a hijos, a base de mamarlo desde pequeño. Viendo, preguntando, ensayo y error y como en la película de Tornatore aprendes por impronta.

¿Y de 35mm. al digital?

Es ahí cuando yo me voy por otra rama y me olvido de todo el mundo de la exhibición cinematográfica. Ahí es cuando comienzo a escribir, reseñas, críticas de películas a través de revistas y medios digitales como El antepenúltimo Mohicano, Cine Divergente, Enclave de Cine o Ultramundo.

Cambiará, se adaptará, tendrá que evolucionar pero el cine como tal no desaparecerá. Lo que sí ha muerto es el concepto de cine como espacio físico

¿Cuándo surge la idea de escribir el libro y qué se cuenta en “Todo es música. Sinergias musicales entre cine y televisión”, que se presenta dentro del Festival Ibérico de Cinema?

En este libro se cuenta principalmente las sinergias que existen actualmente entre la música y la televisión y el cine. Existe una parte más temática y otra que compone un apartado más técnico. Intento trazar las líneas de unión entre el cine y la televisión a través de la música de series antiguas con sus respectivos remakes o versiones modernas, las adaptaciones de la televisión al cine o viceversa, un apartado más centrado en la industria que controla la factoría audiovisual, y por último un capítulo dedicado a los músicos españoles en la televisión.

¿Es un libro técnico o está escrito como un manual de consulta?

Hay de todo un poco, es inevitable que en ciertos apartados sea muy técnico pero he intentado que sea ameno, introduciendo cierto flashback personales para darle un valor más humano, más cercano. En el libro hablo por ejemplo de Misión Imposible, serie mítica que ha generado multitud de versiones en tele y cine, la música, la banda sonora de esta película es fundamental, es uno de los temas más reconocibles del cine. Y ese tema aunque parezca muy sencillo ha tenido variaciones, cambios, orquestaciones distintas de las películas que se han rodado basadas en la serie. Existe muy buena música en la televisión actualmente porque los procesos, desarrollo y estilo de trabajo es la misma que la banda sonora de una película realizada para el cine.

Hemos hablado de cine, del cine como una exhibición, proyectado en una sala como consumo cultural y social, ese que tú has mamado desde sus entrañas, pero ¿Existe un proceso de desaparición de esa pantalla, de ese cine con la irrupción de nuevos formatos y vías de exhibición? ¿Estamos asistiendo a la muerte del cine?

Ha cambiado absolutamente todo, no tiene nada que ver con ese cine de antes, pero al cine le quedan muchos años de vida, yo creo que de hecho no morirá nunca. Cambiará, se adaptará, tendrá que evolucionar pero el cine como tal no desaparecerá. Lo que sí ha muerto es el concepto de cine como espacio físico.

Entrevista. Willy López | Fotografía. Félix Méndez

8 de enero de 2019
40º Festival Internacional Folklórico de Extremadura

El Teatro López de Ayala vuelve a ser el escenario del Festival Internacional Folklórico de Extremadura, un certamen que se centra en una de las señas de identidad extremeñas, el folklore. El encuentro, que se realiza todos los años desde 1980, ha contado con la participación de 12.000 personas y más de 300 grupos de 90 países diferentes a lo largo de su trayectoria.

Este año participarán cinco grupos internacionales, procedentes de Benin, la India, Kenia, Portugal y Rusia. Esto se complementa con cuatro grupos españoles procedentes de Badajoz, Jaén, San Vicente de Alcántara y de Olivenza el grupo invitado Acetre para la gala del cuadragésimo aniversario que se celebrará el sábado 13 de julio. Acetre es una de las agrupaciones más veteranas y emblemáticas dentro del panorama musical de Extremadura con una larga experiencia. Son conocidos por su calidad instrumental y vocal.

El festival durará cinco días, en los que los espectadores además de disfrutar de las galas en el teatro los días 11,12 y 13 podrán asistir a las jornadas de juegos tradicionales, el desfile de los grupos participantes por las calles de Badajoz y talleres participativos.

Ceremonia de Apertura y primera actuación del festival con la participación de los grupos provenientes de Badajoz, Benin e India.

GRUPO DE LA ASOCIACIÓN DE COROS Y DANZAS DE BADAJOZ.

Desde su creación en el año 1940, en que se presenta por primera vez EL GRUPO DE COROS Y DANZAS DE BADAJOZ, y tras convertirse en Asociación, este grupo ha actuado en gran número de poblaciones extremeñas y en la totalidad de las regiones españolas. Asimismo, ha representado A EXTREMADURA Y A ESPAÑA en prestigiosos festivales internacionales de folklore de numerosos países de todo el mundo. Con motivo del 75 aniversario y dentro del programa de actividades llevadas a cabo durante el año 2015, para conmemorar esta gran celebración, ha grabado un nuevo trabajo discográfico titulado: “DE LA TIERRA”, que recoge una selección de temas del folklore extremeño, que forman parte de su amplio repertorio y que fue presentado el día 24 de julio de 2015. En sus últimas participaciones ha viajado por países como Taiwán, Rusia, Rumania, Francia, Hungría, entre otros, siendo su participación más reciente, en la folcloriada mundial celebrada en Zacatecas (México ) durante los meses de julio y agosto del año 2016, y en la que tuvo el honor de ser digno representante de su país.

Jueves 11. Teatro López de Ayala. 10€ BENIN. SUPER ANGELS HWENDO NA BUA

El grupo de ballet y teatro «Super Angels Hwendo Na Bua» de Benin fue creado en 1986 por ALLADE Coffi Adolphe, coreógrafo coreográfico del Ballet Nacional de Benin. Un caballero que comienza a tener su calidad de baile desde sus estudios primarios en el año 1973. Ella realiza los bailes tradicionales de Vodoun de Benin, así como los bailes de la Corte Real y los de regocijo. Su enfoque artístico está completamente arraigado en la tradición, ya que reproduce danzas que todas las personas del país conocen y han existido durante siglos. Además, el nombre de la compañía «Hwendo Na Bu a» significa: quién no puede perder las tradiciones. Así que su trabajo realmente se basa en la necesidad de transmitir el conocimiento de «AIEUX», para usar la expresión de ALLADE Coffi Adolphe. Pero la creación no está ausente del espectáculo ya que presenta otras coreografías, así como muchos disfraces.

INDIA. NRUTYESHWAR

La palabra NRUTYESHWAR se divide en dos partes. NRUTY, que significa DANZA, y ESHWR, que significa DIOS. Así que la palabra completa significa DIOS DE LA DANZA. De acuerdo con la historia religiosa hindú, el todopoderoso dios SHANKAR es el creador de la danza, y también se le conoce como NATRAJ. La mayoría de los hindúes son muy religiosos. Como resultado, gran parte de su folklore tiene sus raíces en su herencia religiosa. La India es una tierra de intensa diversidad cultural, influenciada por los ricos y variados paisajes. El baile y la música están en la psyche de sus gentes. Gentes con variedad kaleidoscopica en sus ropas, con cultura de caracter distintivo, y muchas cosas más. Las caracteristicas de cada etnia y grupo regional engloba a uno y a todos al mismo tiempo. En verdad, su historia es colorida y magnifica.

Con vistas a participar constantemente de la riqueza del folklore de la India, y crear el interés entre los amantes del arte, NRUTYESHWAR vio su origen. NRUTYESHWAR se creó en el año 1989, por jóvenes de Mumbay, para preservar la cultura y el arte de India, y sus participantes practican principalmente Baile, Música y Arte Folklorico. NRUTYESHWAR cuenta con miembros de todas partes de la ciudad, de todas las escuelas e institutos, ya que las jóvenes generaciones serán los líderes del mañana. Organizamos y participamos en muchos Festivales, tanto regionales como nacionales e internacionales.

La segunda noche de actuaciones en el Festival Folklórico participarán el grupo extremeño de San Vicente de Alcántara y los de Rusia y Portugal.

Viernes 12. Teatro López de Ayala. 10€ SAN VICENTE DE ALCÁNTARA. Asociación Folclórica Sanvicentina “La Besana”

“La Besana” es un grupo de coros y danzas que ha paseado el nombre de San Vicente de Alcántara por numerosas localidades de Extremadura, España y Portugal. Si bien el grupo se constituyó como asociación en el año 2009, su evolución ha sido muy rápida, lo que ha permitido que en la actualidad sea miembro de pleno derecho de la Federación Extremeña de Folklore.

La Asociación cuenta con unos 90 socios, de los cuales aproximadamente 40 forman parte del grupo titular, perteneciendo el resto de los miembros a las escuelas de danza y música. Entre sus objetivos se encuentra la recopilación y difusión de las variadas y numerosas tradiciones y costumbres de la cultura extremeña, con especial énfasis en las de San Vicente de Alcántara y su comarca.

Una de las actividades en las que la Asociación Folclórica Sanvicentina “La Besana” ha puesto más empeño durante su trayectoria ha consistido en organizar la Semana del Folklore en San Vicente de Alcántara, evento que tiene lugar durante la semana que acoge la festividad de San Vicente Mártir (el 22 enero de cada año) y que es culminado con un festival folklórico. En 2019 se ha celebrado su décima edición. Además del festival folklórico de adultos, “La Besana” organiza a finales del mes de junio, también en San Vicente de Alcántara, un Festival Folklórico Infantil y Juvenil, del cual se ha celebrado en 2019 la 9ª edición.

