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«Improvisando con Fred Hersch en un Festival de Jazz»

No solo se improvisa en el jazz. Los acordes y desacordes también se producen en el periodismo y cuando las cosas no salen dadas… ¡Platillo al aire y plas! Artículo improvisado. Un riff del fotógrafo en las pruebas de sonido de Fred Hersch, un «solo» del redactor ante su teclado a lo Lee Konitz y Thelonius Monk en la maquetación de la editorial.

Nuestro trabajo es así. Dependemos de las ganas que tenga Leo Bassi de estallar excremento en su cara, de esperar a que se caliente un teatro de seiscientas noventa butacas con una pavesa del brasero de picón o de improvisar “Valentine” con algo de jamón en el estómago.

Walt Whitman escribía “Si no das conmigo al principio, no te desanimes. / Si no me encuentras en un lugar, busca en otro. / En algún sitio te estaré esperando”. «Hojas de hierba» a las que hace referencia el pianista Fred Hersch, algunas de las palabras más importantes de la literatura americana, comenta el pianista norteamericano, poemas que han inspirado su proyecto «Leaves of Grass» y su experiencia como músico de jazz homosexual y VIH-positivo, el otro poeta del jazz.

El Village Vanguard de Nueva York fue la segunda vida de un acorde rebelde, el momento de volver a tocar tras un coma y la paralización de parte de su cuerpo. Aprender de nuevo y sentir las yemas de los dedos sobre las teclas blancas y negras del piano del legendario club de jazz. Fred destaca un disco entre miles, lo saca al vuelo y dice; Una noche en el Village Vanguard de Sonny Rollins. Una portada del sello Blue Note, Rollins con gafas negras, boca media abierta para soplar el saxo y un virado en violeta. Si quieres saber lo que es jazz debes escuchar este disco.

El trío llega a Badajoz, Eric McPherson a la batería, aplausos, John Hébert al contrabajo, aplausos y Fred Hersch al piano, más aplausos. Ensayan, calientan, solicitan, prueban, conversan, sonido, luces y cena. Todo listo para pasar una noche al estilo Village Vanguard en el 30 Festival Internacional de Jazz de Badajoz. El público, fiel y conocedor del disco de Sonny Rollins, no improvisa y llega puntual. Eso de hacer esperar no es nada elegante.

No había jazz en mi vida hasta que tenía 17 o 18 años. En plena basura tropecé por casualidad con el jazz, con un club de jazz, comenta Fred…improvisando en la vida y en el periodismo.

“En cierta ocasión, terminada la jam session, cuando ya me había retirado a mi casa a dormir, fíjate que oí llamar a mi puerta. Me levanté y fui a abrir con los ojos cargados de sueño, más furioso que un hijoputa [sic.]. Abrí la puerta, y allí estaban plantados J. J. Johnson y Benny Carter, cada uno con lápiz y papel en las manos. Les pregunté: «¿Qué queréis a esta hora de la mañana, hijoputas?»

J. J. dijo «“Confirmation”. Miles, cántame Confirmation. Tararéala.»

Poco antes, J. J. y yo habíamos estado improvisando sobre Confirmation en la jam session. Ahora pretendía oírmela tararear. Pues bien, se la tarareé medio dormido, en clave de fa. Así es cómo estaba escrita. Luego J. J. me dijo: «Pero, Miles, te has saltado una nota. ¿Dónde está la otra nota de la melodía?»” (Davis y Troupe 1991, 63).

Texto. Willy López | Fotografía. Félix Méndez

10 de junio de 2017
María Barranco «Amantes y dementes en el vodevil tragicómico de Plauto»

Amantes, dementes. Sentencia categórica, casi dogma de fe, frase, consigna y testaferro de aquello que mueve las entrañas del mundo; el amor, esa cosa que hace florecer las mentiras y resucitar las verbenas tragicómicas de Plauto. Virgilio, el machista y poeta romano era más de la vieja escuela, el amor conquista todas las cosas…y punto. Ovidio, algo más palmario y guasón decía que todo amante es un soldado en guerra.

La comedia de las mentiras, la obra que se representa en el Festival de Teatro Clásico de Mérida, se aproxima más a esa última afirmación. Una guerra, la de los amantes, donde las mentiras, son las minas que cuajan los campos de cada batallón. En esa frontera se dirime el texto de Pep Anton Gómez y Sergi Pompermayer, el fuego alcanza territorio sagrado y se olvida la arena del teatro. Una mudanza de muebles de estilo scandi nordic para decorar las columnas romanas. Es ahí donde el vodevil grecolatino adquiere su aire fresco y se nutre de la plaza de la Cebada.

Pasan delante los protagonistas, dispuestos, simpáticos y cercanos; Pep Anton Gómez, Pepón Nieto, Paco Tous, Angie Fernández, Canco, Raúl Jiménez, Marta Guerras y una de las amantes dementes, la actriz que hace que la obra posea un deje particular y aporte un sabor más allá de un ataque de nervios, María Barranco.

De fondo estridulan las chicharras.

¿Cántara?

Cántara es una mujer que ha sido despechada por un hombre cuando era muy jovencita, se lo toma a la tremenda y decide que no pondrá nunca más un hombre en su vida. Así se pasa cuarenta años, cuarenta años doloridos, de avinagrada y amargada pero por las cosas del destino encuentra a un amor, a un joven, pero dentro de la mentira que rodea a esa sensación, reaparece su amante de cuando joven.

Mentiras y paso del tiempo…

…Claro, y después de tanto tiempo, le dan un cariño y la vida cambia para Cántara, empieza a sonreír, a ser una mujer más divertida, con mucha ironía y un punto ingenuo. Es un personaje para actriz muy goloso porque posee un abanico de sentimientos muy amplio, una mujer dolida pero que necesita liberarse y ser feliz. El amor hace enloquecer a la gente

El amor hace enloquecer a la gente

La comedia de las mentiras…¿Amor?

Este espectáculo habla del amor…de los amores y los desamores, este tan universal…y dime tú a mi quien no ha mentido a nadie, lo que sucede que en esta función se convierte en una bola cada vez más grande. El público se va a divertir mucho porque se van a sentir muy identificados, la mentira aparece como algo que conviene en la obra, sabemos que todos están mintiendo pero lo aceptamos.

Paco Tous nos comentaba que esta obra es para disfrutar más que para darle vueltas al coco.

Esta obra sobre todo es un divertimento, una obra para reírse, que nos hace falta sin duda. Pero en La comedia de las mentiras hay mucha ironía, un poco de mala leche, pero de repente hay pildoritas por ahí esparcidas que hacen pensar al espectador.

Y esas pildoritas, dentro del concepto de teatro clásico de este Festival, ¿Qué ingredientes grecolatinos contiene esta obra?

La vida no ha cambiado tanto, los temas como el amor, son universales. Estamos en Atenas pero podíamos estar en Lavapiés…[Ríe]…habla de una familia que se llevan a matar…algo que lleva ocurriendo desde que existe la humanidad. En general los temas y el recorrido de la sociedad tienen la misma sustancia desde la época de los autores grecolatinos.

Pisas por primera vez este teatro…

…estoy muy feliz, los primeros días tenía un nudo en el estómago que casi no podía ni hablar, con el paso del tiempo ya encuentro más relajada, saboreando este magnífico teatro. Esos primeros nervios siempre los tengo, hasta creo que me castigo demasiado, soy de las que se fustiga, es mi forma de ser. Estar en esta obra es un bombón, y me lo voy a comer aunque engorde, asumiendo la responsabilidad y el lujo de estar varias noches actuando aquí.

Esta obra sobre todo es un divertimento, una obra para reírse, que nos hace falta sin duda

La cosa cambia de estar como espectador a actriz en este Festival…

…he venido a muchas obras y siempre me ha dado mucha envidia, sana, de ver a mis compañeros actuar en el Teatro romano, recuerdo Golfus de Roma, Medea, Antígona, Hécuba…pero nunca pensé que llegaría este día.

Entrevista. Willy López | Fotografía. Félix Méndez

5 de junio de 2017
Ernesto Alterio «La magia de un actor especial para un escenario maravilloso»

El reportaje sobre Mérida para la emisión nacional aprovecha el sabor teatral que el Festival de Teatro Clásico rezuma como potenciador turístico cultural. Informativos que emiten en directo colocan sus cámaras, pruebas de audio y balances de blanco. Último vistazo a las libretas, repletas de datos, preguntas, esbozos de la obra y nombres de dioses y personajes griegos.

El peristilo hace las veces de mesa de redacción y plató improvisado de televisión. En este campo de batalla grecolatino el fuego es amigo y de manera estratégica se cruzan los tiros de cámara, los micrófonos de los redactores y los protagonistas de la obra en una guerra de preguntas y respuestas.

El megáfono del Teatro anuncia que quedan cinco minutos para que los turistas abandonen las instalaciones. Apuran viendo como el ballet de actores y actrices bailan de puesto en puesto, una danza dulce y agradable como precalentamiento del ensayo final. Un preestreno con reivindicación troyana, siria y femenina, un grito escénico de refugiados, expulsados, abandonadas, esclavizados, martirizadas y desposeídas. La dureza de un texto de hace siglos con total vigencia, un mensajero con la orden de sacrificar a una hija, un heraldo con la resignación de realizar un trabajo aqueo, de liquidar y cercenar la integridad de las mujeres, viste traje de chaqueta, consume terror en sus mensajes y honestidad teatral en todos sus poros.

No sé cómo dulcificar la pena que voy a causarte.  Taltibio en las Troyanas de Eurípides.

Ernesto, define Troyanas.

La historia de Troya creo que es muy conocida por todos, los griegos meten ese caballo en Troya…[Ríe]…bueno en realidad lo meten los troyanos. La ciudad es devastada por los griegos y los griegos empiezan a repartir el botín, las mujeres formaban parte de este botín, sorteadas como recompensa de la guerra, como esclavas. Las troyanas cuenta esa noche, la última de esa guerra que duró diez años, donde a las mujeres troyanas se les comunica el destino que les han designado los vencedores.

Y bajo ese manto troyano de la obra de Eurípides ¿Qué trasfondo de actualidad podemos percibir?

La adaptación habla de los horrores, de la crueldad que arrastra y disemina la guerra durante y después de los conflictos. Esta versión hecha por Alberto Conejero utiliza un lenguaje muy directo, con mucha potencia, donde aparece Hécuba como personaje central, rodeada de Políxena, que no aparece en Las Troyanas de Eurípides, Helena, Casandra, Andrómaca, y Briseida.

La adaptación habla de los horrores, de la crueldad que arrastra y disemina la guerra durante y después de los conflictos

Aparece Políxena y desaparece Menelao, te quedas como mensajero y única figura masculina de la obra…

…es una apuesta que se hace en esta versión, centrando todo en el personaje de Taltibio, son ellas las protagonistas sin duda. También está el crío, Astianacte, que en esta ocasión sale en la obra y se convierte en uno de los momentos fuertes de la representación porque toca llevármelo para que lo sacrifiquen, lo tiren por la murallas.

Ernesto, tú tienes una hija, e interpretar, recitar, el asesinato de un hijo puede ser duro…

…te prometo que ni lo pienso, el personaje es muy complejo por la posición que tiene que sostener, es decir, ser el encargado de una misión tan funesta como tener que comunicar a estas mujeres el destino tan horrible que les espera. Aparco mi vida personal y me introduzco en este personaje tan fascinante y duro, Taltibio es un tipo que no se cuestiona nada las órdenes que le han obligado dar pero dentro de él hay una semilla de humanidad que le empieza a jugar malas pasadas. Sin dudas un mal lugar para tener humanidad. En esta versión, la obra la abre Taltibio, condenado durante siglos a vagar sin poder morir y obligado a contar noche tras noche lo que sucedió para expiar su culpa. Es un personaje cíclico.

Y para subrayar a este personaje de componente cíclico ¿Cómo te lo has preparado para lanzarlo en este escenario?

A mí me atraía este proyecto porque la veo como una oportunidad única, por estar rodeados de mujeres, de grandes actrices, sentía que era un momento especial de hacer diferente. Me he preparado el personaje intentado armar todo su recorrido en la obra, qué es lo que ha hecho, antes de poner un pie en escena tenía que analizar lo que pasa entre las cuatro apariciones que tiene. Imaginar el recorrido, los lugares, el consejo donde están todos los jefes griegos que mandan ejecutar a las mujeres, ver cómo era eso realmente. Ver las caras de los ejecutores, recorrer el camino desde ahí hasta el campamento donde las tienen recluidas. Ese trabajo lo he realizado desde el lado de Taltibio en la obra y luego me he basado viendo declaraciones o testimonios de excombatientes de guerra, porque Taltibio es un personaje trastornado después de lo que le ha tocado desempeñar, videos de guerrilleros de las FARC, de los paramilitares colombianos, de ex torturadores de Argentina, gente que les ha tocado hacer cosas horribles. De esta manera quería ver cómo ha evolucionado dentro de ellos después de los años.

Taltibio es un tipo que no se cuestiona nada las órdenes que le han obligado dar pero dentro de él hay una semilla de humanidad que le empieza a jugar malas pasadas

Tanto la versión de Alberto Conejero como la escenografía de Paco Azorín nos muestran una Troya repleta de refugiadas, exiliadas, mutiladas, una Siria visual de texto latino podríamos decir…

…imagínate, somos siete intérpretes y para hacer imaginar la dimensión de lo que estamos narrando se ha ido por un lado a la utilización de un lenguaje muy directo que llega al espectador como casi un puñetazo y por otro lado se ha buscado generar una abstracción en cuanto a la puesta en escena. Se ha trabajo mucho el movimiento escénico, ha habido un coreógrafo en los ensayos y hemos tenido una carga muy importante de ejercicio en cada ensayo para intentar crear un lenguaje escénico para desprender al espectador de lo cotidiano, para poder imaginar la gran dimensión que tiene esta historia.

¿Qué supone plantarte en medio de este maravilloso espacio escénico?

Este teatro tiene una magia muy especial, me produce una emoción muy grande, y lo pude comprobar con Edipo Rey hace nueve años. Es una experiencia única por estar en contacto con la energía que desprenden y que contienen estas piedras, este lugar, estar en contacto con el aire, con las estrellas y con la tierra, con obras que justamente tienen muy presentes los elementos naturales.

Me he preparado en personaje viendo declaraciones o testimonios de excombatientes de guerra

¿El canguelo es mayor en estas grandes producciones?

…[Ríe]…siempre hay canguelo, el miedo es necesario. Para mí esa sensación, en este sentido, el actor se la juega como un torero, es decir, hay que gestionar el miedo, sino hay miedo es que no te estás jugando nada, y un actor que no arriesga para mí no es interesante.