RUSIA. GRUPO BELOGORIE

Filarmónica del Estado de Belgorod. El conjunto de canciones y bailes «Belogorie» se creó en 1971. El repertorio del conjunto se basa en canciones populares, bailes de la región de Belgorod y otras regiones de Rusia, bailes de fuego y bailes líricos, silbidos en la corteza, melodías instrumentales, canciones originales. El conjunto incluye danza, coro y grupos instrumentales. En los programas de concierto participan desde 20 hasta 45 personas. El grupo tiene hasta 8 músicos y 7 tipos de trajes escénicos diferentes. El conjunto «Belogorye» se convirtió repetidamente en el ganador de prestigiosas competiciones de toda Rusia e internacionales. El grupo viajó por todos los rincones de la tierra nativa, actuando en las mejores salas de conciertos de Rusia. Los artistas de Belgorod participaron en festivales en Polonia, Hungría, España, Eslovaquia, Suecia, Noruega, Inglaterra, Alemania, Dinamarca, Francia. En 1996, el conjunto «Belogorye» representó adecuadamente el programa cultural de Rusia en los 26º Juegos Olímpicos de Verano en Atlanta. Durante muchos años, la banda fue un invitado favorito en varios festivales en Francia. Dondequiera que los miembros del conjunto «Belogorye» actuan, su arte es siempre comprensible y cercano a todos. En el otoño de 2016, el equipo celebró su 45 aniversario en la Filarmónica del Estado de Belgorod.

PORTUGAL. RANCHO FOLKLÓRICO DA FAJARDA

Al igual que en el resto del municipio de Coruche, a los antiguos Fajardenses les gusta dar largas a su alegría tan intrínsecamente Ribatejana, bailando y cantando modas de su folclore. Esta forma de cultivar las tradiciones estuvo en el origen del primer Grupo Folclórico de la Fajarda, que surgió en 1954, en colaboración con la Casa del Pueblo de Coruche. Esta agrupación permaneció en actividad hasta once años después.

En 1979 algunos Fajardenses, amantes de su tierra, motivados por el deseo de promover y valorar las tradiciones locales, revolvieron baúles, oyeron a personas ancianas se apoyaron en las investigaciones más válidas de 1954 y constituyeron una nueva agrupación Folclórica, que es el actual Rancho Folclórico Fajarda.

Con el objetivo de promover y valorizar las tradiciones locales, el Rancho Folclórico de Fajarda – Coruche es un grupo que, junto a otras iniciativas, promueve la divulgación del Folclore y Etnografía de su región esencialmente caracterizada por el paisaje del Valle del Sorraia.

Sus canciones, danzas, cantares y trajes, datan de principios del siglo XX, hasta la década del 40. Sus trajes por sí solos constituyen un patrimonio patrimonial de gran valor y al mismo tiempo nos ayudan a percibir la razón de ser de nuestra identidad. Es siempre con el mayor orgullo que presentamos nuestro Folclore, lleno de color y de vida, propio del VALLE DEL SORRAIA, REGIÓN DEL RIBATEJO.

Sábado 13. Teatro López de Ayala. 10€

Ceremonia de clausura y actuación de los grupos de Jaén, Kenia y Badajoz con la participación especial del grupo oliventino Acetre que cerrará el turno de actuaciones para celebrar el 40 aniversairo del Festival Folklórico Internacional de Extremadura.

JAÉN. ASOCIACIÓN «LOLA TORRES»

El grupo de Coros y Danzas de la Asociación Provincial «LOLA TORRES» de Jaén, ahonda sus raíces en los primeros años de la década de los cuarenta, época en que comenzó a trabajar, de una manera formal y precisa, en la hermosa tarea de recoger un maravilloso tesoro sepultado en las entrañas de la tierra; las danzas, los trajes regionales, las canciones, las costumbres, en suma todo lo que comprende su incomparable arte popular.

El Grupo de Coros y Danzas ha paseado a lo largo y a lo ancho de toda la geografía española y de no pocos países de Europa, América, África y Oriente Próximo el acervo popular jiennense y andaluz, presentando con ellos la vida, sentires y quehaceres de los hombres de nuestras tierras, rompiendo siempre con los manidos tópicos que existen sobre el folclore, a través de una interpretación pura y autentica, a la vieja usanza, puesta de manifiesto, en la exigente investigación llevada cabo en aldeas, cortijadas y enclaves humanos de nuestra provincia.

De esta forma, han quedado desempolvadas las viejas danzas, bellas canciones, apolillados refajos y olvidados bordados, que hoy se encuentran incorporados a su patrimonio cultural, de manera real.

Dentro de la variedad existen en lo que a danza se refiere, predominan las jotas, los fandangos y los boleros aunque existen otras manifestaciones como las seguidillas, malagueñas, toreras, parrandas, etc.

JOTAS.- Las jotas toman el aire que los nativos les dan y suelen ser siempre movidas y con gran variedad de pasos. El inicio de cada copla es el que marca el cambio de paso, estando separados estos por un estribillo.

FANDANGOS.- Son composiciones de cante y baile, que se prodigan principalmente en los pueblos y aldeas de la sierra y en las zonas que lindan con la provincias de Granada y Córdoba, su principal característica es que no tienen medida exacta y la entrada de cada copla se realiza a «capricho» del cantaor

BOLEROS.- El bolero es una danza, que se detiene en la provincia de Jaén, procedente de otros puntos de España, haciéndose tradición y alma jaenera.

En un baile señorial, de lento pasar, grave y risueño, aristocrático y popular, que en su época movió por igual a labradora y a la señora y se introdujo con la misma fuerza en el salón aristocrático y en la cocina cortijera.

La parte instrumental esta formado por instrumentos de cuerda (guitarra, bandurria, laúd). En algunas comarcas se usa el violín, acordeón, platillos, cañas, botellas, piedras frotándolas como si fueran crótalos, etc.

KENIA. PROYECTO DE DANZA NACIONAL DE NAIROBI

El conjunto / proyecto de danza nacional de Nairobi es un poderoso grupo de bailarines folclóricos, músicos y acróbatas. Con sede en la capital de Kenia, Nairobi, comúnmente conocida como la ciudad bajo el sol. La compañía está compuesta por 25 talentosos bailarines, músicos y percusionistas, hombres y mujeres. Como embajadores culturales, sus objetivos son educar, preservar y recordar la riqueza de nuestra herencia nacional a través de la música y la danza. Kenia es un país de múltiples culturas con más de 42 etnias diferentes y la representación del conjunto de danza de Nairobi representa bailes y Música de la mayoría de estas tribus. OBJETIVOS Sus objetivos son educar y entretener; Recordamos, preservamos y promovemos la riqueza de nuestra cultura en forma de música y baile. Para realzar a los jóvenes sobre la diversidad de sus bailes culturales en diferentes comunidades como Kikuyu, kamba, Luo, entre otras tribus. Promover a los jóvenes entrenándolos y dándoles una oportunidad de expresión a través de la danza, la batería y los acróbatas.

FOLKLORE

La razón por la que la compañía de danza de Nairobi es única es porque no es una sola compañía tribal étnica, es una composición de artistas de diferentes tribus dentro de las 42 tribus de Kenia como Kikuyu tribu de la provincia central, Kamba, Embu y Meru tribus de la provincia oriental, luhya tribu de la provincia occidental. Las tribus luo y kisii de la provincia de nyanza, las tribus maasai y kalenjin de la gran provincia del valle del rift de Kenia, por último, pero no menos importante, los giriama y digo.

Tribus de la provincia de la costa. Nuestra actuación es una colección de bailes y música de casi todas las comunidades en Kenia y otras partes de África.

Su espectáculo está decorado con trajes de diseño tradicional, hechos de pieles de animales domésticos como vacas, cabras, camellos y ovejas.

ACETRE/GRUPO INVITADO GALA 40 ANIVERSARIO

Creado en 1976 en Olivenza, Acetre es uno de los grupos más veteranos y emblemáticos dentro del panorama folk de Extremadura. Creación y renovación musical, sobre una rica base tradicional, se unen a su larga experiencia como músicos para acertar en un engranaje de calidad instrumental y vocal capaz de abrir nuevos horizontes dentro de las músicas inspiradas en las raíces tradicionales, en lo que hoy entendemos como tradición renovada. Su música incorpora motivos de las tradiciones de la región junto a composiciones propias en un magnífico viaje por la identidad extremeña y de la zona fronteriza con Portugal, incluyendo algunas variedades dialectales del portugués.

Desde la escena nueve músicos muestran toda la actualidad del folk en un espectáculo de fusión creativa; un extenso recorrido por las raíces expresado en lenguaje contemporáneo a través de la vitalidad de sus múltiples instrumentos y la sensibilidad de sus voces. Con diez grabaciones discográficas, ha participado en festivales por toda España y países como Alemania, Suiza, Inglaterra, Portugal o Cuba. Acetre recibió́ la Medalla de Extremadura en 2016.

3 de enero de 2019
El Flamenco y el Fado se unen en la frontera extremeña

El Festival de Flamenco y Fado Badajoz alcanza ya 12 años y, aunque no se trata de una mayoría de edad, sí que se ha consolidado como la cita musical del verano en Badajoz, en la que se reúnen dos estilos musicales tan dispares y tan complementarios como el flamenco y el fado, tan repletos de sentimientos y de recorridos diversos. Pero quizás ahí estriba su éxito: su disparidad le convierte también en un encuentro de culturas tan rico y diverso. De esta forma a través del FFFB se achican fronteras, se entrelazan estilos y pervive el gusto por la música en directo que en esta edición se reparte en dos escenarios: la terraza de verano del López de Ayala y el Auditorio Municipal Ricardo Carapeto.