Familia de actores, una pregunta que no paramos de hacértela, pero ¿Cómo se “compite” con representaciones como las que ha hecho tu padre Héctor Alterio, como Yo Claudio, en el Festival de Teatro Clásico Mérida?

Ni me lo planteo eso de competir con mi padre…[Ríe]…pero entre mi hermana y yo podemos al menos rozarlo…[Ríe]…estoy muy orgulloso del recorrido de mi padre pero cada uno tenemos nuestro trabajo y estilo y recorrido.

Este teatro tiene una magia muy especial, me produce una emoción muy grande, y lo pude comprobar con Edipo Rey hace nueve años

De Animalario hasta aquí un bonito y largo recorrido…cine, series, teatro…

Largo recorrido Willy, pero me siento que esto acaba de empezar. Trabajo como si Las Troyanas fuera lo primero que voy a hacer…[Ríe]…bueno no tanto. Es como un viaje en donde cada experiencia me ayuda abordar la siguiente con más sentido. Cada etapa la voy disfrutando con mucho placer.

Entrevista. Willy López | Fotografía. Félix Méndez

12 de abril de 2017
Miles Davis «Do not fear mistakes…»

El técnico colocó con delicadeza el carrete marrón rojizo, una cinta de media pulgada, en la grabadora fabricada especialmente para reproducir cintas de archivo de tres pistas. Se detuvo un momento y me preguntó si estaba listo. (¿Listo? Llevaba semanas excitado esperando este momento.) Apretó el botón de «play».

La cinta se escurrió por entre los cabezales y oí la voz de Miles Davis y de su productor, Irving Townsend, el sonido reconocible al instante de la trompeta de Miles, el tenor de John Coltrane, el alto de Cannonball Adderley, y a los otros músicos. Oí cómo ensayaban sus riffs armonizados y empecé a acostumbrarme al ritmo del proceso de grabación. Algunos técnicos que sabían que ese día íbamos a escuchar los másters se acercaron y se sentaron en una silla sin hacer ruido, o se quedaron de pie en un rincón escuchando.

Miles Davis y Kind of Blue
«La creación de una obra maestra»
Ashley Kahn

Tito Pantone Merello

9 de abril de 2017
Que grite la flor y que se calle el cardo

Ilustración. Tito Merello

25 de enero de 2017
Plata o Plomo #Week 30

Entra en el escenario, traje negro, impoluto, corbata de seda con jaspeado en bermellón, un pañuelo de grecas azul y blanco asoma del bolsillo de la chaqueta, gafas negras de cristales castaños, bigote milimétricamente afeitado, zapatos oscuros, de avenida Madison, de la tienda fetiche, relucientes, brillantes, gemelos a juego con la corbata, voz honda, extraída del estómago de una ballena, manos bañadas en óxido y una trompeta lacada y bañada en oro negro.

Desde el palco del escenario, encaramado en una silla, desde la tramoya, sujeto a una soga, desde el patio de butacas, reposando su enfermedad, de negro inmaculado, pantalones cómodos, camisa de algodón, algo ceñida, chaqueta de cuero oscura y con olor a carretera, gorra comprada entre Bowery y la primera calle, con un pañuelo de lunares al cuello, lunares blancos, fondo marrón, manos verde oliva, con dedos en blanco y negro y una cámara de fotos con mal de Portnoy

Uno toca jazz. Otro toca el jazz. Ambos trabajan

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21 de noviembre de 2016
Javier Conde «Portugal admira el sonido de la guitarra flamenca»

El guitarrista cacereño Javier Conde es un fijo en los conciertos de la raia portuguesa. Varias presencias en el Festival Badasom, donde el fado y el flamenco se unen cada año en Badajoz y conciertos como el de este mes en Portugal hacen de Conde el embajador perfecto de ese arte, que el maestro Paco de Lucía nos supo dejar como herencia, la guitarra flamenca. El Centro do Ciência do Café en la localidad portuguesa de Campo Maior, será testigo de su virtuosismo.

La cantante Mariza define el flamenco y el fado como una misma piel familiar, con la música se mezclan dos culturas…

…estamos muy cerquita, a nada de kilómetros, nos unen muchas cosas. Musicalmente aunque están cerca cada música popular tiene su ritmo, su acento diverso e idiosincrasia particular.

¿Es quizás más estricto en este aspecto, más ortodoxo?

Sin conocerla en profundidad, si percibo que es una música con las raíces más ortodoxas. La guitarra portuguesa, el acompañamiento y las voces suenan muy arraigadas, como una Amalia Rodrigues actual.

Hablando de la reina del fado, Amalia Rodrigues, creo que has tenido la oportunidad de conocer a uno de sus guitarristas, Carlos Gonçalves.

Sí, una maravilla. En un concierto en Cáceres. Juntarme con ese tipo de músicos solo nos puede dar aprendizaje. Gonçalves es una verdadera máquina, domina le instrumento como nadie. Los portugueses se toman nuestra música de una manera muy seria y eso les da prestigio. Juntar estas dos culturas supone un verdadero reto.

¿Qué tiene la guitarra que atrapa desde el primer toque?

La guitarra conjuga muy bien los ritmos y la armonía, con un abanico de muchas posibilidades para enganchar desde el primer golpe. Esto hace que la final del concierto termines bailando.

“La guitarra conjuga muy bien los ritmos y la armonía, con un abanico de muchas posibilidades para enganchar desde el primer golpe”

¿Cuáles son tus referencias?

Indudablemente el maestro Paco de Lucía, a Sabicas un guitarrista anterior a Paco y del que él aprendió muchísimo. También escucho mucho a Manolo Sanlúcar, el Niño Ricardo, el Niño Miguel, Vicente Amigo y todos aquellos que han hecho o están haciendo música con los dedos y las cuerdas de una guitarra. Son muchos y muy buenos.

¿Cómo llega una guitarra por primera vez a tus manos?

Mi padre es guitarrista y mi contacto fue prematuro, con cuatro años.

No pasas ni de los 30 años, eres muy joven, pero ya has podido tocar con muchos músicos ¿Cuál ha sido la experiencia más potente?

El inicio de mi carrera fue ya muy potente cuando me estrené con Manolo Sanlúcar a los 8 años. Con 10 años ya pude tocar en Italia. O los viajes a Japón, Brasil o el Líbano forman parte de esa experiencia importante para crecer. Tocar, como pude hacerlo hace años, con el bajista de Led Zeppelin, John Paul Jones, también tiene su miga…[Ríe]

La otra parte del escenario es importante, el público. Y ya sabiendo que has recorrido medio mundo ¿Son muy diferentes de un continente a otro?

El público de América es muy efusivo, gritan y aplauden de continuo, todo lo contrario del público japonés que es muy respetuoso. Luego está el público de centro Europa que poseen una cultura musical muy grande y aunque parezcan muy fríos dentro tienen un calor musical enorme.

“El inicio de mi carrera fue ya muy potente cuando me estrené con Manolo Sanlúcar a los 8 años”

¿Existe ese duende del que habláis los flamencos o es una leyenda?

No sé, es un estado de ánimo, el duende como tal es una idea filosófica. Es algo como juntarse con los amigos de cena y cervezas y nota que estás cómodo, que va a ser una noche para disfrutar. Esa sensación es la misma, pero yo con una guitarra entre mis manos.

¿Cómo te preparas antes d un concierto?

Nada especial. Antes en el camerino hago ejercicios de calentamiento, ejercicios de técnica de guitarra, picao, pulgar, arpegio, rasgueo. Siempre de menos a más para que después de esa de calentamiento para que durante el concierto tengo mayor facilidad para expresarme sin sufrir lesiones.