Esta edición del Festival se celebra del 1 al 6 de julio con varias actividades que recorren diversas formas de acercar el flamenco y el fado al público. El Festival se inaugura el lunes 1 de julio en la terraza de verano del teatro López de Ayala con la proyección del documental Camarón: Flamenco y revolución sobre la leyenda de Camarón de la Isla. En este mismo lugar, el 2 de julio, Fuensanta Blanco y Andrés Malpica estrenan para el FFFB Con acento extremeño, un espectáculo con toques muy particulares en el que el baile emerge y surge de nuestra tierra Extremadura. La tercera noche del Festival y última en la terraza de verano, el 3 de julio, recibe a uno de los grupos revelación de Portugal, Fado Violado, formado por los músicos Ana Pinhal y Francisco Almeida. La banda adopta su nombre como un juego simpático de palabras referente a su elección de la guitarra española en lugar de la portuguesa como instrumento principal. Presentan un novedoso espectáculo A Jangada de Piedra, en el que la mezcla de fado y flamenco genera una música respetuosa con ambas tradiciones musicales en una delicada fusión artística y cultural peninsular.

Las tres últimas noches de conciertos del Festival se trasladan al Auditorio Municipal Ricardo Carapeto. El jueves 4 de julio actúa el fadista Marco Rodrigues para presentar Quando o Fado Pasa, seguido del pianista andaluz Andrés Barrios y la joven cantaora extremeña Celia Romero con un espectáculo muy especial, Músicas de cruce, una encrucijada de músicas que pasan por el flamenco y el bolero haciendo parada en el jazz.

El viernes 5 de julio Dulce Pontes, la mejor representante de la música portuguesa, regresa al Festival para celebrar sus 30 años de carrera y de éxitos forjados a base de los mejores acordes lusos con alguna de las canciones de su último trabajo discográfico Peregrinaçao. Un trabajo bilingüe, grabado en castellano y portugués, con 22 temas en los que Dulce Pontes no solo pone la voz, sino que también toca el piano y varias percusiones. La artista interpreta gran parte de sus temas junto a la Orquesta de Extremadura.

Por último, cierra el Festival el sábado 6 de julio una joven promesa de la música portuguesa, biznieto de la hermana de Amália Rodrigues: el guitarrista Gaspar Varela. Con tan solo 15 años ya cuenta con un disco, Gaspar. Esa misma noche, dos artistas consagrados del flamenco, el cantaor José Mercé y el guitarrista Tomatito, presentan De verdad, una reivindicación de puro flamenco como música, como cultura, para elevarlo a la categoría que merece.

Lunes 1 de julio. 22:00. Terraza de verano del López de Ayala. ‘Camarón, Flamenco y revolución’. 2€

Proyección del documental

Dirección: Alexis Morante

Guion: Alexis Morante, Raúl Santos Documental

Documental sobre la leyenda del flamenco Camarón de la Isla. Dirigido por Alexis Morante y narrado por Juan Diego.

La trayectoria con mucho de aclamada y mucho de trágica de Camarón de la Isla ha sido trazada por varios documentales y dramatizaciones que logran reconocer una inﬂuencia trascendental, aunque sin lograrla explicarla de todo a la audiencia ajena al cante. El nuevo documental sobre el legendario cantaor comienza su relato, remontándose a su adolescencia y juventud, en el ocio de cantar en farras ﬂamencas para diversión de señoritos noctámbulos.

País / Año: España / 2018 Duración: 104’ Dirección: Alexis Morante Guión: Alexis Morante, Raúl Santos Documental

La trayectoria con mucho de aclamada y mucho de trágica de Camarón de la Isla ha sido trazada por varios documentales y dramatizaciones que logran reconocer una inﬂuencia trascendental, aunque sin lograrla explicarla de todo a la audiencia ajena al cante. El nuevo documental sobre el legendario cantaor comienza su relato, remontándose a su adolescencia y juventud, en el ocio de cantar en farras ﬂamencas para diversión de señoritos noctámbulos.

Martes 2 de julio. 22:00h. Terraza de verano del López de Ayala. 10€

‘Con acento extremeño’ Fuensanta Blanco y Andrés Malpica

Baile: Fuensanta Blanco y Andrés Malpica, Guitarra: Francis Gómez y Rodrigo Fernández, Cante: Vicky González e Ismael Solomando, Percusión y batería: Cristóbal Sánchez, Flauta: Diego Antúnez

La bailaora extremeña Fuensanta Blanco nacida en Mérida en, considera el flamenco su modo de vida, una pasión que influye en su forma de vivir el día a día. En esta ocasión trae un espectáculo que el Teatro López de Ayala tendrá el placer de estrenar.El sueño de esta bailaora que derrocha arte por los cuatro costados es poder actuar en el teatro romano de su ciudad natal para demostrar todo su potencial, aunque para ello quiere seguir ganando tablas. Fuensanta Blanco ha participado también en obras como “La Tentación de Poe”, “Amor brujo, el fuego y la palabra”. La bailaora ejerce de profesora de ﬂamenco en Francia y Japón y actúa en distintos tablaos, como en el de nuestra Taberna de Míster Pinkleton.

El bailaor Andrés Malpica nació en Zafra y empezó en el mundo de la música con el violín a los 9 años, hasta que se cruzó con el ﬂamenco y desde entonces, según sus palabras, vive por y para este arte. Formado en la Escuela Amor de Dios de Madrid en Flamenco y Ballet Clásico y después en Sevilla donde ha recibido clases de importantes maestros en estas disciplinas. Desde el año 2010 ha montado academia propia en Zafra donde imparte clases de ﬂamenco y danza, compaginándolas con sus actuaciones en Peñas Flamencas y Festivales.

Miércoles 3 de julio. 22:00. Terraza de verano del López de Ayala. 10€

‘A Jangada de Pedra’ Fado violado

Percusión: Juan De la Fuente, Bajo: João Paulo Rosado, Guitarra: Daniel da Silva, Teclados y percusión: Rui Ferreira, Voz y palmas: Elena Morales

Dúo musical portugués Fado Violado en el que la cantante de fado Ana Pinhal y el guitarrista Francisco Almeida acompañados de palmas y percusión han logrado una feliz fusión entre fado portugués y flamenco.

Ana Pinhal empezó dedicándose a la canción pop, a la bossa nova y al MPB, hasta que en 2002 se integró al grupo BoiteZuleika, con el cual cantaría hasta su desaparición en 2006. El deseo de aprender le lleva a tomar clases de lenguaje musical y canto. El primer contacto con el cante ﬂamenco se lo proporciona Francisco Almeida, que en aquel momento ya estaba interesado por la guitarra ﬂamenca. La curiosidad que el ﬂamenco le despertó hace que se desplace a Sevilla, donde durante tres años estudió cante ﬂamenco en la Fundación Cristina Heeren. Fue en Sevilla donde el fado (re)conquistó su corazón.

Su compañero de escenario, Francisco Almeida, inició su aventura musical adolescente, integrando varios grupos de garaje. Empezó por tocar el bajo eléctrico y a cantar, pero fue con la guitarra que surgieron sus primeras canciones.

Dúo A los 20 años la música se convierte en una opción profesional, con los BoiteZuleika logró los primeros éxitos. A partir de ese momento decide centrarse en el estudio de la música y de la guitarra. En 2003 tuvo su primer contacto con la guitarra ﬂamenca, participa en workshops y master class en Sevilla y Córdoba. A los 27 años decide instalarse en Sevilla donde, y durante tres años, estudió guitarra ﬂamenca también en la Fundación Cristina Heeren. Actualmente aparte de Fado Violado, Francisco Almeida acompaña las clases de baile ﬂamenco de Catarina Ferreira, en ‘Contagiarte’, Porto.

Jueves 4 de julio. 22h. Auditorio Ricardo Carapeto. De 10€ a 20€

“Músicas de cruce”

‘Copo Meio Cheio’ Marco Rodrigues

Lo primero que llama la atención en Marco Rodrigues es que, con él, se tiene la seguridad de asistir a una brillante actualización de una música que se estremece como un ataque de nostalgia, agridulce y en permanente conﬂicto con la tradición: la usa como referente y algunas veces como estigma. Las reiteradas escuchas no hacen sino confirmar el inmenso talento de Marco Rodrigues, quien, con su breve pero intensa obra hasta el momento, se confirma como uno de los mejores renovadores de la canción popular portuguesa.

Andrés Barrios y Celia Romero

Dos jóvenes ya consagrados como el pianista andaluz Andrés Barrios y la cantaora extremeña Celia Romero estrenan en el Festival ‘Músicas de cruce’, una encrucijada de caminos con gentes que van y vienen. Una encrucijada de caminos con músicas que van y vienen. Un viaje que comienza en el flamenco, con parada y fonda en el bolero y que regresa a este lado del océano con formas jazzísticas. Este es el sentido del encuentro de armonías que trae Andrés Barrios y Celia Romero, un cruce de sensibilidades diversas, pero unidas por un lenguaje universal que no sabe ni de idiomas ni de fronteras.

Viernes 5 de julio. 22h. Auditorio Ricardo Carapeto. De 20€ a 40€

‘Dulce Pontes: 30 años de carrera. Sinfónico’ Orquesta de Extremadura

Dulce Pontes y Orquesta de Extremadura

La cantante portuguesa Dulce Pontes celebra 30 años de carrera y lo hace con un concierto en los que incluye canciones de su último trabajo discográﬁco ’Peregrinaçao’, un trabajo bilingüe, grabado en castellano y portugués, con 22 temas en los que Dulce Pontes no solo pone la voz, sino que también toca el piano y varias percusiones.

Para esta ocasión Dulce Pontes además de interpretar sus canciones, estará acompaña nada más y nada menos por la Orquesta de Extremadura, también tocará el piano y contará con alguno de sus músicos habituales: Daniel Casares – guitarra; Luis Salgado – batería y Alexandre Carvalho – al bajo. La carrera de Dulce Pontes ha vivido una particular evolución. Dulce no se somete a etiquetas, canta lo que quiere, como quiere y nunca deja de sorprender como lo hace siempre frente a sus fieles seguidores.

Sábado 6 de julio. 22h. Auditorio Ricardo Carapeto. De 20€ a 40€

Gaspar Varela

Para la grabación de este disco, Gaspar Varela contó con el apoyo de su maestro, Paulo Parreira, que recibió el Premio Amália al Mejor Instrumentista en 2011. En este primer trabajo, cuenta con la participación del saxofonista Ricardo Toscano, en el tema ‘Mudar de Vida’, de Carlos Paredes, composición para la película homónima del director Paulo Rocha, y en ‘Fado Celeste’, de Pedro Pinhal, al final de la composición se escucha la voz de Celeste Rodrigues. De Carlos Paredes interpreta también ‘Canção de Alcipe’ y ‘Dança’, y el disco abre con el tema ‘Lisboetas’, que es una composición original del propio Gaspar y su hermano Sebastião Varela.

‘De verdad’ José Mercé y Tomatito

De verdad es toda una reivindicación del flamenco más puro, una lección magistral en toda regla, un disco como no se hacía desde hace mucho tiempo. La grabación del nuevo álbum se realizó en el estudio que Tomatito tiene en la localidad almeriense de Aguadulce. “En ‘De verdad’ tocamos todos los palos que afortunadamente existen en el flamenco: tangos, alegrías, seguiriyas, soleás, bulerías, granaínas…”, subraya Tomatito, guitarrista y productor del disco. “Yo nunca me he ido del flamenco. Yo hago otras cosas pero siempre suena el flamenco ahí. Siempre reivindicamos el flamenco. Yo seré flamenco hasta que me muera”.

1 de enero de 2019
Música, cine, danza, humor y buen teatro en el López de Ayala

La consejera de Cultura e Igualdad, Leire Iglesias ha presidido el Consejo Rector del Consorcio Teatro López de Ayala que ha aprobado el presupuesto anual previsto para 2019 así como las líneas generales de la programación de este año.

El presupuesto económico asciende a 1.200.000 euros, en el que se incluyen las aportaciones de las instituciones al Consorcio y los ingresos previstos. El teatro López de Ayala mantiene su línea de actuación de organizar espectáculos durante todo el año, para ello ha programado unas 240 actividades culturales.

En total habrá más de 40 representaciones teatrales durante 2019. Nombres destacados de la escena española actuarán en el López de Ayala como Rafael Álvarez El Brujo el 15 de marzo con ‘Autobiografía de un Yogui’; María Luisa Merlo en ‘Conversaciones con Mamá’ el 23 de marzo o el 16 de mayo con Lola Herrera interpretando el papel de Carmen Sotillo en el clásico de Miguel Delibes ‘Cinco horas con Mario’. El grupo de teatro gestual Tricicle con los míticos Joan Gràcia, Paco Mir y Carles Sans traen lo mejor de lo mejor de Tricicle resumido en ‘Hits’ a principios de noviembre.

Toda esta programación se completa con espectáculos como la comedia musical protagonizada por Raquel Palma ‘Pasaporte a Nueva York’ el 8 de febrero. La actriz extremeña Aida Cobos representará ‘5 pieles, 5 historias’ el 25 de marzo que conjuntamente con ‘El Convidado’ el día 26 se realizan para conmemorar el Día Mundial del Teatro. Finaliza marzo con la clausura de la 17 Muestra Estatal de Teatro de la ONCE. Un montaje sorprendente será la original puesta en escena y el texto de Virginia Wolf ‘Orlando’ de la compañía Teatro de Fondo el 12 de abril. En este mismo aspecto destaca el singular texto de ‘El otro’, una de las obras de Miguel de Unamuno menos representadas. Será la compañía extremeña El Desván Teatro quien pondrá en escena esta función con José Vicente Moirón como protagonista el 4 de mayo. La cantante Sara Montiel en un emotivo homenaje es la protagonista del último montaje de El negrito producciones en ‘Mi última noche con Sara’. Un espectáculo teatral y musical que se convierte en el primer recuerdo a la mítica actriz y cantante española. Será el 10 de mayo, el mismo mes que ha elegido la compañía Arán Dramática para estrenar su nuevo montaje. En esta ocasión han apostado por la adaptación al teatro de la novela de Rosa Montero ‘La ridícula idea de no volver a verte’. Mayo finaliza con un clásico de Edmond Rostand ‘Cyrano de Bergerac’ protagonizado por el actor José Luis Gil. También hay espacio para obras del repertorio nacional que recalan en Badajoz en sus giras, entre otras ‘Muerte en el Nilo’ protagonizado por Pablo Pujol o el infantil ‘El astronauta’, de la compañía extremeña El Avispero Producciones. Otras actividades teatrales, en este caso dedicadas a los más pequeños se encuadran dentro del programa ‘Teatro en familia’ o ‘Teatro para escolares’. La cita teatral del año se desarrolla como cada año en octubre y noviembre con la celebración de la 42 edición del Festival de Teatro de Badajoz.

CINE EN EL TEATRO

En el apartado de cine destaca el programa ‘El cine de una noche de verano’ en la terraza del López patrocinado por la Fundación CB en julio y agosto. Una de las novedades de 2019 es el inicio en marzo de la programación del Cine Club en el López organizado por la concejalía de Cultura del Ayuntamiento de Badajoz. Por otro lado, otra de las citas importantes será la celebración de la XXV edición del Festival Ibérico de Cine en la terraza durante el mes de julio. En total habrá más de 50 proyecciones cinematográficas.

El concurso de murgas del Carnaval de Badajoz como cada año elige el escenario del teatro para este evento que se desarrollará desde el 18 de febrero al 1 de marzo.

La terraza de verano del López de Ayala volverá a centrar las actividades de los meses de junio con la presencia de la cantante pacense Cira y el portugués Jorge Goes y en julio con otros conciertos al aire libre.

PROGRAMACIÓN MUSICAL

En cuanto a la música, resaltan nombres conocidos como Marlango que actuó en enero; el grupo extremeño Diván Du Don o Sidecars que actuarán en febrero; en marzo están previstos los conciertos de Paco Damas, El Kanka y Jorge Drexler; en abril Morgan, Puerto de Indias y el grupo malagueño Efecto Mariposa; para el mes de junio está prevista la gira de Carmen Boza en la presentación de La Caja Negra; el grupo extremeño Acetre presenta el 5 octubre un nuevo espectáculo y también será el mes para ver el musical ‘La llamada’ de Javier Ambrossi. En noviembre varios nombres encabezan la lista de conciertos. Por un lado, la celebración de la Semana de Santa Cecilia y por otro el espectáculo del cantante sevillano El Arrebato el 30 de noviembre. Estos se completan en diciembre con la presencia del grupo coral extremeño Furriones.

Forman parte también de este apartado citas importantes dentro del panorama musical como es la celebración durante el mes de mayo y junio del XXXVI Festival Ibérico de Música de Badajoz; el ciclo de Música Actual a lo largo del año; el Festival de Flamenco y Fado la primera semana de julio con el Teatro López de Ayala y el Auditorio Municipal Ricardo Carapeto como escenarios; el Festival Internacional Folklórico de Extremadura o la 32 edición del Festival Internacional de Jazz de Badajoz durante la segunda semana de noviembre. En otro apartado se encuentra la tradicional Gala Malabart que ofrece distintos espectáculos circenses también en noviembre.

El humor es también un apartado que tiene su espacio en el López de Ayala. El pasado 26 de enero se celebró ‘Noche de comedia’ con Txabi Franquesa, Tomás García e Iñaki Urrutia; Tony Rodríguez y Pepito El Caja estarán en la gala solidaria de la Asociación extremeña Dando C@lor el 26 de abril; el 11 de mayo el Monaguillo con ¿Solo lo veo yo?; en junio el Club de la Comedia; Faemino y Cansado tras llenar el teatro el pasado año vuelven en septiembre, esta vez con doble función el 13 y 14 de septiembre. Ese mismo mes también recala en Badajoz Juan Amodeo con ‘La máquina del tiempo’.

La magia tiene varios protagonistas: los extremeños Jorge Luengo con ‘Ensueños’ el 22 de marzo y Tony Bright el 5 de mayo.

Destacar en esta programación que la Banda Municipal de Música de Badajoz ofrecerá durante el año aproximadamente 20 conciertos los didácticos dedicados a los escolares, en otro apartado están los programados para los mayores o el que se conmemora el Día de la Mujer en marzo, además de otros de forma puntual como el dedicado a Disney con la presencia de la cantante Gisela el pasado 27 de enero. En cuanto a danza, hay previstas unas 21 actuaciones, parte de ellas de los festivales de las escuelas de danza de Badajoz que se celebra durante junio, el espectáculo flamenco de Jesús Ortega o los clásicos de El Cascanueces o El Lago de los Cisnes.