Hablando de lesiones ¿Existe alguna en el mundo de los guitarristas?

Sí, la distonía focal por ejemplo, que hace que el momento de agarrar la guitarra, al intentar hacer un movimiento, ese movimiento lo reconoce el cerebro y como es el encargado de mandar el impulso a la mano, éste no le obedece y no lo hace funcionar. Se queda paralizada la mano…

…¿Es necesaria una mano grande para tocar mejor?

[Ríe]…cuanto más grande más puedes abarcar los trastes y las posturas pero no influye.

Django Reinhardt o Hendrix, ¿No todo va a ser guitarra española no?

Claro que no, es necesario aprender de otros géneros, desde la música clásica, el jazz o el rock son básicos para seguir estudiando.

Entrevista Willy López | Fotografía Félix Méndez

18 de noviembre de 2016
Esteve Soler «Mi objetivo no es dar respuestas, sino generar cuestiones»

Catalán, inglés, francés, alemán, castellano, griego, italiano, danés, rumano, checo, húngaro, ruso, croata, portugués, esloveno, sueco y finlandés. Los idiomas en lo que se ha podido escuchar la obra Contra la Democracia. Y 70 directores le han aplicado su dictadura en el escenario para que el espectador pueda votar libremente desde sus butacas.

Uno de ellos, el que ha dirigido la obra en el 39 Festival de Teatro de Badajoz, Antonio Guijosa, nos cuenta que Contra la democracia nos pone frente a un espejo que tal vez arroje una imagen incómoda.

¿Y quién es el autor de esta imagen tan incómoda?

Esteve Soler. El que desde su escondite en las entrañas de su imaginario se atreve a proponer un debate muy profundo y necesario. Soler nos propone siete puntos de reflexión sobre nuestro funcionamiento social y nos empuja a generar nuestro propio criterio al respecto. El retrato que ofrecen estas siete historias no es muy alentador.

Nos han contado que la democracia es la mejor de las formas de gobierno. Nos han contado que la democracia consiste en que el poder recaiga en el pueblo y éste elija libremente a sus representantes, quienes estarán a su servicio, buscando el bien general respetando los derechos fundamentales.

Antes de nada Esteve, cuéntanos tus primeros pasos como dramaturgo

Empecé a escribir relatos cuando era adolescente. Más tarde mi interés por el teatro, el cine, el cómic y otras formas narrativas me hizo interesarme por la idea de la dramaturgia. Estudié esa disciplina en el Institut del Teatre de Barcelona, donde escribí mis primeros textos teatrales.

Contra la Democracia…forma parte de una trilogía, ¿Qué encierran estos
textos entre sí?

Primero escribí Contra el progreso, en 2008, que forma parte de la misma trilogía que Contra el amor y Contra la democracia, escritas respectivamente en 2009 y 2010. La idea es acercarnos a palabras positivas que han sido manipuladas en su uso masivo. Por ejemplo, no es lo mismo el progreso ‘humano’ que el progreso ‘financiero’, pero en muchas ocasiones nos llega confundido de la misma manera. La idea que lo humano ha quedado supeditado a lo útil o lo rentable es algo que está en todos los textos por igual.

El teatro no es una conversación unidireccional; el teatro se completa con el público, con el encuentro entre esas historias y la gente. ¿Es una cadena de oprobios sobre la
misma democracia o jugamos con el poder del teatro?

Yo creo en el progreso, en el amor y la democracia. Y las obras reflejan eso aunque nos sirvamos de las convenciones teatrales para demostrar las contradicciones que rodean esos conceptos y busquemos la risa y la reflexión del público.

«La idea que lo humano ha quedado supeditado a lo útil o lo rentable es algo que está en todos los textos por igual»

¿Todavía hay alguien que crea que los ciudadanos gobernamos nuestra sociedad? ¿Ese el punto de partida de la obra?

Esa es una de esas preguntas que se hace el espectador durante la función. Mi objetivo no es dar respuestas, sino generar cuestiones, preguntas que el público se lleve a casa y que les dé un par de vueltas si tiene tiempo cuando, por ejemplo, va conduciendo en coche o cuando está almorzando el día después.

¿Cómo se trabaja con Antonio Guijosa, José Vicente Moirón, Memé Tabares, Gabriel Moreno y Marina Recio? ¿Te lo ponen fácil o te montan una «dictadura» de tu texto?

Se trabaja muy bien. Nunca intervengo presencialmente en los ensayos de mis obras, pero estoy totalmente disponible para lo que quieran sus productores o directores o quien sea. Es un placer. A veces se trata de asesorar, otras de hablar simplemente un rato o de colaborar de mil maneras distintas en la producción. Con este equipo me di cuenta inmediatamente que había mucho talento, ambición y sentido común. Ojalá fuera así siempre.

Siempre solemos charlar, nombrar, entrevistar a los actores y directores de las obras de teatro…¿Qué importancia tiene el autor de la obra en este país? ¿Existe cantera de dramaturgos? ¿Se le da la relevancia que os merecéis?

Primero de todo quiero decir que es un honor estar en la lista de autores estrenados por Teatro del Noctámbulo. Cuando vi que seguía a David Mamet y Martin MacDonagh, pensé que estaba delante de una compañía que sabía valorar los textos. Y así ha sido. En todo caso, en términos globales y comparativos con otros países el autor aquí tiene una importancia menor. O incluso mucho menor. Como en todos los lugares, aquí existe una cantera de dramaturgos consecuente a los esfuerzos que se hacen para cuidar de ellos.

Estreno absoluto de este montaje Esteve en castellano ¿Qué supone esa primera vez para
ti?

Es la primera vez que este texto se hace en castellano en España y me siento muy contento. Pero sobretodo estoy contento que se haga en el momento adecuado y con el mejor equipo posible. Después de ver el resultado en Badajoz creo que existe un potencial muy interesante para la trayectoria del montaje.

Barcelona-Badajoz…aunque vemos que triunfa en teatros de todo el mundo ¿El público puede sentarse en las butacas con diferente parecer sobre estas 7 píldoras por el simple hecho de estar en la otra esquina del país?

Las estrategias a la hora de plantear el montaje pueden ser distintas en Bucarest, Nueva York o Munich, pero las reacciones del público son muy similares. Intento que el público se distancie de la obra a través del contraste en los géneros. El choque entre el humor y el horror planteado en la obra hace que la gente tenga una reacción que coincide totalmente en los diferentes lugares donde se ha representado.

Boadella, Fonstseré…háblame un poco de personajes de la talle de ellos…¿!Qué ten han aportado?
Boadella y Fontseré son clásicos indiscutibles de nuestra escena. Son referentes no sólo para mí, sino para la totalidad de la profesión. En mis textos me han influido muchos creadores, pero los montajes de Els joglars me encantan por ser la perfecta mezcla entre lo clásico y lo contemporáneo, por su desafío constante a lo establecido y por una coherencia autoral envidiable.

«Las estrategias a la hora de plantear el montaje pueden ser distintas en Bucarest, Nueva York o Munich, pero las reacciones del público son muy similares»

Espacios donde tu obra cobra una dimensión potente, ¿dónde han brillado con más fuerza?

Los textos están disponibles en 17 idiomas y se han hecho en multitud de países con lo cual tengo un buen número de montajes de los que puedo estar orgulloso. El de Teatro del Noctámbulo es uno de ellos, pero recuerdo también diversos montajes en Alemania, Croacia, Rumania y Suiza que me han impresionado.

Entrevista Willy López | Fotografía. Félix Méndez / Teatro del Noctámbulo | Cartel. Bárbara Sánchez

4 de noviembre de 2016
39 Festival de Teatro de Badajoz

39 ediciones son muchas ediciones para un festival enteramente dedicado al teatro. Difícil encontrar en el país, un festival tan longevo y tan asentado en el panorama cultural. Los pacenses, los extremeños y los que cruzan la frontera con Portugal, o incluso el charco (Este año podremos disfrutar de una obra uruguaya)podrán sentir todas las emociones que desprende el aroma del teatro en estado puro.

Resaltar la visita, casi obligada, en este año cervantino (IV Centenario de la muerte de Miguel de Cervantes) de El Brujo y su obra Los misterios del Quijote. También pasarán por el emblemático Teatro López de Ayala actrices y actores de la talla de José Vicente Moirón, Pepón Nieto, María Adánez, Pepe Viyuela, Paca Velardiéz, Francis Lucas, Guillermo Serrano y Víctor Ullate.

Muchas compañías extremeñas tendrán su hueco en la programación de este año, y los precios de las entradas y los abonos buscan fidelizar con el verdadero motor de las artes escénicas, el público.

Sube el telón del teatro en Badajoz…

El amor brujo / 22 OCTUBRE / 21:00 h.

Ballet de Víctor Ullate (Comunidad de Madrid)
Coreografía: Víctor Ullate
Música: Manuel de Falla, Luis Delgado, In Slaughter Natives

Sinopsis:
Una revisión de la pieza que Víctor Ullate estrenó el 28 de mayo de 1994 en la Maestranza de Sevilla.

Para esta nueva ocasión se estrenan escenografía y vestuario, buscando dar mayor protagonismo a la luz – el fuego fatuo- , presente en toda la trama. En esta versión se lleva a cabo una apuesta musical rompedora con la inclusión del grupo de dark ambience “In Slaughter Natives”, que se suma a los efectos musicales creados por Luis Delgado para la versión original y que conducen al espectador a una travesía entre la vida y la muerte, un viaje hacia el más allá.

La obra, escrita por Falla a principios del siglo XX y de marcado carácter andaluz, ahonda en el misticismo gitano, acercándose al amor en su forma más primitiva y esencial. Cuenta la historia de Candela, una muchacha gitana, cuyo amor por Carmelo se ve atormentado por el espectro de su antiguo amante. Una historia de amor y pasión, de lágrimas y desconsuelo, de brujería y seducción, de muerte y de danza.

La coreografía contiene momentos de gran belleza, como Canción del amor dolido, Romance del pescador o Canción del fuego fatuo. Cabe destacar que esta versión incluye tres canciones populares escritas por Manuel de Falla: Nana, Polo y Asturiana, además de una variación de Paco de Lucía para José el eterno amante.

Una nueva versión de El Amor Brujo, distinto en sus formas, pero eterno en su esencia.

El Jurado / 23 OCTUBRE / 21:00 h.

Autor: Luis Felipe Blasco Vilches
Basado en ’12 hombres sin piedad’

Director: Andrés Lima
Intérpretes: Pepón Nieto, Isabel Ordaz, Canco Rodríguez, Cuca Escribano, Eduardo Velasco, Víctor Clavijo, Luz Valdenebro, Usun Yoon y Josean Bengoetxea
Compañía: Avanti Teatro (Madrid)

Sinopsis:
Un político acusado en un gran caso de corrupción. Un largo juicio sometido a una importante presión mediática. Y un jurado popular tendrá que tomar una decisión: ¿culpable o inocente? ‘El Jurado’ de la compañía Avanti Teatro es un espectáculo bajo la dirección de Andrés Lima inspirado en la mítica obra dramática del autor estadounidense Reginald Rose.

El motor del proyecto de ‘El Jurado’ es el convencimiento de que el sistema judicial español es víctima de la corrupción política. No es una cuestión de ideologías sino de honradez y vergüenza. En ‘El Jurado’, dos de los personajes tienen una ideología muy marcada, a la izquierda y a la derecha, y ambos desde posiciones opuestas coinciden en criticar las mismas debilidades del sistema. Tratamos de hacer un retrato social de la España de hoy. De sus excesos y nuestras miserias…

Dicen que el verdadero poder de un pueblo soberano está en elegir democráticamente en las urnas a los políticos que le gobiernan. ¿Qué ocurrirá cuando sea el pueblo quien tiene que declarar culpable o inocente a la persona que hay tras el político? ¿Dónde acaba lo público y empieza lo privado?

Los misterios del Quijote – El Brujo / 24 OCTUBRE / 21:00 h.

Sobre la obra de Miguel de Cervantes

Versión, dirección e interpretación: Rafael Álvarez ‘El brujo’

Sinopsis:
Ilustres todos por méritos propios ,sobran, pues, razones de halago para aquellos que entregan días y noches a tarea tan ardua como “profundizar en la inmensa obra de Don Miguel de Cervantes Saavedra, aquel “Don Quijote de La Mancha” No es bastante leerla, comprenderla… hay que interpretarla, adaptarla, y escenificarla de tal manera que el texto fluya y regrese a este siglo con plena actualidad.

Tras estos textos de lujo no hay sólo una labor de erudición (les aseguro que la hay), hay amor, humor y una búsqueda de lo esencial: la búsqueda de lo que es. O lo que pudo ser. O lo que, a lo mejor, terminan descubriendo que será.

El pequeño Poni / 25 OCTUBRE / 21.00 h.

Autor: Paco Bezerra

Director:  Luis Luque

Intérpretes: María Adánez y Roberto Enríquez
Compañía: Miguel Narros (Madrid)

Sinopsis:
Esta obra está inspirada en los hechos reales que tuvieron lugar en Estados Unidos durante el año 2014. Una obra sobre el acoso escolar, esa dolorosa realidad en la que viven atrapados cada vez más niños y niñas de todo el mundo; una reflexión acerca de la libertad, el miedo y el instinto de protección; un retrato de la ceguera, la ineptitud y los prejuicios sociales de los adultos.

Mármol / 26 OCTUBRE / 21:00 h.

Autor: Marina Carr

Director: Antonio C. Guijosa
Intérpretes: José Luis Alcobendas, Elena González, Pepe Viyuela y Susana Hernández

Compañía: Centro Dramático Nacional (Madrid)

Sinopsis:
Art y Ben son dos triunfadores. Amigos de toda la vida, son profesionales de éxito, tienen una sólida posición económica, los dos están casados y tienen hijos. Un día, Art le cuenta a Ben, en tono jocoso, que ha soñado que se acostaba con Catherine, la mujer de Ben, en una habitación cubierta de mármol. La estupefacción de Ben se convertirá en desesperación cuando descubra que su mujer también lo ha soñado y que ella y su mejor amigo siguen compartiendo sueños en los días siguientes.

En Mármol, el espectador ve cómo algo que en un primer momento era anecdótico va progresivamente destruyendo las relaciones entre cuatro personajes que creían tenerlas perfectamente controladas. Los cuatro protagonistas comienzan a reflexionar sobre las decisiones que han tomado y sobre las que han adoptado casi sin darse cuenta, pero los últimos reductos de seguridad saltan por los aires cuando Catherine se atreve a cruzar los límites…

No daré hijos, daré versos / 27 OCTUBRE / 21:00 h.