15 de noviembre de 2018
Antonio Najarro «El Ballet Nacional de España tiene que ser una compañía de referencia en el mundo»

Para ser uno de los mejores en el mundo en cualquier disciplina se tiene que ser muy exigente. A veces equivocamos exigencias profesionales con delirios de grandeza, y en este país, lo trapero, aquello que sale de un cuarto de los cabales sin previa delicadeza artística tiende a diluirse con el tiempo. No vale con cuatro palmas, un taconeo y un lance de furia de un faldón de terciopelo si queremos situar al flamenco en el mapa cultural universal que le debería corresponder. Ese escalafón tiene mimbres, raíces bien aferradas a lo largo de los años que en algunas ocasiones tienden a pedir auxilio, épocas yermas donde de la tierra flamenca no brotan beneficios endémicos. La bohemia debe de zurcirse con arte, bajo la batuta de profesionales con capacidad de liderazgo, con experiencia y visión vanguardistas. La ortodoxia del flamenco debe dejar un resquicio a la heterodoxia que artistas profesionales como Antonio Najarro y todo el cuerpo del Ballet Nacional de España llevan elaborando desde hace un lustro. Es el camino. Es la estrategia. Es la manera de colarnos por las fronteras y esparcir con elegancia el duende genético que tiene nuestra danza. Es cuestión de tiempo, de presupuesto, de voluntad y asepsia administrativa. Para ser referencia en el mundo necesitamos aplaudir cada paso, taconeo, castañeo, desplante, escobilleo, balanceo y braceo. Jalear la pasión del Ballet Nacional De España y dejarse llevar, como dice el propio director, por la potencia que transmite la danza española.

El Festival de Flamenco y Fado de Badajoz pone su granito de arena en esta lucha por llegar alto. Un escenario que recoge año tras año el testigo de dos músicas únicas y universales como son el Fado y el Flamenco. 2017 se abre con danza, un augurio con buenas vibraciones de esa expansión de nuestro arte en una frontera del mundo.

Zaguán y Alento ¿Qué vamos a poder ver bajo estos títulos?

Zaguán y Alento es un espectáculo formado por un programa con flamenco y vanguardia de danza española. Pretendemos que el público vea nuevos lenguajes, las nuevas formas técnicas que existen en la danza española, ese es uno de los motivos por el que traigo Alento, es un poco una combinación de lo que es tradición con el flamenco. Aunque son coreografías vanguardistas disponen de un enfoque puro y sustancial del flamenco tradicional aderezado eso sí, con elementos como el jazz, el blues, movimientos muy contemporáneos y alusiones a coreografías de aire americano

Esa mezcla la aporta Alento, ¿ Zaguán es un espectáculo más puro?

Zaguán es flamenco, son cuatro coreógrafos flamencos, la construcción es una suite flamenca con diferentes palos donde cada coreógrafo ha puesto su personalidad dentro del mundo flamenco. Esto no quiere decir que como son coreógrafos jóvenes los que he elegido, menos Blanca del Rey, no contengan movimientos un poco más moderno, más contemporáneos, pero lo que es el Ballet es más flamenco.

Desde esa perspectiva, donde la vanguardia tiene su espacio en el Ballet Nacional, el espectáculo cobra mucha más fuerza. El espacio escénico, la iluminación, el atrezzo o el vestuario tienen ahora un valor añadido en las obras…

…incluso los estilos de la danza en sí, de la danza española, que muy poca gente conoce. Se creen que el flamenco es la única danza que existe en el país, sin saber que existe un folclore riquísimo, pero hay una escuela bolera y una danza estilizada. Todo eso es lo que llevamos siempre en el programa del Ballet Nacional de España. El flamenco es una de las cuatro ramas de la danza española y aparte de eso, en todas las propuestas de nueva creación, lo que intento es que participen nuevos creadores de diferentes ámbitos, porque eso además de ser enriquecedor para el artista que colabora con nosotros, también abre mucho las puertas al Ballet Nacional a otras disciplinas. En el espectáculo Sorolla, toda la puesta en escena la ha hecho Franco Dragone, uno de los fundadores del Circo del Sol, todas la ideas, la cabeza creativa de Dragone está creado por él. Un artista vinculado con el circo y que no tiene que ver aparentemente nada con la danza española, pero que al final casa perfectamente con el ritmo y estructura del Ballet. Este tipo de colaboraciones proyecta con más fuerza nuestro Ballet Nacional fuera de España. Lo hacemos con todos los sectores artísticos que puedan aportar algo nuevo y atractivo a nuestros espectáculos como con la pintura, el cine o la fotografía.

Me hablas del espectáculo de Sorolla, aquí en el Festival de Flamenco y Fado de Badajoz, no existe espacio escénico para representar esa obra, pero Zaguán y Alento poseen la fuerza necesaria para conectar estas dos culturas ibéricas. Al respecto, ¿Qué percepción se lleva el público de otros países con un espectáculo flamenco como éste?

Para mí es muy importante que se lleven una percepción de que el flamenco también se puede ver en grandes espacios, aunque sea un estilo de baile concebido para desarrollarlo de manera individual o en pareja, actualmente el flamenco se puede coreografiar para un cuerpo de baile como el Ballet Nacional de España con 40 bailarines. Pero también me interesa que el espectador de otras culturas se lleve la visión de lo que ahora se hace en la danza, desgraciadamente los medios de comunicación no la exhiben mucho, y para el público que no es aficionado al flamenco no sabe realmente lo que se está cociendo en la danza española.

¿Y que se está cociendo en la danza española?

Actualmente la danza española está en una evolución increíble, a nivel estético, de energía, a nivel de arte es increíble. De hecho los bailarines del Ballet Nacional de España tienen una técnica arrolladora, te pueden defender cualquier estilo de danza.

“Se creen que el flamenco es la única danza que existe en el país, sin saber que existe un folclore riquísimo, pero hay una escuela bolera y una danza estilizada”

En Extremadura existe una cantera de pequeños bailarines importante. Las escuelas de baile y danza y academias de flamenco copan las actividades de las niñas y niños de la región sin lugar a dudas, fútbol mediante. Pero luego, cuando acceden a una etapa más adulta se disipa la efervescencia de la etapa infantil… ¿Qué falla en la danza flamenca para que no continúe la pasión con edades adultas en nuestro propio país?

Nosotros sentimos que ha aumentado, con nuestras actividades, en las representaciones familiares con padres e hijos, con las visitas a colegios, con la publicación de libros para niños del Ballet Nacional, con el lanzamiento en breve de un videojuego de danza española, un acercamiento del público joven, pero queda mucho realizar para cultivar y educar desde la base.

¿Por qué no sabemos “exportar” nuestra danza como un rasgo propio de nuestra cultura?

No solo de la danza, en términos generales en nuestro país todavía no nos hemos dado cuenta de que la cultura que podemos exportar es una fuente de ingresos muy importante, no tenemos la capacidad de desarrollar y promocionar el arte y la cultura como se hace en otros países. Francia te vende todo y encima lo hace muy bien, vende su danza, su gastronomía, su cine, lo exporta todo, porque le sacan partido a ello y el resto del mundo lo consume. España podría hacer lo mismo con el flamenco y la danza española, sólo con darle un enfoque mucho más amplio del que nosotros, con muchísimo esfuerzo de manera autónoma aunque seamos una compañía estatal, estamos dando con nuestras ideas y proyecciones artísticas. Podríamos ser un exhibidor de cultura mucho más potente y para eso lo principal es la comunicación. Si el propio español no lo sabe, no tiene una referencia de lo que se hace en este ámbito, jamás podremos creer en ello y exportar cultura. No es solo una queja del abandono a la danza, es algo más profundo, necesitamos un eco comunicativo para que el público se interese, acuda al teatro, para el programador o director del teatro se interese en programar danza, se trata de una cadena.

“En nuestro país todavía no nos hemos dado cuenta de que la cultura que podemos exportar es una fuente de ingresos muy importante, no tenemos la capacidad de desarrollar y promocionar el arte y la cultura como se hace en otros países”

El IVA cultural tampoco ha ayudado mucho… Según el último anuario de la SGAE que permite comparar 2012 con 2015, el dato más cercano disponible y el resultado es una reducción en todos los sectores y los apartados… 565 espectáculos de danza menos, de 2.633 a 2.068.

Es una cifra bestial. Debemos revisar este tipo de cosas que tanto pasan factura a la cultura del país. Y sobre todo una disciplina tan frágil como la danza.

Antonio, sabes de primera mano de las dificultades que entraña llevar a cabo un proyecto empresarial, ¿Te ha ayudado para darle más valor a este Ballet Nacional?

Yo comencé en el año 2000 y la compañía estaba compuesta por 28 personas, una compañía grande para ser un proyecto novel, y yo me dejé todo. Me dejé todo el dinero que me había ganado en el Ballet Nacional como bailarín, mi madre hacía de costurera, modista y asesora, yo hacía la prensa, la distribución, viaja para conocer promotores, tuve que aprender idiomas para poder vender a todo el mundo mi compañía y eso fue muy duro. Años que donde no se veía ningún tipo de ganancias pero que hizo que supiera de primera mano cómo funciona la danza. Con el tiempo pude darme a conocer y ser consciente de la dificultad que genera un proyecto empresarial, y esa trayectoria hace que valore con más nitidez la labor de las 90 personas que componen el Ballet Nacional de España como director. Ser director con 35 años es fruto de esta experiencia personal previa.

El año que viene el Ballet Nacional de España cumple 40 años, y seguramente que ya estáis preparando alguna producción para este aniversario ¿Cómo gestionáis los diferentes espectáculos a lo largo de las temporadas?