Autora y directora: Marianella Morena

Intérpretes: Lucía Trentini, Cristian Amacoria, Laura Báez, Agustín Urrutia, Mané Pérez y Domingo Milesi
Compañía: Colectivo Teatro La Morena (Uruguay)

Sinopsis:
La obra se basa en la vida y la obra de la poetisa Delmira Agustini, una de las grandes figuras de las letras uruguayas que murió asesinada por su ex marido. Ella había irrumpido a principios del siglo XX con un pensamiento y una actitud frente al lenguaje contemporáneo.

La obra está dividida en tres actos, cada uno de los cuales muestra un género y un lenguaje diferentes. En el primero, titulado «De la muerte a la vida», «los actores sobreviven en tres Delmiras y tres maridos -explica la directora-. Una poeta muere trágicamente en su juventud, pero su obra continúa. Después de la bala viene la vida».

El segundo acto, «Hacia el realismo y la familia», «intenta reconstruir un espacio doméstico, armónico, las piezas y las partes donde deben ir, los roles, los personajes, los diálogos y las formas también».

La obra viaja, en el tercer acto -«Hiperrealismo»-, a 2010 y a la época del Mundial de fútbol, cuando «una conocida casa de remates presenta a disposición del público el lote Delmira», explica Marianella Morena.

Contra la democracia / 28 OCTUBRE / 21:00 h.

Autor: Esteve Soler

Director: Antonio C. Guijosa
Intérpretes: José Vicente Moirón, Memé Tabares, Gabriel Moreno y Marina Recio

Compañía: Teatro del Noctámbulo (Extremadura)

Sinopsis:
Contra la democracia son (siete obritas de “Grand Gignol”) 7 pequeñas obras que mezclan horror y comedia, 7 momentos tan extraños como próximos, 7 visiones surrealistas y contundentes sobre un engaño colectivo cada día más escandaloso. ¿Todavía hay alguien que crea que los ciudadanos gobernamos nuestra sociedad?

Kafka enamorado / 29 OCTUBRE / 21:00 h.

Autor: Luis Araújo
Director: José Pascual
Intérpretes: Cayetana Cabezas, Fernando Coronado y Juan Carlos Arráez
Compañía: Centro Dramático Nacional (Madrid)

Sinopsis:
Kafka enamorado presenta una historia real y compleja que terminó de forma dramática ante la imposibilidad de realización del amor que sentían Franz Kafka y Felice Bauer. Felice, una mujer muy moderna en su época, directiva de una firma comercial de Berlín, en continuo viaje de negocios, económicamente independiente, conoció a Franz en casa de Max Brod, amigo común que daría a conocer a Kafka al mundo. Franz, bajo la influencia traumática de la autoridad paterna e incapaz de liberarse del influjo familiar y de su trabajo de funcionario, buscaba desentrañar los enigmas de la existencia humana a través de la escritura literaria. Y a pesar de que ambos estaban de verdad enamorados, su relación se convirtió en un constante malentendido en el que, insatisfechos ambos, se hicieron sufrir hasta abandonar sus planes de matrimonio, tras tres sucesivos compromisos y rupturas. Kafka llegó a la conclusión de que una vida matrimonial, burguesa, familiar y ordenada era incompatible con su anhelo artístico, y acabó sacrificándola –sacrificándose él mismo– para legarnos su obra, ese monumento literario que inaugura la modernidad y define de modo exhaustivo la sensibilidad existencial del hombre contemporáneo.
Hoy, cuando todo producto artístico es un bien de consumo, una mercancía de compraventa, el trabajo de este autor es un aldabonazo que, tal como él pretendía, «abre extensas heridas en nuestra conciencia». Kafka enamorado intenta traer a escena la imbricación de su experiencia personal y su obra, el correlato constante de una en otra, ese espacio intermedio entre realidad y ficción, absurdo y lógica, que es la verdad del mundo percibida y expresada por Franz Kafka.

Encuentros casuales – Sótano / 29 OCTUBRE / 23:00 h.

Dramaturgia y dirección: Francis Lucas

Intérpretes: Francis Lucas y Paca Velardíez

Sinopsis:

Ésta es una historia muy sencilla, acerca de dos personajes tan normales como singulares. Ellos son Margarita y Antonio y nos contarán cómo se conocieron, gracias a una serie de encuentros embarazosos, inoportunos e incluso…¿por qué no decirlo? Surrealistas. Pero el tiempo, que no cura nada pero todo lo cambia, convierte aquellos momentos en episodios cómicos, y de ésta manera serán expuestos por sus dos protagonistas.

*Para este espectáculo el público dispondrá de sillas no numeradas

El horario de los espectáculos del sótano estará supeditado y podrá variar dependiendo de la finalización de los espectáculos que tengan lugar en la Sala Principal

Duración: 55 minutos

El retablo de las maravillas / 30 OCTUBRE / 21:00 h.

Autor: Miguel de Cervantes

Dramaturgia y dirección: Francisco Negro
Intérpretes: Francisco Negro, Mayte Bona, Felipe Santiago, Adolfo Pastor, Santiago Nogués y Mamen Godoy
Compañía: Morfeo Teatro (Castilla y León)

Sinopsis:
divertida sátira sobre las hipocresías de la España de la época. Los mandatarios de un pueblo, ante un Retablo vacío mostrado por unos cómicos, y aparentemente mágico por no enseñar nada a sucios de sangre o bastardos, simulan ver lo que no ven para demostrar que son “gentes de bien nacer”. La disparatada sátira cobra dramatismo y se acentúa la acidez del discurso cervantino en un sorprendente final, que sirve de retrato de los “pecados nacionales” de nuestros gobernantes, pasados y actuales. Todo ello enmarcado en un espacio escénico inspirado en la pintura de Picasso que da a la puesta en escena un inigualable contraste.

Danzad malditos / 31 OCTUBRE / 21:00 h.

Basada en la película de Sydney Pollack ‘Danzad, danzad malditos’

Versión: Félix Estaire
Director: Alberto Velasco
Intérpretes: Guillermo Barrientos, Carmen del Conte, Karmen Garay, José Luis Ferrer, Alberto Frías, Rubén Frías, Ignacio Mateos, Nuria López, Sara Párbole, Txabi Pérez, Rulo Pardo, David Sánchez Calvo, Sam Slade, Ana Telenti, Verónica Ronda

Voz en off: Carlos Hipólito

Compañía: Malditos producciones

Sinopsis:
En una época de colapso económico y terrible miseria, un grupo de personas de toda edad y condición se presenta a un maratón de baile con la promesa de que la pareja que más tiempo aguante ganará un premio en metálico. A lo largo de la competición, los once participantes tendrán que superar pruebas de azar, lealtad, resistencia, y poner a prueba sus límites físicos y mentales, frente a la atenta mirada del público, la presencia de un maestro de ceremonias y una misteriosa cantante.

Reikiavik / 1 NOVIEMBRE / 21:00 h

Texto y dirección: Juan Mayorga

Intérpretes: César Sarachu, Elena Rayos y Daniel Albadalejo

Compañía: Entrecajas (Madrid)

Sinopsis:

Ésta es una obra en que se juega a ese juego. Sus personajes principales -dos de los cuales se hacen llamar Waterloo y Bailén; el tercero tendrá que ganarse el nombre, si es que hay algún nombre disponible- se reúnen hoy para practicarlo como siempre y como nunca. Y entonces aparecen otros muchos: Bobby Fischer, Boris Spasski, el árbitro alemán, el guardaespaldas islandés, la madre de Bobby, la segunda esposa de Boris, las novias que Bobby no tuvo, cien niños despidiendo a Boris puño en alto en el aeropuerto de Moscú, Henry Kissinger, el fantasma de Stalin, el Soviet Supremo, el caballo negro amenazando al alfil blanco, los padres ausentes, los campeones muertos…

Y también usted, también aparece usted

Bailén y Waterloo -que han tomado esos nombres de derrotas napoleónicas- reconstruyen ante un muchacho el gran duelo de Reikiavik: el campeonato del mundo de ajedrez que allí disputaron, en plena Guerra Fría, el soviético Boris Spasski y el estadounidense Bobby Fischer.

Bailén y Waterloo representan no sólo a Boris y a Bobby, sino también a muchos otros que movieron piezas en aquel tablero.

No es la primera vez que Waterloo y Bailén hacen algo así, pero nunca lo habían hecho con tanta pasión. Porque lo que hoy buscan ante ese muchacho extraviado no es sólo comprender por fin qué sucedió realmente en Reikiavik, qué estaba realmente en juego en Reikiavik, quiénes eran realmente aquellos hombres que se midieron en Reikiavik. Hoy, además, Waterloo y Bailén buscan un heredero.

Reikiavik es una obra sobre la Guerra Fría, sobre el comunismo, sobre el capitalismo, sobre el ajedrez, sobre el juego teatral y sobre hombres que viven las vidas de otros. Y es una obra sobre seres que me son más misteriosos cuanto más de cerca los miro.

Tan misteriosos me resultan que, después de haber llevado a escena La lengua en pedazos –otra pieza sobre la santidad, la locura y el sentido de la vida-, sé que es Reikiavik la obra que necesito dirigir.

La especie dominante / 2 NOVIEMBRE / 21:00 h.

Texto y dirección: Agustín Iglesias

Intérpretes: Magda García-Arenal, Cándido Gómez, Mario Benítez y Nuqui Fernández
Compañía: Teatro Guirigai (Extremadura)

Sinopsis:

Un catedrático de macroeconomía, una cajera de supermercado recién despedida, una pareja de limpiadores, una abogada madura despedida por la joven ejecutiva ambiciosa, un joven tiburón de las finanzas, dos vendedoras de unos grandes almacenes, un matrimonio disfrutando de los placeres del sexo y el dinero o un desesperado cincuentón llamando a una línea erótica son algunos de los dieciséis personajes de esta tragicomedia. Personajes que nadan por las turbulentas aguas de esta crisis que saca lo mejor y lo peor de nosotros mismos y que nos sitúa en un mundo donde, sobre todo, impera el poder del dinero.

Siete escenas y 16 personajes que surgen de las páginas de los diarios, de las voces de la radio, de las conversaciones a media voz de familiares y amigos. Sus rostros se encuentran en la prensa, en los medios digitales, en los reportajes televisivos, en los desconocidos con los que nos cruzamos a diario.

La última batalla – Sótano /2 NOVIEMBRE / 23:00 h.

Autor: Manuel Tirado

Director: Francisco Suárez
Intérprete: Guillermo Serrano

Sinopsis:
El texto explora el sentimiento de desamor de una mujer, Clitemnestra, esposa de Agamenón, ninguneada, maltratada y abandonada por su marido. Al final lo asesinará, pero nadie, hasta esta noche, sabrá que hizo la reina en su aposento una hora antes de que volviera su esposo de la guerra de Troya. Las Erinias, diosas de la Venganza, escondidas durante diez largos años debajo de su cama, saldrán a recibirlo.

La vida secreta de Mamá / 3 NOVIEMBRE / 21:00 h.

Autor: Concha Rodríguez

Director:  Sergio Gayol

Intérpretes: Esteban G. Ballesteros, Concha Rodríguez, Inma Pedros, Ángela Tomé, Miguel Pérez Polo, Sandro Cordero, Rubén Torres, Nuria Cuadrado y Carmela Romero

Compañía: Estampa teatro (Extremadura)

Sinopsis:
Un matrimonio, totalmente independizado de sus hijos –todos viven en ciudades bastante distantes del nido-, viviendo en paz y plenitud, reciben una horrible noticia: Su repelente yerno, según ellos, opta con grandes probabilidades en dirigir la empresa en la que el suegro lleva trabajando toda su vida y entre semana vivirá en la casa familiar. Ante tales hechos, se ven obligados a revelar la vida secreta de mamá, en la que nada es lo que parece y en la que el padre queda en flaco lugar. Todo menos ser descubierto en su vida socio-laboral. Mentiras y secretos familiares saldrán a la luz, para lo que intentarán utilizar todo tipo de medios, hasta los más sobrenaturales. Jaque mate a una familia al descubierto.

El cuarto poder / 4 NOVIEMBRE / 21:00 h.

Autor: Laura Olmo

Directora: Laura Durán
Intérpretes: Raquel Bravo, Inma Pedrosa, Sara Jiménez, Isabel Parejo, Sergio Rodríguez y Fulgencio Valares

Compañía: Escuela Superior de Arte Dramático de Extremadura

Sinopsis:
Desde hace siglos actúan en nuestra sociedad tres tipos de fuerzas: el poder ejecutivo, legislativo y judicial. Neonato al lado de estos tres poderes aparece el cuarto: la prensa. Ésta ha ido tomando distintos formatos y encuadres desde su nacencia… ¿Tanto es el poder de los medios de comunicación en la actualidad? ¿Existe la verdad objetiva? ¿El poder nos corrompe? ¿Está el cuarto poder al servicio de los otros tres poderes o están éstos al servicio del joven cuarto poder? ¿Salimos en nuestro país de la situación de censura, miedo y sumisión de hace 60 años? ¿Somos la generación más aborregada de la historia? Son algunas de las preguntas que nos plantea la obra.

Julie – Sótano / 4 NOVIEMBRE / 23:00 h.

Autor: Miguel Murillo

Dirección y adaptación: María José Mangas
Intérprete: Leonor Aunión

Compañía: Mutedán teatro de Badajoz (Extremadura)

Sinopsis:
Julie, nos traslada al París de 1944, bajo la ocupación alemana en la Segunda Guerra Mundial. Un monólogo sobre el ser humano y su cobardía, la alegría de vivir y la lucha por el amor a pesar de todas las dificultades. Julie Morat, “la voz de cristal”, cantante del club Le Lion D’or de París, tendrá que pagar un precio por enamorarse de un soldado alemán, por lo que será juzgada de colaboracionista.

Julie, nos hace amar, llorar, soñar, luchar… y nos traslada con sus ojos al cielo de nuestro París más personal. Julie es vulnerable y fuerte a la vez como el cristal, es del 1944, es actual, es eterna. Julie nos rejuvenece, nos emociona y hace despertar en nosotros la búsqueda de la verdad de uno mismo.