Cada año hacemos una producción, un espectáculo nuevo que es una movida muy grande, ya que supone vestir a 40 bailarines, preparar música que generalmente son orquestadas, diseñar la coreografía, concepto, ideas…y todo eso hay que compaginarlo con las giras que ya tenemos. Todos estos espectáculos están a la carta para que los programadores y directores de teatros y festivales elijan el espectáculo que mejor encaje para su espacio, público, evento, y cultura.

“Ser director con 35 años es fruto de esta experiencia personal previa”

Llevas cinco años al frente de Ballet Nacional y ahora te han renovado otros tres años, ¿Esa posibilidad de manejar tiempos más dilatados como director favorece una producción más elaborada, pensada a medio plazo y con mayor estabilidad y criterio para hacer esquipo?

Es muy importante contar con esta estabilidad, yo en estos cinco años le he dado la vuelta al Ballet Nacional a base de introducir vanguardias sin perder la esencia flamenca. Han sido cinco años de muchísimo trabajo pero que me ha dado muchísima satisfacción, cumpliendo los objetivos marcados de inicio. Pero aún queda mucho por hacer, el Ballet Nacional de España tiene que ser una compañía de referencia en el mundo. Que sea reconocible en todo el mundo.

“En estos cinco años le he dado la vuelta al Ballet Nacional a base de introducir vanguardias sin perder la esencia flamenca”

El año pasado hube un plante en forma de huelga de los bailarines por las condiciones económicas de sus contratos anuales ¿Ya se ha solucionado este tema?

Fue una decisión muy dura en una época muy dura. Los bailarines del Ballet Nacional son bailarines de élite que se merecen mejores sueldos, recordemos que yo estoy en medio ya que yo no soy quien los contrata ni marcan sus salarios, lo que sí es muy importe es encontrar la forma, una fórmula muy bien elaborada, dialogada y en un momento en el que el país lo pueda asumir. Cuando ellos hicieron la huelga no había ni gobierno y desgraciadamente no dio fruto para nada.

Entrevista. Willy López | Fotografía. Félix Méndez

24 de febrero de 2018
Raimundo Amador «En el mejor momento de su vida…Hendrix mediante»

Extraemos el disco de Veneno de la estantería, El Pueblo Guapeao, un disco fantasma en palabras de Kiko Veneno, que no tenía que haber salido, con una sola canción mezclada, Palabras para Julia. El resto de canciones se metieron al voleo, en una noche sin ninguna base…un disco meramente prescindible. Lo sacamos para ver las caras de Kiko y Raimundo Amador, los componentes de la banda. Kiko, y como comprobamos en su último concierto en el Mercantil, mantiene la mismas facciones, mismo flequillo cano, mismo gesto de boca contraída. Raimundo también es el mismo, algo menos Jimi Hendrix, pero el mismo, más de treinta años después, la idéntica sonrisa burlona y su bigotín rasurado medio meñique por debajo de la nariz, el guiño latinoamericano del guitarrista sevillano. Sólo coincidían en una cosa, los dos llevan calcetines blancos, como el mechero blanco que pierden en la canción.

Raimundo Amador se cerciora de que le dan una buena habitación, un antiguo road manager se quedaba con la mejor hasta que le dieron boleto al enterarse. Amador no quiere la mejor habitación, sólo quiere dormir en la mejor cama, viene del tirón desde Valencia, y sin parar a la prueba de sonido, una prueba de más de una hora con 37º sobre el tejado azul de la ciudad de Badajoz. Necesita que sus guitarras descansen. El cierre del Festival de Flamenco y Fado lo merece. Es la hora de las cañas y Raimundo se pide una botella de agua, hace tiempo, nos dice, que disfruta más, es más consciente de sus bolos. El Mundi, su hijo y batería de la banda, le pide unas monedas para sacar tabaco. Su hijo y el resto de la banda llevan chancas, Raimundo calcetines blancos.

Badajoz, Raimundo, tu pequeña Sevilla…

Tú sabes que nosotros sacamos un disco con Pata Negra, Rock Gitano, con el tema Badajoz…pero ¿Sabías que de ahí sacaron el el Djobi djoba, los Gispy Kings? Al tema de Badajoz, le metimos el ovi, ova, que cada día te quiero más, para homenajear a los tangos extremeños. Tenemos mucho contacto con la Kaita, es una gozada tenerla a mi lado cuando coincido con ella. Siempre hemos tenido mucho feeling con esta tierra, es nuestra frontera gitana.

¿Cómo está el panorama?

Llevo mucho tiempo en esto. Empecé pasando el platillo desde muy enano, y hemos tenido que luchar mucho…¡Cómo todo en la vida!…pero la música ahora está muy “engañiza”, y mira que no quiero dar tanta brasa, pero hay que asumir que en este momento hay cosas buenas y cosas horribles, hay que saber lo que es fusión flamenca y lo que no. Yo no tengo la culpa de que la gente tenga tanta cara de apuntarse tantos con una mierda de música. Hay que tener muy poco respeto para chulear el arte del flamenco, el blues y la fusión de ambas.

¿Y eso os pasa factura a vosotros?

Duele, y sobre todo en el bolsillo. Nosotros nos mantenemos, aportando la calidad que creemos que necesita el panorama musical, y luego están los oportunistas que rascan sin saber tocar una nota. Somos felices así, luchando, disfrutando y haciendo disfrutar al público sobre el escenario pero me pongo de morros porque mucha gente está engañada. Ahora lo que vale es lo que se vende, independientemente de si lo que más se vende es bueno o malo. Esa gente se llevan los Grammys, los gramos y todo…[Ríe].

¿Y esa sensación no existía ya de antes?

Lo que había antes era diferente, me da la sensación de que había cosas más auténticas. Y sólo desde un cacho del sur de España te puedo decir Camarón, Veneno, De Lucía, Pata Negra, Tabletom y mucha gente más…Las Grecas, los Chichos… y ahora también cosas auténticas…pero como el tema qué salve el que pueda. Que cada uno piense si se ha salvado o no…

¿Tú te has salvado?

…[Ríe]…yo pienso que me he salvado. Ahora estoy fuerte, estoy bien, me siento en el mejor momento de mi vida, saboreando todos los años de aprendizaje y tomándome las cosas con la calma necesaria.

Lo que había antes era diferente, me da la sensación de que había cosas más auténticas

Raimundo, eres un virtuoso y eso ayuda…

¡No por Dios! Yo no me considero un virtuoso, cuando tocas se te van los dedos y eso no quiere decir que seas virtuoso, cuando tocas sencillo, sientes lo que tocas, es cuando más me gusta, las notas me dicen mucho más y eso está lejos, creo yo, del virtuosismo. Los rafagazos con la guitarra necesitan tener su pausa para darte el gusto d apreciar la buena música.

The Beatles, el summertime de Gershwin, Hendrix…¡Tocáis todo tipo de género!

Sí, además de mis temas, es normal mete temas de Kiko Veneno, B.B. King, incluso en el mismo tema de blues hago una rafagilla de Paco de Lucía, de Montoyas y Tarantos, y así hasta que nos cansemos…[Ríe].

A parte de Hendrix ¿Quién te metió en vena el toque con la guitarra?

Manuel Molina me dijo una vez, que el día que me olvidase de tocar, o intentar acercarme a Paco de Lucía, sacaría mi verdadero estilo, sería yo mismo. Al principio me mosqueé un poco pero al poco lo entendí. Dejé de escucharlo tela de años y salió el sello Raimundo Amador. Esa es mi base.

Hemos hablado de esa parte de Pata Negra, de esos años locos y de productividad casi lisérgica de Sevilla, con Ricardo Pachón como productor, pero hay un momento clave en la música a todos los niveles de la cuál formaste parte; La leyenda del tiempo de Camarón de la isla.

Estuvimos unos cuantos, Tomatito, Alameda, Dolores, Kiko…en aquel momento Camarón quedó libre con Paco de Lucía y se inventó que tenía que hacer un disco más comprometido. Él decía que cantar puro ya sabía, que había que hacer cosas nuevas para conocerse mejor. Kiko Veneno y Ricardo Pachón gestaron la base de todo, con las canciones y adaptaciones. Es gracioso como Kiko, que canta regular, le proponía la melodía y como Camarón después la convertía en obra maestra. Fue una producción y grabación larga, un año y pico y como un mes de grabaciones. Cuando se estaba terminando la elaboración del disco yo me casé y de luna de miel me fui a los últimos ensayos de Camarón en Umbrete. Esa fue mi viaje de casado…[Ríe]. Por entonces tenía solo 19 añitos, y ella 17 años.

Es curiosa la historia de fracasos que luego fueron obras maestras como La leyenda del tiempo y canciones como Dame Veneno, que grabaste tú y fue un fracaso y después lanzaron a la fama Los Chunguitos con ese mismo tema.

El otro día estuve con el compositor sevillano de esta canción, el Dame veneno lo grabamos en la Columbia, allí grabé dos discos con los que gané dos mil pesetas…[Ríe]a talego por single. El tema no lo escuchó nadie y no tuvo la más mínima atención, pero después lo grabaron Los Chunguitos y pegó que no veas. Vendieron más de 50.000 discos…¡Cuando se compraban discos!, y eso sin contar como se pasaba esa canción por cassette entre los gitanitos.

Manuel Molina (Lole y Manyel) me dijo una vez, que el día que me olvidase de tocar, o intentar acercarme a Paco de Lucía, sacaría mi verdadero estilo, sería yo mismo

Guitarrista, cantante, compositor y arreglista. Eso pone internet cuando tecleamos Raimundo Amador…¿Ese es el orden?