ENTRADA GENERAL: Butaca de patio: 12 € / Anfiteatro: 10 €

ABONOS (11 funciones): 60 € ABONOS CARNET JOVEN, PENSIONISTAS, DESEMPLEADOS Y MIEMBROS DE FATEX: 30 €

FUNCIONES FUERA DE ABONO: Sábado 22 de octubre  ‘El amor brujo’ / Domingo 23 de octubre ‘El Jurado’ / Lunes 24 de octubre ‘Los misterios del Quijote’   Butaca de patio: 20 € / Anfiteatro: 18 €

DESCUENTO CARNET JOVEN, PENSIONISTAS, DESEMPLEADOS Y MIEMBROS DE FATEX: Butaca de patio: 15 € / Anfiteatro: 12 €

Precios funciones sótano: Sábado 29 de octubre 23:00 h. ‘Encuentros casuales’ / Miércoles 2 de noviembre 23:00 h. ‘La última batalla’ / Viernes 4 de noviembre 23:00 h.  ‘Julie’   Precio único: 10 € (Aforo máximo de 60 personas) / Para estos espectáculos el público dispondrá de sillas no numeradas

Espectáculos Festival Joven: Martes 25 de octubre ‘El pequeño Poni’ /   Miércoles 26 de octubre ‘Mármol’ / Domingo 30 de octubre  ‘El retablo de las maravillas’ / Martes 1 de noviembre ‘Reikiavik’ / Miércoles 2 de noviembre‘La especie dominante’ / Jueves 3 de noviembre‘La vida secreta de Mamá’ / Viernes 4 de noviembre‘El cuarto poder’

7 de octubre de 2016
Olga Estecha «El alma del Teatro Clásico de Alcántara»

Alcántara, como todas las localidades mágicas de Extremadura, tiene su propio color, su particular sonido, su fragancia impresa en zaguanes y rincones, su espectro de silencio, un mutismo orgánico que sólo los retozados en sus sillerías saben apreciar. Alcántara es un jeroglífico de venas árabes, sangre batallera y músculo romano, una frontera que divide el habla y proyecta su eco en patios de conventos, una villa que chulea de arquitectura, un puente con piernas de coloso y un muro de hormigón que mantiene en suspense una cantidad ingente de agua, muchos siglos de luchas y 32 años de arte y cultura en forma de teatro.

De esas 32 ediciones, las últimas cuatro las llevan confeccionado un equipo profesional made in Extremadura con Olga Estecha a la cabeza como directora artística. A Olga le brillan los ojos al hablar de teatro, se le agarrotan las manos al hablar de sus compañeros de profesión, de los que trabajan planchando los trajes, de los que iluminan con un foco desde el fondo del escenario, de los que escriben obras, de los que arriesgan su vida para montar una compañía, de los que actúan, recitan, sienten y gozan encima del escenario, de los que a pocos metros de los actores, en la orilla del Convento de San Benito, se dejan llevar por historias y tiran de lágrimas para no parpadear, para no perderse un instante del instante único e irrepetible de una obra de teatro.

Sabemos que Alcántara supone un hito muy importante en tu carrera…

…Sin lugar a dudas, yo vengo del teatro extremeño, yo empecé profesionalmente con el Teatro Estable en Cáceres, pero curiosamente para mí Alcántara tiene mucha magia porque yo empecé en esta localidad haciendo teatro amateur interpretando a la Princesa de Éboli. Fui un salto muy importante en mi carrera y la implicación con este Festival es desmedida por el cariño que le tengo a este escenario.

¿Cómo llegas a la dirección tan pronto?

Compaginando el papel de actriz y ayudante de dirección gracias al Teatro Estable de Cáceres de la mano de Paco Carrillo. Con Atacama Teatro empiezo también a dirigir sin dejar de actuar hasta hace diez años que me quedé embarazada y la maternidad me llevó por otros caminos en la dramaturgia. En ese momento te dejan de llamar, tan duro como una obra trágica de teatro…[Ríe].

Pero la vida da muchas vueltas, y tras currarte la vida en los escenarios ahora puedes dirigir un festival tan relevante para la región…

Tengo la suerte de haber mamado esta profesión en Extremadura, de haber trabajado con verdaderos maestros y compañeros y eso me hace conocer parte de los que se cuece en los escenarios y en el público que asiste al teatro. He recorrido muchos kilómetros con funciones por toda la región y tengo una perspectiva muy cercana de cómo se trabaja aquí.

“En primer año como directora adelgacé dieciocho kilos y me rompí una pierna”

¿Cuánto tiempo llevas como directora artística y qué balance puedes hacer en este tiempo?

Es mi cuarta edición en el Festival de Teatro Clásico de Alcántara y el balance es bastante personal, es decir, cuando realicé el proyecto para el Festival programé todo aquello que yo quería hacer. En el primer año comenzamos muy tarde, sólo tuvimos tres meses para preparar todo, gracias a que tengo un equipo profesional… [Ríe]…y familiar buenísimo. No olvidemos que éste festival llevaba un rodaje de veinte años y eso te lo pone mucho más fácil. De ese primer año recuerdo que me dejé aconsejar por los trabajadores que habían trabajado las ediciones anteriores, pero fue duro…[Ríe]…adelgacé dieciocho kilos y me rompí una pierna. Los años sucesivos mantuvimos la adrenalina y los nervios de la producción pero bastante más relajado.

“Tengo la suerte de haber mamado esta profesión en Extremadura, de haber trabajado con verdaderos maestros y compañeros excepcionales»

¿Qué trabajo, cuánto tiempo lleva elaborar un festival como este?

Sobre diciembre empezamos a ver obras relacionadas con el siglo de Oro. Preparamos una planilla para viajar y poder seleccionar los montajes más adecuados para este festival. Los vídeos ayudan bastante para hacer más fácil el visionado de las obras. El escenario de este festival tiene unas peculiaridades y queremos que la obra encaje sin forzar. Con el Brujo, por ejemplo es fácil, porque él sólo llena el escenario y el público es fiel a sus representaciones. Dentro de este trabajo de selección también queremos acercar al público más joven el teatro del siglo de Oro, con obras más arriesgadas y con caras conocidas sin perder un ápice la calidad de la obras. No queremos olvidar tampoco a las compañías independientes dentro de este marco, aportan mucha frescura.

Y hablando de frescura ¿Qué ofrece el programa de esta edición?

Este es uno de nuestros objetivos a la hora de definir que programación hacer. Queremos acceder al abanico más variado de público posible, de ahí la variedad. Buscamos una programación seria, variada, que cifra en la calidad de los espectáculos su premisa irrenunciable. Por supuesto, enclavados en Renacimiento y siglo de Oro.

¿Qué esperas del público que asiste a estas obras…con qué te quedas?

No me canso de decir que el público alcantarino es un público acostumbrado al teatro clásico. Lo disfrutan, lo conocen,….el siglo de Oro no es un desconocido para la población. Con esto es con lo que me quedo. Espero que les guste la programación y que disfrutemos todos de estas noches que presiento mágicas.

¿Esa magia supone un chute de dramaturgia, un verdadero impulso de turismo cultural?

Creo que el turismo cultural es una de las grandes bazas de nuestra Comunidad. Tenemos una región cuyo verano se impregna de cultura. Tenemos un patrimonio histórico enorme, al que debemos unir todo nuestro potencial, todo nuestro esfuerzo para hacer de los veranos extremeños, calurosos y culturales, un lugar ineludible de vacaciones… !Aquí hay una cultura de lujo, disfrutémosla!

“¡Aquí hay una cultura de lujo, disfrutémosla!”

Tú que vives el teatro 24 horas al día y 365 días al año…¿Cuál es el estado de salud del teatro?

Extremadura tiene profesionales como la copa de un pino, con gente muy buena a la que hay que mimar y apreciar más. El caso en el que este festival no hay actores extremeños es pura coincidencia, son años puntuales y obras muy definidas, no significa que los tengamos olvidados. En el momento que Extremadura exista un montaje que consideremos que esté a la altura de los 200 metros cuadrados y del público que asiste a las representaciones tendrá cabida sin lugar dudas dentro de la programación. Esa sensación generalizada de pensar que los de aquí valemos menos en el ámbito cultural es un desacierto mayúsculo.

Entrevista. Willy López | Fotografía. Félix Méndez

1 de agosto de 2016