…[Ríe]…lo que no soy es cantante, porque somos trovadores, cantante era Fredie Mercury, Robert Plant o Ian Gillan. Los trovadores son otros, como Bob Dylan, los chicos de los Delinqüentes.

Suponemos que disfrutas de todos los colegas de profesión…Pat Metheny por ejemplo.

Me encanta, pero sentado ¡Eh¡… a mí me encanta, es el Sebastian Bach de este siglo. John Scotfield, de la misma quinta me divierte más. Me acuerdo un día que me lleve al Mundi, que era muy chiquitito y se me quedo dormido, lo tuve que coger en brazo. Cuando me lo llevé a ver a Johnny Winter el niño botaba…[Ríe].

Todavía, en lo que llevamos de entrevista, creo que no has nombrado a Jimi Hendrix…

…[Ríe]…Ese es el culpable de todo. El tipo que me hizo guitarrista. Yo había escuchado lo buena que era y tal y me cruce con una cinta en el coche de un amigo mío de Hendrix. Me acuerdo perfectamente que pongo el cassette y salta el Red House del bestia y me volví loco. Iba a las peluquerías para que me echaran tres kilos de laca, sólo me quedaba meter los dedos en los enchufes para parecerme a él…[Ríe]…y me hice hippie. Pero es curioso porque cada día, aún, me tiene más loco.

Pasamos de tu musa a otra protagonista musical muy peculiar, Björk.

Eso fue algo muy bueno. Éramos de la misma discográfica y ella pidió un guitarrista flamenco y me llamaron. No querían un guitarrista muy ortodoxo para que ella se pudiera adaptar. Yo y Kiko estábamos muy fans de los Sugar Cubes, enamoraos de su música y de la cantante…¡Que no se entere mi mujer! [Ríe]…tenía un rollo muy salao, no era guapa ni na pero la forma de cantar, las hechurillas de ella…y lo primero que hice cuando me llamaron fue llamar a Kiko…[Ríe]

Estuvimos unos cuantos en La leyenda del tiempo, Tomatito, Alameda, Dolores, Kiko…en aquel momento Camarón quedó libre con Paco de Lucía y se inventó que tenía que hacer un disco más comprometido

¿Qué importante es para ti el peso de la banda en los conciertos?

Mucho, puedo hacer bolos yo sólo pero entre amigos, en ocasiones especiales, necesito a mis músicos para poder dejar la guitarra, desconectar, no trabucarme y sentirme más seguro. El grupo es muy bueno, tengo mucha suerte y hasta tengo a mi hijo de batería. No se pude pedir más. Los grandes llevan muy buenos músicos, parecen que no están, una capita detrás, pero están y de qué manera. David Lindley, el de El Rayo-X lo hace, o Neil Young que lleva unos bichos, están muy bien las jam session y esos rollos, pero lo que verdaderamente hay que hacer son canciones. Y la banda hace mucho para que esas canciones suenen bien.

Entrevista. Willy López | Fotografía. Félix Méndez

12 de enero de 2018
Chaínho «50 años extrayendo el alma del fado con la guitarra»

Hace 50 años de las ventanas de las casas portuguesas se escapaba un ligero arrullo, una voz particular, femenia muchas veces, la de la gran Amália Rodrigues, Ai mouraria da velha Rua da Palma, onde eu um dia deixei presa a minha alma por ter pasado mesmo a meu lado certo fadista de cor morena, boca pequeña e olhar trocista, otras veces el fabuloso Alfredo Marceneiro, con su voz escondida, triste y sufrida, Mocita dos caracóis não me deixes minha querida, não ouves os rouxinóis a cantarem como heróis, a história da nossa vida. La historia del fado tiene varios focos, el más potente, el de Lisboa, construida en cuestas y bajadas, alimentadas por el ruido de los tranvías a su paso por los raíles, ondulantes y escondidas, un plano cartográfico musical de la composición, letra y música de un fado. Por allí se cuelas el silbido característico de la guitarra portuguesa, y sobre todo la de un adoptado de Grândola, la guitarra de Antonio Chaínho.

Recordábamos con Camané que en Lisboa, en el barrio de Mouraria, hace veinticinco años únicamente se escuchaba el fado en las desvencijadas radios de las casas de dos plantas que sostienen el castillo de San Jorge. Las casas de fados nutrían a turistas y los nuevos artistas anhelaban la nostalgia que exhalaba Amália Rodrigues, esa voz, hacía tiempo que ya sólo corría entre las estrechas calles a ritmo lento, a golpe de pilas desgastadas. Viola, guitarra y voz. No se necesitaba más para ver crecer a nuevos autores en Portugal. Hijos, nietos y bisnietos de fadistas identificaron el nuevo panorama cultural con un fado que ha sabido solaparse con un público más exigente. El fado pasa de Marceneiro a Camané, de Amalia a Mariza a golpe de una saudade algo menos melancólica. Los discos de vinilo recuerdan la memoria del pasado, las tascan con un estilo más actual, mismo vino y buen fado.

En el Festival de Flamenco y Fado de 2018 se le hace un homenaje a sus 50 años a través del cien, un documental que forma parte del programa de actividades de este festival de frontera.

Entre las letras de fado hay una que reza que ser fadista é triste sorte pero Pessoa escribía que «El fado no es alegre ni triste…formó el alma portuguesa cuando no existía y deseaba todo sin tener fuerza para desearlo…el fado es la fatiga del alma fuerte, el mirar de desprecio de Portugal al Dios en que creyó y que también le abandonó». En esa alma, la fatiga la marcan los dedos de artistas como Antonio Chaínho, dedos con la triste suerte de hacernos llorar a través de las doce cuerdas de una guitarra portuguesa.

53 años tocando la guitarra para el fado…

…Con seis y siete años ya comencé a tocar de manera autodidacta. La guitarra era más alta que yo…[Ríe]…mi padre me tuvo que comprar una guitarra más pequeña a los nueve años.Me enamoré verdaderamente del fado cuando Amalia Rodrigues comenzó a cantar fados de manera diferente. Los fados ya tenían su tradición, el fado corrido, el fado menor, fado Mouraria…y uno de los mejores compositores del fado, Frederico Valério, un gran músico portugués, fue el que inspiró la voz de Amalia sacando un disco muy avanzado para su tiempo. Tenía otro tipo de armonía, como dice el estudioso del fado, Rui Vieira, la trayectoria musical de Valério se cruzó con el de Amália Rodrigues, para quien compuso algunos de sus mayores éxitos de este período – Fado do ciúme, Ai Mouraria, Fado Malhoa e Que Deus me perdoe, entre otros. Federico Valério está a la vanguardia de la aparición del llamado Fado moderno, también llamado Fado Canción, «un sub-género que los puristas del medio fadista comenzarán por repudiar como espurio pero que muchos de los fadistas más reputados no vacilarán en adoptar para sus repertorios. Mi padre tocaba algo la guitarra en un café y con la llegada de este nuevo fado, aunque era complicado tocar, era bastante más atractivo para mi gusto.

Suponemos que era una época dura para Portugal ¿Cómo se accediste a tocar fado de manera profesional?

Antes había muchos programas fado en la radio pero al menos en mi localidad no existían locales de fado. Yo pude grabar un disco allí pero fui verdaderamente un guitarrista profesional cuando tuve que hacer el servicio militar, y tras pasar por Beja fui a Lisboa por un mes. Desde allí nos fuimos a Mozambique para terminar el servicio durante dos años y fue en este país colonial donde tuve el primer verdadero contacto con la música. Allí tocaba mucho y pude conocer nuevos ritmos que me enriquecieron. Y a la vuela muchos compañeros de tropa me recomendaron quedarme en Lisboa para seguir creciendo musicalmente hablando.

Y Antonio, ¿en Lisboa como te buscas la vida?

Tuve la suerte de conocer a la compañía de Carlos do Carmo durante muchos años, una compañía donde pasaron los mejores cantantes de fados. Tras pasar cinco años con Carlos do Carmo lo deje todo para realizar mi trabajo personal, estoy hablando de mis 27 años.

¡Fuiste muy valiente con esa decisión!

Mi gran preocupación por entonces era abrir una escuela de guitarra, era lo más importante para mí en ese momento. Recuerdo que en una entrevista en un diario en Portugal decía que la guitarra portuguesa iba a morir, estaba acabada…por que los profesionales no avanzaban, no había competencia, sólo tocaban en casas de fado y fue cuando yo percibí que este gran instrumento necesita evolucionar.

¿Esas declaraciones tuvieron que ver con el fallecimiento de Amália Rodrigues?

Cuando Amália murió todos querían ser Amália…[Ríe]…y fue cuando tuvimos la suerte de que apareció Mariza, aparece en una fase que necesitaba un cambio. Ayudaron con el tiempo fadistas como Ana Moura o Carminho. En Portugal decimos a fadista para referirnos a gente virtuosa que juega con la voz como ellas.

¿Qué hace que sea particular la guitarra portuguesa?

Nosotros tenemos la guitarra de Coimbra con ciertas diferencias con la guitarra de Lisboa, con la escala más comprimida y las cuerdas más gruesas por ejemplo, con un sonido que contiene un tono más bajo. Muchos guitarristas de Coimbra no son capaces de tocar la guitarra de Lisboa…[Ríe]…mientras que nosotros sí tocamos todo.

¿Qué influencias tienes de nuestra guitarra?

Recuerdo en el año 1985 que coincidí con Paco de Lucía y me dijo: Antonio, tú tienes que hacer lo mismo que nosotros en España, sacar a cantar, a bailar y actuar a toda la familia…[Ríe]…en esos ratos con el maestro de Lucía tuve conversaciones que me vinieron muy bien para reconocer a talentos en la Escuela de Guitarra.

¿Qué supone tocar en la frontera entre España y Portugal, en Badajoz?

Yo grabé un disco en la India, en Brasil, toqué con la Orquesta Sinfónica de Londres, con directores de cine como John Williams o figuras como Paco de Lucía, Paco Peña o Kepa Junquera, y es que lo más bello de todo esto es que la música es universal, nos hace músicos mejores el hecho de tocar en todo el mundo. El contacto con la frontera es algo especial, aúna raíces entre hermanos.

Entrevista. Willy López | Fotografía. Félix Méndez

9 de enero de 2018
Camané «El príncipe del fado»

En Lisboa, en el barrio de Mouraria, hace veinticinco años únicamente se escuchaba el fado en las desvencijadas radios de las casas de dos plantas que sostienen el castillo de San Jorge. Las casas de fados nutrían a turistas y los nuevos artistas anhelaban la nostalgia que exhalaba Amalia Rodrigues, esa voz, hacía tiempo que ya sólo corría entre las estrechas calles a ritmo lento, a golpe de pilas desgastadas. Viola, guitarra y voz. No se necesitaba más para ver crecer a nuevos autores en Portugal. Hijos, nietos y bisnietos de fadistas identificaron el nuevo panorama cultural con un fado que ha sabido solaparse con un público más exigente. El fado pasa de Marceneiro a Camané, de Amalia a Misia a golpe de una saudade algo menos melancólica. Los discos de vinilo recuerdan la memoria del pasado, las tascan con un estilo más actual, mismo vino y buen fado.

Es ahora, tras ese limbo musical fadista, cuando los medios de comunicación dan espacio a la canción lisboeta, vibrando de una coetaneidad inusual; escenarios de fado en Festivales de rock; compartir Enjoy the silence de Depeche Mode con Escrevi tuo nome no vento de Carminho en el mismo cartel; algo así como escuchar a AC/DC y después a Diego el Cigala sin cambiar de luces y público en festivales españoles.

Pessoa escribía «El fado no es alegre ni triste…formó el alma portuguesa cuando no existía y deseaba todo sin tener fuerza para desearlo…el fado es la fatiga del alma fuerte, el mirar de desprecio de Portugal al Dios en que creyó y que también le abandonó».

Un alma fuerte, la de Camané, nos relata su experiencia, una especie de biopic de los últimos treinta años del fado, que con voz triste, mirada alegre y presencia elegante ha luchado por no abandonar el fado, de no dejarlo a la deriva… a pesar de que sopram ventos adversos.

¿Qué podemos escuchar si sacamos una entrada para disfrutar de tu música?

Suelo tener un repertorio de las canciones que han marcado mi vida como autor y sobre todo estoy cantando también temas de mi último disco, Infinito Presente.

Has comentado en alguna ocasión, sobre todo, con la recopilación de tus grandes éxitos, que no te gusta escucharte…

…no me gusta, es un problema de la profesión, porque cuando me escucho, siento y percibo una gran cantidad de dudas, creo que se puede hacer mejor, no disfruto de las partes que están bien cantadas. Es por eso por lo que disfruto de los conciertos, me dan la posibilidad de mejorar y añadir algo a mi trabajo.

Desde ese perfeccionismo, y llegando a decir que fado es como el café, que si se le añade leche ya no es café… ¿Cómo podrías definir el fado?

El fado tiene una sonoridad muy característica, como posee el flamenco, con rasgos diferentes pero con elementos muy identificativos en el momento justo de sentirla, con aromas españoles y portugueses. En el fado es muy importante su característica forma de ser cantado y también de su especial rasgo musical instrumental.

El fado es una música que nace y crece en Lisboa…

…el fado es una música urbana de Lisboa pero creo que cuando añades algún elemento no fadista pierde esa esencia pura. Es importante mantener esa característica. Nace, crece y muere en Lisboa, pero el fado es universal.

Nace, crece y muere en Lisboa, pero el fado es universal

Existe otra característica del fado, a la que el musicólogo Rui Vieira Nery hacía mención en unos de su obras sobre esta música, en la que escribía que el fado no sólo es cantar fado, hay que saber expresarlo, interpretarlo…y tú, Camané, dedicas gran parte de tu espectáculo a darnos esa elegante y particular interpretación…

…es vital. La forma de vestir, el traje, el estilo, lo utilizo para no pensar justamente como voy vestido. Cuando escuchas a un cantante de fado no puedes estar pesando en su identificación visual, las palabras deben cobrar vida con esa interpretación. Es muy importante que viertas tu vida en las historias que narra el fado. El fado es para escuchar dulcemente, para sentir de una manera tranquila.

La tendencia general sobre el fado es la de un concepto nostálgico, lleno de tristeza, pero en festivales como este de Badajoz vemos cada año, que existe mucha viveza detrás de esta música, con intérpretes como Mariza, Carminho o Gisela

El fado habla de todo, de tristeza, alegría, de todos los sentimientos…cuenta lo mismo que todas las músicas del mundo, y con el amor de telón de fondo, todas las músicas del mundo son algo dramáticas. La alegría no se gestiona, la tristeza sí, es una especia de catarsis que hace sentir esos recuerdos tristes y a la vez te aporta alegría.

En España asimilamos al fado con voz femenina, quizá Amalia Rodrigues ha tenido mucho que ver…

…puede ser que a la muerte de Amalia, comenzaron a despuntar mujeres que querían cantar fado como ella. Pero curiosamente el fado es una música que comenzaron a cantar los hombres, por tanto el fado no tiene sexo, es de hombres y mujeres.

Es muy importante que viertas tu vida en las historias que narra el fado. El fado es para escuchar dulcemente, para sentir de una manera tranquila

¿En qué momento de tu vida te sientes verdaderamente fadista?

Yo empecé a cantar profesionalmente con 18 años. Hace 32 años, pero ya con 10 años sentí que podía cantar fado, y tuve la suerte de crecer con la música. Siempre que canto otro estilo musical, por mi forma de cantar no consigo liberarme del fado. Cuando cantaba con los amigos, temas de rock o pop, me decían que siempre lo hacía con punto de fadista. Es algo que, supongo, llevas dentro desde muy pequeño. Hace muy poco hemos hecho un homenaje a David Bowie, con el disco Bowie 70 colabortando con Ana Moura, Antonio Zambujo o Tiago Bettencourt entre otros, y cantando Space Oddity se percibe enseguida que es mi voz…[Ríe]…no puedo quitarme mi alma fadista.

Pero no sólo te gusta el fado, también tienes mucho de jazz, de blues, hasta te consideran un crooner portugués…

Los cantantes de fado son muy parecidos a los crooners, porque poseen el mismo sentido del fraseado, de la palabra, los mismos silencios en la música, es una forma muy parecida de interpretar la música.

El guitarrista Antonio Chainho nos decía que para él interpretar Fado menor era lo más emocionante…¿Qué canción te pasa factura en los conciertos?

¿Sabías que mi primer disco lo produjo Antonio Chainho con 12 años? A Alma Jovem Do Fado. Fado menor es muy simple pero tiene una expresión y una personalidad musical fantástica. Existen muchos temas que me emocionarán toda la vida, los fados de Marceneiro por ejemplo.

Con mi primer disco en el 1995 me acuerdo que hicimos 28 conciertos fuera de Portugal y solamente dimos dos conciertos en nuestro país

Comentas que escuchas mucha música española, ¿Qué tipo de artistas tienes como referencia?

Conozco más música española que los españoles música portuguesa…[Ríe]…escucho mucho flamenco, grupos actuales, un poco de todo. Colaboro y actúo mucho en España y debo estar al día.

En el disco recopilatorio O melhor 1995-2013, no aparece una canción maravillosa y que resulta extraña no verla entre las mejores, como es Sopram ventos adversos…

…es una canción muy fuerte, muy bonita pero no es un fado. Es una canción transformada al fado, por mi característica voz y por mis músicos fadistas transformándola en algo que no fue escrita para este estilo musical. Es una canción de mi productor y músico, José Mário Branco, que también se ha convertido en rock con músicos de Estados Unidos. Es una canción inspirada en jazz, pero habla de algo muy trágico.

Para finalizar Camané, ¿Cómo está la cultura, las artes, la música en Portugal?

Está bien…pienso que pasa en todos los sitios, hay cosas que se están haciendo bien y cosas que se están haciendo muy mal. Pienso que el fado, al menos, la cosa está mejorando, cuando yo empecé a cantar fado, con mi primer disco en el 1995 con la discográfica EMI, me acuerdo que hicimos 28 conciertos fuera de Portugal y solamente dimos dos conciertos en nuestro país. A partir de ese disco y con Na linha da vida en el 1998, todo fue a mejor, dentro de Portugal, ya que los periodistas eran coetáneos a mí y empezaron a interesarse por mi trabajo e incluso comencé a ganar premios de periódicos especialistas en rock…[Ríe]…pero sobre todo, el vuelco viene con la muerte de Amalia Rodrigues a finales del 1999, donde aparecieron jóvenes mujeres fadistas , con voces muy particulares como Carminho, Mariza o Ana Moura. De esta manera podemos decir que las cosas fueron a mejor.

Entrevista. Willy López | Fotografía. Félix Méndez

15 de junio de 2017